SCULPTURE

Jean-Luc Vilmouth, édition spéciale

2012-01-25T17:47:00.000+01:00

"Construire, 1, 2, 3" (1985/87). Collection Frac Bourgogne.

Tabouret, palettes; dimensions: 2 m x 2 m x 1,80 m

L'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles - École Supérieure des Arts aura le plaisir d'accueillir le sculpteur Jean-Luc Vilmouth à l'occasion d'une résidence d'artiste en ce début février 2012. Celui-ci travaillera à une "édition spéciale" dans l'atelier de sérigraphie de notre école; ce séjour sera l'occasion de rencontres et d'échanges attendus particulièrement par l'option sculpture; cet événement s'inscrit dans le cadre des manifestations prévues autour du 300ème anniversaire de l'ARBA-ESA.
Pour découvrir les œuvres de l'artiste, deux sites officiels sont proposés : http://www.jlvilmouth.com/ plus complet (photos de petites dimensions) et http://www.jlvilmouth.com/vilmouth.com/index.html , sans doute plus récent, mettant l'accent sur le visuel et l'ergonomie.

L’œuvre de Jean-Luc Vilmouth a longtemps été associée à la Nouvelle sculpture anglaise, à la fin des années soixante-dix et au début des années 1980. Il ne s’agissait pas à proprement parler d’un mouvement, mais plutôt d’un rapprochement effectué par la critique entre des artistes qui élaboraient leurs œuvres à partir d’objets du quotidien. Ainsi ont été réunis Tony Cragg, Bill Woodrow et David Mach, mais aussi Jean-Luc Vilmouth ou Daniel Tremblay, les deux artistes français ayant séjourné à Londres.

Extrait de la présentation de l'artiste sur le site du FRAC Bourgogne où il a exposé à plusieurs reprises.

Quelques réalisations de cet artiste très prolixe; liste non exhaustive...

"Autour d'un Palmier 1", (1989), Villa Arson.

Un escalier hélicoïdal s'enroule autour d'un palmier. Nice.

Le premier des nombreux projets réalisés sur ce thème..

"Bar des Plantes" (1999-2005), Ligne B tram - Strasbourg

(voir explications sur le site de Jean-Luc Vilmouth.

Jean-Luc Vilmouth photographe dans la série "My Dream Houses".

Myself as C.T, dans la région de Phnom Penh (2004)

« Nous sommes heureux dans cette maison, avec ma femme et mes enfants. »

A découvrir ici sur le site du MUDAM - Luxembourg

Une commande publique parmi d'autres, le très poétique Belvédère des Ondes à Saint-Benoît-des-Ondes, Ille-et-Vilaine; fiche descriptive sur le site de Eternal Network.

"Comme une Cage de Lumière" (1985). Saint-Fons - France.

Le plasticien est également connu pour ses performances.

Asami Nishimura + Jean-Luc Vilmouth, "Psychic Fish 3" (juin 2011); performance réalisée dans le cadre de « COSMOGARDEN 7 », événements de la fondation franco-japonaise de Fère (à proximité de Reims). Découvrir le concept de ces rencontres sur le site.

Performance réalisée avec Asami Nishimura, Jean-Luc Vilmouth et un poisson Bêta bleu, les deux personnages sont intégrés dans la nappe comme si celle ci les habillait entièrement. Le poisson est placé dans un bocal au centre des deux personnages. Les regards fixent uniquement le poisson pour proposer une sorte de relation spychotélépathique par l’intermédiaire du poisson. (Le Bêta bleu est un poisson thaïlandais).

Les photos proviennent des sites de l'artiste.

Conrad Shawcross et Nancy Rubins, Mondes inventés, Mondes habités

2012-01-22T18:46:00.000+01:00

"The Nervous Systems, une installation imaginée pour le Grand Hall du Mudam, vient s’ajouter à une série de dispositifs semblables commencée en 2003 et dans laquelle l’artiste, par ailleurs adepte de voile, s’ingénie à faire et défaire des cordes. Par son aspect imposant, cette machine métaphorique en forme de tour rappelle à la fois un accélérateur de particules et un spinning jenny, la première machine à filer de l’ère industrielle. Sa forme hexagonale, la structure hélicoïdale de ses deux escaliers en colimaçon et les brins des cordes qui, tels des faisceaux de lumière, semblent jaillir d’un foyer commun s’agrègent en une évocation visuelle de récentes découvertes ou théories scientifiques, du décryptage du génome humain à la théorie des cordes développée en physique théorique. La lenteur des mouvements de la machine renvoie quant à elle au passage du temps, qu’elle rend de ce fait palpable. Le temps est présent dans ses deux formes fondamentales, cyclique et linéaire, incarnées respectivement par le tournoiement circulaire des 162 rouleaux de fil et l’allongement progressif de la corde ainsi produite.

The Nervous Systems propose une réflexion artistique sur des phénomènes aux confins de la physique et de la métaphysique. Énigmatique, la machine de Conrad Shawcross demeure à tout jamais mystérieuse, contradictoire et fascinante."

Extrait de la présentation de l'installation de Conrad Shawcross sur le site du Mudam

Vidéo d'une interview de l'artiste à propos de son installation; ne pas rater les vues d'une autre œuvre en fin de séquence : http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=KrrD_r8bPhc
Une autre vidéo (ne pas tenir compte du son) plus "artisanale mais qui rend mieux compte du mouvement des bobines et des cordages : http://www.youtube.com/watch?v=EGCpN-c1aX4&feature=related
"The Nervous Systems (Inverted)", du 08 octobre 2011 au 06 mai 2012 au Mudam Luxembourg - Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean.

Découvrir d'autres œuvres de Conrad Shawcross sur son site : http://conradshawcross.com/ comme "Space Tesselation (Triple Helix)", (2005). Chêne, acier inoxydable, 3m x 3m x 2m. Ou encore les très spectaculaires "Paradigm (Ode to the Difference Engine)", (2006). Chêne, cordages, système mécanique; dimensions variables, et "Counterpoint" (2006). Chêne, acier, système mécanique, lumières, 3m x 3m x 2.5m.

Cette installation s'inscrivait dans l'exposition Mondes inventés, Mondes habités (terminée ce début janvier 2012) qui "aborde la question de la technique transcendée par le génie artistique. Elle met en avant des créateurs, des « poètes techniques », qui, plutôt que de se limiter à l’aspect utilitaire, basent leur recherche sur la compréhension de l’existence et la beauté des machines. Ainsi, à travers les œuvres d’une vingtaine d’artistes de différentes générations et aux horizons divers, transparaissent la capacité d’invention et d’émerveillement, l’audace et la curiosité qui caractérisent l’aventure humaine, artistique et technique."

Avec la participation de David Altmejd, Chris Burden, Vija Celmins, Björn Dahlem, LeónFerrari, Vincent Ganivet, Paul Granjon, Theo Jansen, Bodys IsekKingelez, Paul Laffoley, Isa Melsheimer, Miguel Palma, Panamarenko,Robert & Shana ParkeHarrison, Nancy Rubins, Conrad Shawcross,Roman Signer, Jan Švankmajer

Curateurs : Marie-Noëlle Farcy, Clément Minighetti

"Table And Airplane Parts" (1990). Morceaux d'avions assemblés sur une table. © - Cliché André Morin. Collection Frac Bourgogne, Dijon. (pour en savoir plus sur cette sculpture : http://www.frac-bourgogne.org/scripts/album.php?mode=data&id_lang=1&id_artiste=157#

Parmi les artistes exposés, Nancy Rubins présentait une de ses spectaculaires installations, conglomérat monumental de débris d'avions et d'appareils électroménagers; des superbes sculptures qui évoquent nos décharges modernes avec force et ingéniosité.
Découvrir d'autres œuvres de l'artiste : http://www.gagosian.com/exhibitions/july-16-2010--nancy-rubins/exhibition-images
Lire à propos des dessins de l'artiste : http://dessindrawing.blogspot.com/2009/11/nancy-rubins.html

Miró, César, Calder, Moretti, Venet, la Défense de la sculpture

2012-01-21T22:04:00.000+01:00

Le bassin de Takis (Il y a une autre sculpture de l'artiste sur le site "Arbres lumineux")

Un parcours fort éclectique de 68 sculptures à faire dans le quartier de la Défense à Paris. Et pour vous aider à vous retrouver lors de votre parcours, repérez vous sur les bâtiments... et les sculptures, un conseil du site Evous.fr :
"... Sans vous préoccuper des différents noms de quartiers ou d’immeubles, les différentes sculptures, les monuments ou certaines tours distinctives peuvent vous aider à vous repérer. Premier exemple : la Grande Arche, facilement reconnaissable, est située à l’extrémité ouest du quartier (voir le Pdf "Plan de La Défense"), l’autre extrémité, est, étant matérialisée par les vignes du clos Chantecoq et par Le Bassin Takis (flèches métaliques aux bouts colorés disséminés dans un petit bassin). Autre repère, par exemple : la Fontaine Agam, dont le fond est recouvert de bandes multicolores. Celle-ci est au centre du quartier, près de la Place de la Défense, près du commissariat, près de l’Araignée rouge d’Alexander Calder (grande structure métallique rouge), laquelle fait face aux Deux Monstres de Miró, lesquels jouxtent une entrée des Quatre temps. Le Pouce de César est lui à l’arrière du Cnit, sur la Place Carpeaux, en face de la passerelle du faubourg de l’Arche... Entre autres exemples."

"Le Calder de la Défense", 15 mètres de haut , 65 tonnes; elle a été installée sur la place de La Défense en 1976. L'artiste Calder présente une version pour La Défense de son fameux "Stabile" qui est présent dans plusieurs grandes villes du monde tel que : Montréal, New York,...

Voir la liste des oeuvres proposée par Wikipédia : http://fr.wikipedia.org/wiki/Liste_des_œuvres_d%27art_de_la_Défense?uselang=fr

Le Moretti (ou Cheminée Moretti) est une œuvre de l'artiste français Raymond Moretti. Il s'agit de l'habillage d'une cheminée d'aération de 32 m de haut par plusieurs centaines de tubes de fibre de verre de couleurs vives. Le Moretti est une installation composée 672 tubes de fibre de verre, d'un diamètre allant de 2 à 30 cm peints de 19 tons différents, vifs et froids, pour une longueur totale de 22 km et un poids total de 27,5 t. Ces tubes recouvrent la totalité de la surface externe d'une cheminée d'aération de 32 m de haut et de forme légèrement ovoïde. (Wikipedia)

Se tenir informé de "l'actualité" de la Défense sur le site "La Défense Seine Arche (EPADESA)" , ou le non officiel www.defense-92.fr/ (ouvrir l'onglet "oeuvres d'art")

La Défonce (parfois orthographiée La Défonse) est une œuvre de l'artiste français François Morellet, à proximité de la Grande Arche. Elle est composée d'un ensemble de barres d'acier qui composent une forme rectangulaire simple, inclinée et à moitié enfouie dans le sol. L'une des barres transperce un bâtiment situé à proximité. La Défonce est une installation composée de sept barres métalliques peintes de 25 m de long, 70 m de large et 3,3 m de haut au maximum. Ces barres composent une structure parallélépipédique inclinée et à moitié enfouie dans le sol. L'une des barres transperce le toit du bâtiment du Fonds national d'art contemporain, à côté duquel elle est installée.

Rodin, l'anatomiste

2012-01-21T17:01:00.002+01:00

Dessins ou sculptures, les expositions d'Auguste Rodin ont toutes un point commun : comme les œuvres y sont irrésistibles et innombrables, elles font osciller le visiteur entre admiration et épuisement. Il en sort hébété et convaincu que Rodin est un créateur inépuisable dans le genre Picasso, un de ces rares artistes qui tentent tout et sortent vainqueur de toutes les difficultés qu'ils s'imposent sans cesse. Pour donner un aperçu de ce que Rodin a fait sur le papier, avec un crayon, de l'encre ou des couleurs pendant les deux dernières décennies de sa vie, des années 1890 à 1917, le Musée Rodin a donc sorti de ses collections trois cents œuvres.

Lire la suite de l'article "Rodin, l'anatomiste incomparé" de Philippe Dagen sur Le Monde.fr

"La saisie du modèle", Rodin 300 dessins 1890-1917
Musée Rodin, 79, rue de Varenne, Paris 7^e

Quelques articles consacrés à Rodin :
http://acasculpture.blogspot.com/2010/01/rodin-face-ses-modeles-rodin-face-lart.html
http://acasculpture.blogspot.com/2009/10/matisse-rodin.html
http://acasculpture.blogspot.com/2009/03/rodin-erotique.html
http://acasculpture.blogspot.com/2009/03/la-sculpture-d-apres-rodin.html
...
http://dessindrawing.blogspot.com/2011/07/rodin-les-dessins.html
http://dessindrawing.blogspot.com/2011/07/rodin-assemblage.html

Richard Purdy ou la sculpture "Écho-l'eau"

2012-01-18T23:37:00.000+01:00

Cette vidéo (de Marcel Dubé) pour illustrer les dernières installations (4) de l'artiste canadien Richard Purdy, réunies autour du monde aquatique dans son exposition "L'Écho-l'eau", à l'Espace Shawinigan (Cité de l'énergie); sans doute la meilleure manière pour comprendre son travail, faute de se mouiller la chemise in situ...

Photo: Sylvain Mayer

«Je suis un spécialiste des installations in situ et j'exploite le côté multisensoriel pour offrir aux gens une expérience totale qui stimule plusieurs sens simultanément plutôt que la seule vue. Le bassin extérieur reprendra le principe du plancher d'eau mais les gens pourront simplement apprécier l'aspect visuel assuré par la réflexion du ciel et de la tour du stade à l'envers sur ce très grand miroir ou ils pourront aussi y barboter pour ajouter la sensation physique à l'expérience.»

Extrait d'une interview à découvrir sur le site Le Nouvelliste
Vous y découvrirez également les nouveaux projets de l'artiste.

(Photo Clément Morin)

Le site de l'artiste; différents pdf à ouvrir en fonction des époques visitées : http://richardpurdy.ca/

Lire également un article plus ancien :
« Richard Purdy ou l’écologie à la dérive », de Sylvie Ollivier dans la Vie des Arts, vol. 35, n° 141, 1990, p. 42-44.

Pour les pluies intérieures, on se rappellera le "Refuge" de Stéphane Thidet.

(image trouvée sur le site COAL)

Pour les arbres têtes en bas, on pensera immanquablement à la forêt suspendue de Lucie Lom qui avait marqué les esprits lors de Lille 2004.

(Photo nordmag)

Bêtes Off sculpture

2012-01-15T17:41:00.001+01:00

Après avoir, le temps de la manifestation nationale Monuments et Animaux, colonisé divers sites à travers la France, certainesbêtes hivernent à Paris. Elles viennent peupler une forêt mystérieuse implantée au sein de la Conciergerie.
En s'aventurantdans cet espace sauvage, le public fera d’étranges rencontres. Au gré de sentiers à thème – l’allée des chimères, la routedu lac ou le chemin du bout du monde –, il découvrira des oeuvres surprenantes : objets de fantasme, miroirs réfléchissantnos travers et nos faiblesses ou témoins alarmants des grands enjeux environnementaux, les créatures ici rassemblées illustrent les diverses fonctions de l’animal dans l’imaginaire de nos contemporains.
Présentation de l'exposition sur le site du Centre des Monuments Nationaux

Claire Morgan, "Here is The End of All Things" (2011) .Photo copyright Claire Morgan 2011.

Les avis ne sont pas tous enthousiastes; ainsi, tout en reconnaissant la présence au sein de cette expo de "fort belles œuvres", on peut lire sur le blog de référence "Amateur d'art par Lunettes Rouges" :

C'aurait pu être une exposition intéressante, avec un thème assez accrocheur, les animaux dans l’art contemporain. Malheureusement Bêtes Off (à la Conciergerie jusqu’au 11 mars) ne tient pas ses promesses, et cela dès l’affiche : une magnifique autruche prête à vous mordre, mais qu’on ne verra nulle part dans l’exposition ; en tout cas, je ne l’ai pas vue, car l’absence de cartels, même pas le nom des pièces montrées, et l’indigent livret remis à l’entrée, sans plan et avec de petites vignettes pas très ressemblantes, font que le visiteur est complètement perdu...

Quelques images à découvrir : http://www.francetv.fr/info/betes-off-l-etonnant-zoo-de-la-conciergerie_36111.html ; dont celle-ci : "Lichaam" (2002-2006), de Berlinde de Bruyckere. Photo Elodie Drouard.

Avec la participation de :
Greta Alfaro, Art Orienté objet (Marion Laval Jeantet et Benoît Mangin), Renaud Auguste-Dormeuil, Guillaume Baychelier, Vincent Beaurin, Ghyslain Bertholon, Louise Bourgeois, Céleste Boursier-Mougenot, Berlinde de Bruyckere, Sheila Concari, Johan Creten, Nicolas Darrot, Agathe David, Guillaume Dégé, Anne Deleporte, Mark Dion, Goliath Dyèvre, Julie Faure-Brac, Philippe Favier, Maïder Fortuné, Gloria Friedmann, Delphine Gigoux-Martin, Christian Gonzenbach, Nicolas Guilbert, Markus Hansen, Huang Yong Ping, Rodolphe Huguet, Laurie Karp, Karen Knorr, Isabelle Lévénez, Ariane Michel, Claire Morgan, Tania Mouraud, Erik Nussbicker, Philémon, Françoise Pétrovitch, Eric Poitevin, Nikolay Polissky, Philippe Rahm, Samon Takahashi, Laure Tixier, Muriel Toulemonde, Elmar Trenkwalder, Dimitri Tsykalov, Quentin Vaulot, Arnaud Verley, Gavin Younge et Xue Sun.

Une exposition à voir (ou éviter?) à la Conciergerie, 2 boulevard du Palais à Paris, du 17 novembre 2011 au 11 mars 2012.

Rapellons la très belle (mais petite) exposition Wunderkammer, cabinet de curiosités contemporain qui se tient au Botanique à Bruxelles, et qui se termine ce 31 janvier 2012, incluant de nombreuses bestioles plus impressionnantes les unes que les autres... et dont nous avons parlé précédemment :
http://acasculpture.blogspot.com/2011/12/wunderkammer-et-cabinets-de-curiosites.html

Jean-Luc Moerman, "Triceratops" (2007), peinture sur polyester. Photo JFD.

William Sweetlove, "Red Warthog on the Beach" (2010), plastiqe, epoxy. Photo JFD.

Rappelons également en son temps la superbe exposition "Bêtes et Hommes", en 2007, à la grande Halle de la Villette à Paris.

Nous avons déjà évoqué à plusieurs reprises des artistes inspirès par le monde animal :

Christian Gonzenbach

Claude et François-Xavier Lalanne

Damien Hirst
Berlinde de Bruyckere
Liu Wei
...

Henrique Oliveira, bois couché

2011-12-27T13:57:00.005+01:00

Henrique Oliveira est un jeune artiste brésilien (São Paolo) qui s'est spécialisé dans la mise en oeuvre de bois tranché (utilisé pour les placages), et qui réalise de grandes structures pénétrables avec ce matériau en juxtaposant des couches de différentes essences de bois.

"The Origin of the Third World", vue intérieure (2010); 29ème Biennalel de São Paulo (installation).

Bois, PVC et métal. Dimensions : 4,9m x 45m x 5m

"Tapumes" (2008) Galerie Vallois, Paris

Bois et PVC 3,2m x 6,2m x 0,9m

"Tapumes" - Casa dos Leões - (2009) VII Biennale de Mercosul, Porto Alegre, Brésil.

Bois et PVC. Photo : Eduardo Ortega

Pour sa première exposition à la Galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois -également sa première exposition personnelle en Europe - l’artiste brésilien Henrique Oliveira (né en 1973) transpose au cœur de Paris la déliquescence dynamique des banlieues de São Paolo, sa ville natale. Que ce soit dans sa peinture, ses sculptures ou ses installations, Oliveira parvient à libérer une série de formes, de textures et de couleurs pleines de vie, dont l’aspect organique est à la limite du parasitique. Il associe la chair même de sa ville natale en utilisant du bois de « tapumes »,c’est à dire de palissades, à de nombreuses références à l’histoire de l’art et à la science.

.Lillian Davies, texte de présentation sur le site slash/paris à propos de l'exposition de l'artiste à la Galerie Philippe et Nathalie Valois

"Bololô"(2011), Smithsonian National Museum of African Art, Washington DC (installation).

Bois; dimensions : 4,3 x 9,2m x 7,6m

Le site de l'artiste pour découvrir l'ensemble des photos : http://www.henriqueoliveira.com/

Merci aux amis de facebook pour cette découverte.

Maurizio Cattelan, la reconversion

2011-12-13T17:29:00.002+01:00

Exposition rétrospective de Maurizio Cattelan au Guggenheim de NY, du 4 novembre 2011 au 22 janvier 2012. Voir la page d'accueil du musée et découvrez la vidéo du montage de l'installation : http://www.guggenheim.org/new-york/exhibitions/on-view/maurizio-cattelan-all

"Maurizio Cattelan: artiste de haut vol", un article à découvrir sur le site de PARIS MATCH :
http://www.parismatch.com/Culture-Match/Art/Actu/Maurizio-Cattelan-artiste-de-haut-vol-363465/

Paris Match. Que ressentez-vous devant l’ensemble de vos 128 pièces, suspendues dans la rotonde du musée Guggenheim ?
Maurizio Cattelan. Je me sens comme un père qui a abandonné ses enfants et les retrouve. C’est ce que vous découvririez si vous cassiez mon cerveau.
L’idée n’était pas de reproduire le travail tel qu’il a été conçu et présenté, mais de faire un commentaire. Tout est au même niveau, travaux connus et moins connus ; ils pendent comme des saucissons. Ce qui enlève le côté tragique de certaines œuvres. Je l’intitulerais “Le pire de Maurizio Cattelan”. C’est une rétrospective sans nouvelle pièce, mais qui constitue en soit une nouvelle œuvre ! J’ai essayé de trouver le bon équilibre entre le compromis et sauver mes fesses.

Découvrir un ensemble d'oeuvres de l'artiste sur le site de la Galerie Perrotin :
http://www.perrotin.com/artiste-Maurizio_Cattelan-2.html

L'artiste s'est déclare "fatigué" et à annoncé qu'il souhaitait "changer d'occupation", pour mieux se concentrer sur ce qui semble sa nouvelle activité : le magazine au nom engageant de TOILETPAPER...
Voir un ensemble de vidéos sur YouTube

La visite au musée...

2011-12-09T09:24:00.001+01:00

BRUXELLES - Virez l'art contemporain du dedans, il renaitra au dehors! Une dizaine d'étudiants de l’Académie des Beaux-Arts se sont changés en statues humaines pour protester contre la fermeture du Musée d’Art Moderne.

« Et nous alors ? », grognent-ils, les mains dans le plâtre. « Notre accessibilité à la création ? Notre visibilité au public ? ». C’est qu’effectivement l’un et l’autre sont menacés depuis le 1er février et la fermeture du Musée d’Art Moderne. Et ces étudiants de l’Académie des Beaux-Arts se sentent directement concernés. Alors c’est leur avenir, leur passion, leur métier qu’ils sont venus défendre, de manière très... artistique.

« Nous avons décidé de nous emplâtrer car nous sommes inquiets quant au devenir culturel », explique l’un d’eux. « En tant que jeune génération créative, nous nous trouvons figés face à cette décision ». Au sens propre : petit à petit, ce sont huit statues humaines qui s’élèvent sur les marches du musée. L’art contemporain n’a plus sa place à l’intérieur, il s’exporte et s’expose à l’extérieur. Une performance symbolique face à une fermeture problématique : Bruxelles, capitale de l’Europe, n’a plus du tout de musée d’art moderne...
On pourrait contester, et avancer que la fermeture n’est que temporaire, qu’elle se fait dans l’attente de la construction d’un nouveau musée d’art contemporain, bien plus beau, bien plus grand. « Oui, mais dans combien de temps? », répondent ces étudiants. « 10 ans ? 20 ans ? C’est impensable de priver si longtemps le public et les jeunes artistes d’un accès à une collection d’art contemporain ».

Attirés par l’agitation, quelques membres du personnel viennent s’entasser sur les marches. Et contre toute attente, ils approuvent ! « Nous sommes également sensibles à la question », glisse rapidement un employé.

Plus les minutes passent, plus la foule s’amasse. Les passant sourient, lisent les tracts. Certains mettent même la main à la pâte ; la main dans le plâtre...

Article repris de l'Avenir.net : http://www.lavenir.net/Article/Detail.aspx?articleID=DMF20111208_015

Et pour creuser le sujet, le site Musée sans Musée qui rassemble les opposants à la fermeture : http://museesansmusee.wordpress.com/

Crédits photos V. Go.

Wunderkammer et cabinets de curiosités

2011-12-08T07:37:00.000+01:00

Jan Fabre, "L'Oisillon de Dieu" (2000);

crâne, ailes de coléoptères, perruche empaillée, collection particulière

Pascal Bernier, "Funeral Fish" (1996);

boîtes de poisson, croix métalliques.

Ulrike Bolenz, "aquarium" (2006?)

Laurence Dervaux (2003), "A raison de 7000 litres de sang pompés par le cœur humain en vingt-quatre heures, cette pièce représente le nombre de litres pompés en une heure et vingt-huit minutes "

750 réceptacles en verre transparent, eau colorée; chaque réceptacle est recouvert d’une plaque de verre.

Dimensions : 160/110/340 cm.

Jacques Dujardin; création en charcuterie.

L'exposition Wunderkammer, cabinet de curiosités contemporain, rassemble plus de 20 artistes plasticiens travaillant en Belgique. Ils ont également ceci de commun qu'ils créent, à travers leur art, des mondes imaginaires. La réunion de leurs œuvres au sein du Botanique évoque l'ambiance singulière et mystérieuse, toujours à la frontière entre science et croyance, du cabinet de curiosité renaissant.
Pour l'occasion, le Museum du Botanique se transforme et se rend méconnaissable.
Dans ce parcours aux allures initiatiques, le visiteur aura l'occasion de découvrir une Wunderkammer - littéralement chambre des merveilles - aux accents résolument contemporains. Pour ce faire, les artistes se sont volontiers prêtés à l'exercice de style, laissant de côté les espaces épurés qui mettent traditionnellement leurs œuvres en valeur au profit d'une scénographie d'accumulation, inspirée des cabinets d'antan.
Extrait de la page de présentation du Botanique : http://www.botanique.be/expo/wunderkammer-cabinet-de-curiosit%C3%A9s-contemporain

Avec la participation de : Pascal Bernier, Ulrike Bolenz, Charley Case, Eric Croes, Wim Delvoye, Laurence Dervaux, Yves Dethier et Olivia Droeshaut, Jacques Dujardin, Jan Fabre, Alessandro Filippini, Manu Geerinck, Roberto Kusterle, Alexandra Leyre Mein, Jean-Luc Moerman, Michel Mouffe, Vincent Solheid, William Sweetlove, Bénédicte van Caloen, Patrick van Roy et Sofi van Saltbommel.

Exposition ouverte du 8 décembre 2011 au 12 janvier 2012, au Botanique, Rue Royale 236 à
1210 Bruxelles.

NB : les illustrations proposées ne correspondent pas nécessairement au contenu de l'exposition.

Pour approfondir (un peu) le sujet des cabinets de curiosité, un petit tour sur Wikipedia , où l'on apprendra par exemple que :

"Dans les cabinets de curiosités, les collections peuvent s'organiser en quatre catégories (nommées en latin) :

artificialia, qui regroupe les objets créés ou modifiés par l'Homme (antiquités, œuvres d'art) ;
naturalia, qui regroupe les créatures et objets naturels (avec un intérêt particulier pour les monstres) ;
exotica, qui regroupe les plantes et animaux exotiques ;
scientifica, qui regroupe les instruments scientifiques."

Et "par curiosité", pourquoi ne pas faire un tour sur la page du groupe Wunderkammer de Flickr où vous trouverez près de 12.000 photos sur le thème. Ou faire un tour sur un blog consacré à ce thème : http://wunderkammermirabilia.tumblr.com/ . Au détour de vos pérégrinations, vous découvrirez aussi des collections très particulières, comme celle de Alex CF "conservateur et dépositaire de la collection Merrylin Cryptid" : http://alexcf.com/blog/; ici avec son "Fungi Research Receptacle"

art/terre et Entre-lacs, remuer ciel et terre

2011-11-29T19:53:00.001+01:00

" Drawing on the water" (2010), Fred Martin

art/terre et Entre-lacs sont deux événements bisannuels d’arts plastiques contemporains organisés in situ et au cours desquels, durant une semaine, dix créateurs (ou équipes) internationaux sont invités à réaliser une œuvre artistique originale dans laquelle la terre (à BE-Comines-Warneton) et l’eau (à FR-Villeneuve d’Ascq) sont essentiels.
Les deux manifestations s’appuient sur des spécificités locales nées de ressources naturelles : les lacs pour Villeneuve d’Ascq et les briqueteries pour Comines-Warneton. (extrait de la présentation sur la page conduisant aux sites des manifestations).

Attention : J -30 pour les appels à projets des concours ART/TERRE et ENTRE-LACS 2012
Règlement de participation : www.art-terre.be ou www.entre-lacs.eu

"Home, sweet home" (2010), Armande Jammes, Aurélien Zoia, Sylvain Morin

Mariele Neudecker, paysages atmosphériques

2011-11-12T09:06:00.001+01:00

"Heaven, Sky" (2008)

"My work is attempting to challenge conventional ways of seeing and re-considers the dichotomy between nature and culture. The ideas underpinning my work grew out of a process of collecting images and concepts of predominantly Northern European Romantic Ideas - mingled with a desire to undermine and dissect those concepts. The use of technology in the work enables and destroys records of fiction and fact - in return science and technology become vehicles for the Sublime."

« Unrecallable Now » (1998); mixed media incl. 18 000 l of water solution, fiberglass
850 x 1950 x 120 cm. Henry Moore Fellowship commission installation at Spike Island, Bristol, UK;

installation Melbourne International Biennial, Melbourne, Australia (1999);

installation Yokohama International Triennale of Contemporary Art, Japan (2001).

Mariele Neudecker, une artiste allemande installée au Royaume-Uni, est connue pour ses installations de "paysages atmosphériques"; une technique personnelle qui combine résine polyester, chimie et aquariophilie... dans des échelles qui vont de la maquette en vitrine à la grandeur nature. Un romantisme teinté de Caspar David Friedrich...

Certaines de ses œuvres seront visibles à partir du 9 décembre 2011 dans le cadre de "Surnaturel", une exposition présentée à Ottawa (Canada) au cours des prochains mois : Musée canadien de la nature (jusqu’au 12 février 2012), le St. Brigid’s Centre for the Arts et la Patrick Mikhail Gallery. Voir : http://punctumbooks.com/titles/preternatural/

"The Internal Slipping Out Into The World At Large"(2000). fluorescent fishing line, wood, mixed media,
230 x 180 x 190 cm. Une œuvre qui a fait parler d'elle en son temps, à cause de rumeurs de plagiat par le Lead Pencil Studio intégrant des "éclairages" utilisant ce principe technique dans son projet pour le Frank Gehry’s Guggenheim Abu Dhabi... Plus d'infos : http://www.thestranger.com/seattle/Content?oid=511123
(Nous vous avons déjà parlé de ce studio dans le cadre d'un autre projet : http://acasculpture.blogspot.com/2010/11/lead-pencil-border-sign.html )

Le site de l'artiste (documents de petit format) : http://www.marieleneudecker.co.uk/

" I Don't Know How I Resisted The Urge To Run" (1998)

Découvrir le dossier de presse (extrait ci-dessous) lors de l'exposition à la Tate St. Ives : http://www.marieleneudecker.co.uk/Resources/Tate%20St.Ives%20-%20exhibition%20c.pdf

The fabricated worlds presented by Mariele Neudecker with their careful construction and simulated weather, seem to encapsulate the atmosphere and promise of the sublime imaginary moment in our memory. The landscapes created for her tank works, although not large, are representations and reproductions of the Romantic landscape by such iconic artists as Caspar David Friedrich, whose paintings allowed us to look down and across sublime vistas. Her tank pieces envelope our gaze, prickle our imagination and lure us in to see beyond the obvious – albeit enchanted – illusion, we know that this is no representation of reality.

Un aperçu photographique de ses œuvres sur le site de la Galerie Barbara Thumm : http://www.bthumm.de/www/artists/neudecker/exhibitions.php
A propos de son travail de scénographe : http://www.youtube.com/watch?v=Z3P0RbMHJtk

Chu Enoki, tour de ville

2011-11-10T12:41:00.000+01:00

Vue détaillée de la sculpture; gauche : © yuto hirakakiuchi,

courtesy of chu enoki; droite : © yoshisato komaki, via shift

Image © haruo kaneko courtesy of hyogo museum of art

L'artiste japonais Chu Enoki a créé "RPM-1200", une ville futuriste bâtie à partir de ferraille récupérée et retravaillée dans son usine . "RPM-1200" est l'œuvre centrale d'une rétrospective du travail de l'artiste intitulée "unleashing the museum" (littéralement : "libérer le musée") et exposée au musée de Hyogo (Japon) en novembre 2011. (http://www.artm.pref.hyogo.jp/eng/home.html )

images © keizo kioku

La disposition des éléments ne répond pas à un plan prédéterminé mais répond plutôt à l'inspiration de l'artiste. La sculpture, fortement éclairée, est présentée dans une salle d'exposition plongée dans l'obscurité.

Image par y.i.; image courtesy of chu enoki

Découvrir d'autres travaux sur le site de l'artiste : http://chuenoki.com/index.html ; et son blog : http://chuenoki.chicappa.jp/documents/

A voir sur : http://www.flickr.com/photos/danwinckler/tags/chrisharvey/

Et pour compléter un lien qui montre d'autres villes "futuristes" tout aussi délirantes : http://amazingdata.com/amazing-cityscape-art-made-from-unusual-objects/

Découvrir également les villes très colorées d'Isek Kingelez (RDC) : http://www.caacart.com/html/bodys-isek-kingelez.htm

Info de base trouvée sur Designboom.

Dubuffet, (le sculpteur et) l'architecte

2011-11-05T22:35:00.003+01:00

DUBUFFET architecte. Titre surprenant, voire provocant car si chacun s’accorde à reconnaître en Jean Dubuffet l’un des peintres majeurs de la seconde moitié du XXe siècle, la dimension architecturale de son œuvre est moins connue. Elle lui valut pourtant en 1982 la médaille de The American Institute of Architects, seul honneur qu’il ne refusa pas au cours de sa vie.

La page du Musée d'Ixelles (extrait de la présentation de l'expo) :

http://www.museedixelles.irisnet.be/fr/expositions/expositions-en-cours-1/jean-dubuffet-architecte-1

Dubuffet à la Closerie Falbala. Photo : © Fondation Dubuffet

"DUBUFFET architecte", du 20 octobre 2011 au 22 janvier 2012 au Musée d'Ixelles, rue Jean Van Volsem 71 à B-1050 Bruxelles. Une exposition, mais aussi un catalogue officiel publié en coproduction dans le décours de cette suite d'étapes : la Fondation Henie Onstad Hovikodden-Oslo (Norvège) - du 10 mars au 20 mai 2011, puis le Skissernas Museum, Lund (Suède) de juin à septembre 2011 et enfin le Musée d’Ixelles. C'est le seul ouvrage actuellement disponible sur l’œuvre monumentale de Dubuffet.

Vidéo de présentation à découvrir sur le site de Télé Bruxelles : http://www.telebruxelles.be/portail/info/info-culturelle/16341-dubuffet-larchitecte

"Le Mur bleu" (1967); Photo Bharfot.

Les maquettes naissent d'abord d'un bloc de polystyrène expansé que Dubuffet sculpte au fil chaud avec autant de " liberté et d'immédiateté qu'avec un crayon courant sur le papier ". Léger, se manipulant aisément, le polystyrène expansé fait partie des nombreuses découvertes techniques qui ont souvent entraîné l'artiste vers des développements et renouvellements de son œuvre. L'étape suivante consistera à mettre au point des techniques de transfert ou moulage en résine époxy des œuvres taillées dans le polystyrène. Extrait de la page de la Fondation Dubuffet consacrée aux sculptures de l'artiste : http://www.dubuffetfondation.com/sculptures.htm

Dubuffet sculptant un bloc de polystyrène.(1970)

Sa réalisation la plus grande reste la "Closerie Falbala", construite entre 1971 et 1973 (remaniée jusqu'en 1976) et réalisée en epoxy et béton projeté peints au polyuréthane; superficie : 1610 m2, 8 mètres au point le plus haut . Classée Monument historique en 1998, simulacre d'un jardin clos de murs au centre duquel se dresse la Villa Falbala construite pour abriter le Cabinet logologique, sa " chambre d'exercice philosophique ".

Pour mieux cerner le personnage, lire par exemple cet article : http://www.lexpress.fr/informations/3-jean-dubuffet_643104.html

Lire également ce dossier conséquent, consacré à l'art public, où l’œuvre de Dubuffet trouve une place de choix, et notamment le fameux projet non réalisé "Le Site Scripturaire" (1974) pour la Piazza de la Défense: http://lesrapports.ladocumentationfrancaise.fr/BRP/054000281/0000.pdf

Bruno Weber, le facteur suisse

2011-10-26T21:55:00.000+02:00

Le peintre et sculpteur zurichois Bruno Weber est décédé lundi 24 octobre 2011 à Dietikon (CH) à 80 ans, a indiqué ce mardi la Fondation Bruno Weber.

Bruno Weber a réalisé ses jardins de sculptures à Spreitenbach (Suisse, canton d'Argovieet) depuis 1962, et on y admire entre autres choses, sa maison, avec une tour de 25m de haut. Le parc de sculptures (20.000 m²) rassemble l'ensemble des œuvres de l'artiste. (photos 1 et 2 : Paebi et Günter Borgemeister )

La page consacrée à l'artiste sur le site de la Tate : http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/outsiderart/environments/switzerland_large.htm
Le site de la fondation Bruno Weber : http://www.bruno-weber.com/

Allard van Hoorn : "Songlines", musiques "topographiques"

2011-10-25T22:44:00.002+02:00

Il y a des créations où médias et techniques se fondent pour ouvrir de nouvelles voies... comme chez l'artiste néerlandais Allard van Hoorn au travers de ses "Songlines"

To enable the architecture to be listened to whenever needed, the site-specific structure of the Communities Section of the 2011 Gwangju Design Biennale, the On-Site Hub, was interpreted during a live performance as a musical score derived from its shape. Sound is generated using local elements of tradition, myth and folklore, in this case contemporary Korean dance creating an Urban Songline that will remain in the space.

A performance in which the seating blocks in front of the stage form a representation of the mountain Mudeungsan that functions as a refuge for the citizens of Gwangju from the trauma of the bloody student riots of May 18th 1980. Dancers improvise based on pictures taken on the mountain. Their field of operation is the mountain (outside) and the representation of the city (inside), keeping in mind the origins (5000 years ago) of Korean dance as a Shamanic practice.

Le site de l'artiste : http://www.allardvanhoorn.com/biography_005.asp
Ne manquez pas de découvrir les autres expériences "topossoniques" de l'artiste : http://vimeo.com/29556098

Merci à Troi Boglesseoure pour le lien.

Hélène Mugot, perles de lumière

2011-10-25T22:05:00.000+02:00

Morceaux choisis pour présenter une œuvre polymorphe : celle d’Hélène Mugot, artiste de la lumière, qu’elle questionne dans tous ses sens : physique, scientifique, symbolique et mythique. Et c’est pour mieux la révéler qu’elle s’empare de techniques aussi diverses que la photographie, l’holographie, la vidéo et de matériaux tels que le verre, le cristal, les prismes optiques ou encore l’or, le bronze, l’inox…(extrait du texte de présentation de l'exposition).

"Mundus, mundus est" (2006); Chapelle de la Trinité à Lyon. Installation / performance lumineuse et sonore réalisée dans le cadre de la Fête des Lumières le 8 décembre 2006, et du Festival de Musique Ancienne de Lyon. 51 boules à facettes de miroir ( de 120 cm à 15 cm de diamètre ), fermoir d’acier géant, projecteurs de cadrage, modulateur de lumière, 5 performeurs et bande-son enregistrée.

Hélène Mugot expose actuellement cette oeuvre parmi d'autres dans le cadre de so exposition "ICARE ENCORE -HÉLÈNE MUGOT ŒUVRE, Morceaux choisis", au Musée Mandet, 14 rue de l’Hôtel de Ville à 63200 RIOM (F), du 22 octobre 2011 au 22 janvier 2012.

Découvrir les autres créations de l'artiste sur son site : http://www.helene.mugot.com/

Georg Baselitz, la taille du peintre

2011-10-11T20:59:00.002+02:00

Baselitz dans son atelier

travaillant sur Dunklung Nachtung Amung Ding (2009) © Elke Baselitz

Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris organise uneexposition consacrée aux sculptures de Georg Baselitz. Cette manifestation proposera une lecture rétrospective d’undes aspects de l’œuvre de cet artiste allemand, d’abord peintre et graveur, enprésentant, la quasi-totalité d’une production peu montrée en France quis’étend sur plus de trente ans. Désormais autonome par rapport à la peinture,la sculpture de Baselitz, qui occupe une place privilégiée au sein de sonœuvre, a gagné en monumentalité.

Une quarantaine de sculptures en bois peint exécutées entre1979 et 2010 montreront le cheminement d’un artiste qui a contribué aurenouvellement du langage de la sculpture d’aujourd’hui.
Extrait de la présentation de l'exposition sur le site du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris.

Baselitz dans son atelier près du lac d’Ammer (Bavière), travaillant sur Volk Ding Zero / Peuple Chose Zéro (2009) © Elke Baselitz

... Souvent, la peinture - car Baselitz est un grand peintre - vient rattraper le coup en masquant les erreurs. Mais elle ne les corrige pas - les problèmes posés par la sculpture ne pouvant être résolus que par des solutions sculptées. Restent l'énergie plus présente dans les scarifications que le geste laisse à la surface que dans la forme elle-même, quelques touches de peinture animant un regard et, comme les deux autoportraits assis (2009) montrés à la fin de l'exposition, quelques belles pièces monumentales - enfin pour un peintre.

Extrait de la critique d'Olivier Cena dans le Télérama 3222 du 12 octobre 2011.

Exposition du 30 septembre 2011 au 26 janvier 2012.

De l'autre côté du miroir : Kapoor, Eliasson, Dan Graham, Nils Udo...

2011-10-08T18:10:00.004+02:00

Sculptures ou installations incorporant des miroirs de diverses natures.

"Tall Tree and the Eye" (2010 ?), Anish Kapoor Sculpture installée à l'extérieur de la Royal Academy of Art à London à l'occasion de l'exposition de l'artiste. Photos via Steffen Michel. Les sphères miroir, déjà mises en scène dans les "sphérades", fontaines cinétiques de l'artiste belge Pol Bury (notamment au Palais Royal à Paris).

Du même Anish Kapoor, le célèbre "Cloud Gate" à Chicago, aussi appelé "The Bean" (2006). 20 x 13 x 10 mètres. Photo : Yinghai. Voir la page très détaillée : http://fr.wikipedia.org/wiki/Cloud_Gate
Et encore de nombreux autres projets utilisant l'acier inoxydable poli comme miroir; voir le site de l'artiste : http://www.anishkapoor.com/

"Superficial" (2004), Michel de Broin; miroir, colle, ciment appliqué sur un rocher; Vosges, Alsace (F).
Autre installation de l'artiste : "La belle Éphémère"(2009), énorme boule disco suspendue à une grue. D'autres projets sur le site de l'artiste : http://www.micheldebroin.org/projects/super/index.html

"Fun House for Münster"(1997), Dan Graham. Photo: Rudolf Frieling /© Dan Graham.
Cet artiste a utilisé le miroir à travers de multiples techniques dans des installations stationnaires à base de vitres et miroirs sans tain dans des ossatures d'acier ou aluminium.

Démocratiquement ancrés dans le quotidien de la vie urbaine et son activité, les pavillons de Graham sont des structures fonctionnelles et hybrides, entre sculpture et architecture. Les pavillons puisent leur origine dans l'architecture et l'urbanisme : les gratte-ciels, les miroirs sans tain des immeubles de bureaux, le Paysage anglais du XVIIIe siècle, les « Folies » et le style pittoresque mais aussi les espaces en forme d'ellipse du Néo-Baroque et du Rococo.

Extrait d'une page consacrée à l'artiste sur le site : http://www.mariangoodman.com/exhibitions/2009-04-25_dan-graham/
Il a également développé ces questions de "réflexion" au travers de dispositifs vidéos, comme dans
"Present, Continuous, Past(s)" (1974).

Autre "magicien" du miroir, Olafur Eliasson en a souvent intégré dans ses installations, comme dans le "Double sunset" (1999), ou le désormais mythique coucher de soleil de son "Weather project" (2003); dans le Turbine Hall de la Tate Modern à Londres; le plafond était réalisé dans un film miroir qui reflètait le lieu à la mi hauteur du soleil.(Phot :Rob Gardiner). Ce principe a également été appliqué dans "
"Frost activity" (2003).

L'artiste a développé de très nombreux dispositifs faisant appel à des miroirs, notamment à l'aide de surfaces concaves ou de facettes comme dans "Yourspiral view"(2002) . Vue d'installation à la Fondation Beyeler. Basel (CH). Voir son site très complet : http://www.olafureliasson.net/index.html

Sous forme de performance, les destructions de miroir par Michelangelo Pistoletto; lire un article descriptif : http://archeologue.over-blog.com/article-pistoletto-20-miroirs-brises-et-un-blesse-au-104-a-paris-63159402.html

Plus"technologiques", les "broken mirror" de Lee Yongbaek, combinant des projections vidéos, dans le pavillon de la Corée du Sud à la Biennale de Venise de cette année. (photo laborieuse JFD) En vidéo : http://www.youtube.com/watch?v=byzTKJ0Ard8

Citons encore le sculpteur français Pierre Marie Lejeune qui recouvre de manière plus classique des volumes géométriques à l'aide de miroirs; nous en avons déjà parlé sur ce site : http://acasculpture.blogspot.com/2008/11/miroir-de-la-sculpture-pierre-marie.html
Autre technique de couverture et d'assemblage de miroirs : David Altmejd et son exposition au "Magasin" de Grenoble en 2009 : http://www.ac-grenoble.fr/action.culturelle/DAAC/champs/actuartsplat/DPartsplastiques/files/DP%20Altmejd.pdf

Beaucoup d'installations font appel à des mises en abîme à l'aide de miroirs, comme celles de Matej Kren, comme ici à Bratislava avec son installation "passage". (http://www.matejkren.cz/en/matej-kren/biography.php ). Voir également les créations de Pascal Bernier.

Sous une forme exploitée depuis des siècles dans les villes et jardins, les miroirs d'eau; ici par Nils Udo dans l'installation "Water house".

Centre de la Tapisserie à Tournai, "Recherches 2011"

2011-10-05T22:47:00.000+02:00

Comme chaque année, le CENTRE DE LA TAPISSERIE, DES ARTS DU TISSU ET DES ARTS MURAUX DE LA FÉDÉRATION WALLONIE-BRUXELLES à Tournai expose les travaux des boursiers qu'il a accueilli depuis octobre 2010; cette exposition s'inscrit dans le cadre de la manifestation “Art dans la ville”.
Le Centre de la Tapisserie accueille annuellement dans ses ateliers de recherche 8 créateurs sur présentation d'un programme motivé dont l'intérêt est lié au textile, cela compris dans sa plus large interprétation. Une bourse mensuelle est accordée aux artistes pour une période de 12 mois par la Fédération Wallonie-Bruxelles et la Province de Hainaut.
Avec la participation de : Cathy Alvarez Valle, Benoît Carpentier, Frédéric Denis, Pierre-Alexis Deschamps, Anna Katharina Tretter, Nicolas Clément, Nathalie Guilmot et Vanessa Vollmar.

Exposition du 8 octobre au 6 novembre 2011. Place Reine Astrid, 9 à 7500 Tournai. +32 (0)69 234 285 - www.centre-tapisserie.org

Judith Scott, langage volé

2011-10-04T21:33:00.000+02:00

Trisomique, sourde et muette, Judith Scott réalise des sculptures textiles qui constituent son unique moyen d’expression. Non satisfaite de ses essais artistiques sur papier, elle dérobe des objets (ventilateur, parapluie, magazines, etc.) au centre d’art dans lequel elle se trouve, puis les recouvre entièrement de fils de laine jusqu’à ce qu’ils disparaissent sous des cocons colorés. Découvrant la qualité et la force émanant de son travail, le centre accepte par la suite de lui fournir le matériel qu’elle désire afin qu’elle dissimule ses objets secrets.

Près d’une douzaine d’œuvres de l’artiste sont exposées pour la première fois à Paris et résonnent profondément avec les objets de la sculpture contemporaine, comme ceux de Louise Bourgeois ou de Tony Cragg par exemple. La liberté technique ainsi que la richesse psychologique et émotionnelle qui conduit la démarche de Judith Scott est exemplaire pour d’autres artistes de la scène actuelle, bien au-delà des questions troublantes du handicap. (Photo : Leon Borensztein)
Extraits de la présentation de l'exposition sur le site du Collège des Bernardins.

Nous vous avons déjà parlé de ce lieu : Collège des Bernardins, de l'élévation dans l'art et Anthony McCall, et la lumière fut...
Exposition du 12 octobre au 18 décembre 2011, dans l'ancienne sacristie.

Le site dédié à l'artiste : http://www.hidden-worlds.com/judithscott/
Plusieurs films, dont "Outsider, The Life and Art of Judith Scott " (2006), lui ont été consacrés ; voir un extrait : http://www.judithscottdocumentary.org/clips.htm

Merci à Lucien pour le lien.

Mira Podmanicka, "White Place"

2011-10-02T14:49:00.005+02:00

Dans son projet «White Place» Mira Podmanicka crée un lieu de détente, de repos et de contemplation. Un fauteuil confortable, avec des oreillers, est installé à côté d'une lampe dans une petite pièce ouverte, limitée par un sol, un plafond et des murs blancs. Les couches successives de matériaux souples approfondissent l'impression de douceur et de confort. Sur le fond blanc, cousu à partir de différents tissus et de matelassage polyester, Mira Podmanicka a brodé des images inspirées par le monde environnant et les événements du quotidien qui dépeignent des choses réelles et irréelles, des motifs, des histoires, des souvenirs et des rêves, unifiés dans une pièce complexe. Ils reflètent le monde autour de nous, fait de strates qui se superposent, les plus récentes couvrant les plus âgées : matières organiques, aléatoires qui croissent et s’accumulent. Calques se chevauchant, laissant deviner les couches antérieures, mais aussi toujours des blancs prêts pour écrire l’avenir…

Quelques photos de l'installation sur le site Neu/Now Festival qui reflète certains aspects de la jeune création contemporaine en droite ligne des écoles d'art supérieures européennes.

Cette oeuvre est actuellement exposée à la galerie HotDock (http://www.hotdock.sk/) de Bratislava (Slovaquie), dans le cadre du très dynamique BLAF (Bratislava Art Festival).

Cette présentation s'inscrivait également de manière plus personnelle dans le volet artistique de la défense de son doctorat "Soft Material in Sculpture", brillamment présenté ce 29 septembre 2011 : une réflexion fondamentale sur l'évolution de l'emploi des matériaux dans la sculpture contemporaine. D'autres créations de l'artiste à découvrir sur le site Saatchi Online : http://www.saatchionline.com/mirapodmanicka

Signalons enfin que nous connaissons bien cette jeune artiste en Belgique; elle y a présenté son Master spécialisé en sculpture à l'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles/École Supérieure des Arts, il y a quelques années. Elle a également été boursière au Centre de la Tapisserie, des Arts du Tissu et des Arts muraux de la Fédération Wallonie-Bruxelles à Tournai. Ce passage sous nos latitudes n'est sans doute pas étranger au goût qu'elle a développé pour le chocolat, et qui se traduit par la création d'une collection de bijoux gourmands très réalistes...

Images sans fin de Brancusi

2011-08-31T22:03:00.002+02:00

Bande annonce de l'exposition par le Centre Pompidou

Au cours des années 1920, Constantin Brancusi instaure un dialogue fécond entre sa production sculptée, la photographie et le film. Sur les conseils de Man Ray, il entreprend de réaliser des photographies de ses sculptures et peu après, de les filmer.
À travers un ensemble exceptionnel d'une centaine de photographies et de films inédits, l'exposition montre, pour la première fois, sa production photographique et cinématographique en explorant les divers aspects de cette relation.
Jeux détonnants sur la lumière et les matériaux, sur le mouvement et sur le cadrage, essais innombrables sur les multiples états possibles d'un même cliché et d'une même œuvre, allers-retours incessants entre l'image animée et l'image arrêtée, contribuent à la construction d'un regard singulier sur ses productions sculptées.
Extraits de la présentation sur la page du Centre Pompidou :
http://www.centrepompidou.fr/Pompidou/Manifs.nsf/AllExpositions/83720C68DF23A65DC125782400345513?OpenDocument&sessionM=2.2.2&L=1

Exposition présentée jusqu'au 12 septembre 2011.

Un article de Luc Desbenoit dans Télérama : http://www.telerama.fr/art/images-sans-fin,72310.php

Accrochée dans une pénombre médiumnique, l'exposition met le spectateur en contact direct avec l'esprit de Brancusi. Remarquablement pensée, accompagnée de textes courts et précis qui recentrent l'attention à des moments clefs, elle gagne son pari : donner à voir cette œuvre aux prémices de l'art moderne à travers les yeux de son créateur.

"Your Rainbow Panorama" d’Olafur Eliasson (ARoS Aarhus Kunstmuseum)

2011-08-30T21:16:00.007+02:00

Photos by Ole Hein Pedersen & Studio Olafur Eliasson

La nouvelle installation gigantesque d'Olafur Eliasson, Your Rainbow Panorama à découvrir depuis mai 2011 au Danemark, à l’ARoS Aarhus Kunstmuseum. http://www.aros.dk/. Un couloir circulaire de 3 mètres de large et de 52 mètres de diamètre, grande promenade surplombant la ville, bordé par des panneaux transparents aux couleurs du cercle chromatique; un arc-en-ciel "en lévitation" sur le toit du musée, tant pour les visiteurs que les habitants d'Aarhus.

Détails (en anglais) : http://www.arcspace.com/architects/olafur_eliasson/rainbow-panorama/rainbow-panorama.html

Lire la présentation de l'artiste : http://www.olafureliasson.net/pdf/Eliasson_Your_rainbow_panorama_statement.pdf

A découvrir, une série de vidéos : http://www.youtube.com/watch?v=ws8L52QgmvI&feature=player_embedded (inauguration), http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=x7_mkyO2w58 ou http://www.youtube.com/watch?v=GH0UnolYRiA&feature=related (amateur mais rendant bien la perception du spectateur).

Le site de l'artiste à voir absolument : http://www.olafureliasson.net/

Le carton du Studio 21 bis

2011-08-30T12:58:00.005+02:00

Romain Demongeot et Laurent Lacotte sont nés en 1980. Ils vivent et travaillent à Paris. Préoccupé par les problématiques artistiques et sociétales contemporaines, le Studio 21bis explore les territoires liés à l’espace public et institutionnel. Le binôme trouve écho à ses réflexions environnementales, culturelles et existentielles dans le carton, son matériau de prédilection. À partir de celui-ci, il fait apparaître, dans l’espace urbain, des objets fragiles, des dispositifs éphémères questionnant notre rapport à l’habitat, aux sphères publiques et privées. Imbriquant l’art et la vie, les processus de création participent également d’une envie de fédérer autour des enjeux inhérents aux territoires investis.

La démarche est artistique, se joue de codes et de symboles architecturaux, participe de l’imaginaire collectif et s’oppose au fétichisme contemporain. D’une philosophie de l’abandon naît une critique de l’oeuvre réifiée.
Texte repris de la présentation du collectif sur le site du MAC/VAL à l'occasion de leur participation à l'événement "Les Portes du Temps"

Une autre installation Où, quand, comment? réalisée à l'Espace Khiasma.

Le site des artistes : http://www.21bis.org/

Jean Tinguely : « Luminator » à l'EuroAirport

2011-08-29T18:47:00.003+02:00

La dernière oeuvre de l'artiste fribourgeois Jean Tinguely sera exposée à l'aéroport de Bâle-Mulhouse. "Luminator", une lampe sculpture de 24 mètres de long, est en cours d'installation dans les bâtiments de l'aérogare, côté suisse. A la mort de l'artiste, l'oeuvre avait été acquise par la Société de banque suisse, devenue l'UBS. Elle a transité par l'aéroport allemand de Leipzig avant d'aboutir au Musée Tinguely de Bâle. L'oeuvre avait été exposée à la gare de Bâle en 1992. L'inauguration doit avoir lieu le 3 septembre prochain en présence des autorités locales.

D'après tsr info : http://www.tsr.ch/info/culture/3356693-bale-rend-hommage-a-jean-tinguely.html

Photo reprise sur le site L'alsace.fr (pas de références indiquées).

Très mauvaises vidéos disponibles sur youtube (juste pour se faire une idée): http://www.youtube.com/watch?v=HnoKpjoMOzQ

Voir également note sur le site du muée Tinguely : http://www.tinguely.ch/fr/museum_sammlung/sammlung.1980-1991_011112.html

Chiharu Shiota, mémoire des toiles (Venise II)

2011-07-28T08:33:00.006+02:00

L'installation Memory of Books de Chiharu Shiota à Venise, un moment suspendu et magique, découvert presque par hasard dans l'intimité d'une petite galerie près de l'Arsenal; poésie, sens et économie de moyens : une alchimie exceptionnelle qui se démarque du barnum ambiant de la Biennale. (Photo JFD). Gervasutti Foundation, Castello, Venise. Découvrir une vidéo de l'installation sur youtube : http://www.youtube.com/watch?v=RelzYy23pb4

"Chiharu Shiota est une artiste japonaise établie à Berlin. Depuis le milieu des années 90, elle a fait des installations de fils entrelacés sa signature. Tendant des fils de laine noirs aux murs, sols et plafonds des espaces d’exposition, elle crée des réseaux graphiques impressionnants, au travers desquels le visiteur doit trouver son chemin et sa place. Ces toiles gigantesques enveloppent très souvent des objets de son quotidien : chaises, lits, pianos, vêtements, comme si l’artiste essayait, en les retenant prisonniers dans sa toile, de conserver la trace de ces objets qui menacent de disparaître de sa mémoire."

Extrait d'une présentation de l'artiste sur le site Rough Dreams (voir la vidéo) : http://roughdreams.fr/2011/03/chiharu-shiota/

Si à Venise Chiharu Shiota a joué sur la discrétion, elle est l'auteur depuis une dizaine d'années de nombreuses installations et scénographies très spectaculaires, mettant en scène des fils, des valises, des châssis... et des corps. Découvrir l'ensemble de son oeuvre sur son site : http://www.chiharu-shiota.com/

"Matsukaze", un opéra de Toshio Hosokawa avec une scénographie de Chiharu Shiota, au Théâtre Royal de la Monnaie ("La Monnaie"), à Bruxelles en 2011. http://www.lamonnaie.be/fr/opera/56/

J. Seward Johnson, under Marilyn...

2011-07-26T20:19:00.004+02:00

Voir l'article "A Chicago, une sculpture de Marilyn les fesses à l'air fait polémique" sur fluctuat.net : http://arts.fluctuat.net/blog/49833-a-chicago-une-sculpture-de-marilyn-les-fesses-a-l-air-fait-polemique.html
Le site "kitchissime"de l'artiste : http://www.sewardjohnson.com/site/index.html

L’art autoroutier, Objets Sculptés Non Identifiés... (France)

2011-07-26T17:51:00.012+02:00

Un petit air de vacances pour ce billet. C'est grand, c'est voyant, c'est le long d'une autoroute et ce n'est pas nécessairement une réussite; vous avez déjà vu cela quelque part, mais vous ne savez plus très bien à quel endroit : A7, A9, A34, A39, A61, A64, A72...

"Le poulet de Bresse" de Jean Brisé; le "plus grand poulet du monde"...

"Sur la trace des vikings". Sulpture de Georges Saulterre (1991) Photo Frederic Bisson. Le site de l'artiste : http://www.saulterre.com/

"La porte du soleil" de Ivan Avoscan. Le site de l'artiste : http://www.avoscan.eu/

"Les flèches des cathédrales", par Georges Saulterre

"Woinic", le sanglier, sculpture monumentale d'Éric Sléziak

"La colonne brisée"d'Anne et Patrick Poirier.

"Le Tour de France dans les Pyrenées" vu par le sculpteur Jean -Bernard Metais
© Christian Lionel-Dupont /Fedephoto.com

Et puis il y a celles qu'on attend, comme la fameuse "Femme Loire" (20 mètres de haut et 40 de long) qu'une pétition a définitivement écartée de l'Abbaye de Marmoutier (2013?) pour la coucher le long de la A10; voir : http://www.femmeloire.com/images/stories/dossier_presse_femme_loire.pdf

Voir Venise et...un peu de tout (I)

2011-07-19T10:36:00.008+02:00

Le couple Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla, USA (Giardini, Pavillon des Etats-Unis) avec "Track and Field", une installation-performance, bruyante et spectaculaire. Des oeuvres à l'image du pays? Religion, économie, politique... Des moyens énormes, de l'humour, show et paillettes, sens de la com... C'est propre, c'est efficace et c'est... court.

Urs Fischer, Suisse (Arsenal) : "Ars brevis vita longa", une installation (photo partie principale "Enlèvement des Sabines", 11 juillet 2011) à grand spectacle, en cire qui se consume durant toute la Biennale. Une question : que restera t'il en novembre? De nombreux câbles d'acier avaient été rajoutés depuis un mois et certains fragments "réarrangés" sur le sol... Images de qualité sur : http://www.designboom.com/weblog/cat/10/view/15021/urs-fischer-at-venice-art-biennale-2011.html
Voir sur dailymotion une petite vidéo "rétrospective" de son oeuvre : http://www.dailymotion.com/video/xcju39_urs-fischer_creation

Adrian Villar Rojas, Argentine (Arsenal, Pavillon d'Argentine ): "The Murderer of your Heritage", un jardin monumental de béton; tout simplement puissant! Une tentative pour répondre à sa question : "What will the last piece of art ever to be made by a human look like before we disappear from the face of the earth?". Quelques photos et interview : http://www.feelguide.com/2011/07/03/adrian-villar-rojas-award-winning-monolithic-sculptures-from-venice-biennale-inspired-by-multiple-parallel-universes/

Photos JFD

Les Territoires des Frères Chapuisat

2011-06-30T22:52:00.005+02:00

Bex & Arts fête cette année ses 30 ans. Depuis 1981, la triennale propose au public un regard sur la sculpture suisse. Présentées dans le contexte romantique du parc de Szilassy, les expositions
qui se succèdent à ciel ouvert offrent une occasion privilégiée de rencontre entre le public, les artistes et les milieux professionnels de l’art contemporain. 25 000 visiteurs sont attendus et 39
oeuvres sont produites spécifiquement pour le site par 45 artistes... Intitulée TERRITOIRES, cette édition renvoie aux questions de délimitations. A celles, concrètes, du parc de Szilassy et de son environnement, conçu sur le mode des jardins à l’anglaise, et à celles, plus immatérielles, au coeur même de l’histoire de l’art «en cours d’élaboration». En effet, si l’on considère que le terme «sculpture» regroupe différents médias, il devient trop étroit pour englober la diversité des pratiques artistiques actuelles et le territoire même de ce mot est fluctuant... Extraits du communiqué de presse de la manifestation : http://www.bexarts.ch/uploads/2011/presse/communiques_presse/Bex_Arts_communique_11_04_12.pdf

Parmi les artistes présentés dans cette exposition, nous avons particulièrement apprécié la "Concrétion" des Frères Chapuisat; ils confirment une fois de plus leur talent, décliné aux quatres coins du monde depuis près de 20 ans. Des oeuvres monumentales qui allient la rigeur et le savoir faire du compagnon au spectaculaire sans paillettes, le sensible à l'intelligence; à découvrir absolument sur leur site régulièrement mis à jour : http://www.chapuisat.com/x/

TERRITOIRES, Sculptures dans le parc de Szilassy, Triennale, 11e édition, 2011; du 11 juin au 25 septembre 2011.

Sujet découvert sur : http://www.hebdo.ch/art_a_ciel_ouvert_111269_.html où l'on pourra découvrir d'autres expositions made in Switzerland comme à Môtiers, Verbier, mais aussi Lausanne, Champex, Valangin... sous un jour plutôt optimiste : "Les expositions de sculptures en plein air abondent en Suisse romande. Les plus ambitieuses témoignent du renouvellement du genre sculptural. Il était temps!"

Pe Lang, sculpture "robonanique"

2011-06-13T22:26:00.006+02:00

À travers ses œuvres mécaniques et minimalistes, l'artiste Pe Lang développe un travail subtil, basé sur l'art de la précision. C'est une nouvelle fois le cas dans cette installation singulière qui met en scène de petites gouttes d'eau...
... Pour sa dernière création en date, l'artiste a ainsi conçu une sorte de système robotisé, muni d'une pipette capable de venir déposer, sur une matière spéciale, 21 gouttes d’eau sur 21 rangées formant ainsi une grille de micro-billes bien rondes. Ce n'est qu'une fois l’eau totalement évaporée au bout d'environ 300 minutes (soit 5 heures), que le processus se remet alors automatiquement en marche. Pe Lang entend ainsi avec son œuvre à la fois étrange et fascinante, explorer les thèmes du contrôle des forces et de la précision mécanique...
Extraits d'un article paru sur le site gentside : http://www.gentside.com/eau/il-fait-de-l-039-art-avec-des-gouttelettes-d-039-eau_art23524.html

La page viméo de l'artiste qui rassemble une dizaine de ses créations : http://vimeo.com/user2867678/videos
Son site (vidéos grands formats) : http://pelang.ch/

"moving objects nº 485" (2010), pièce unique
Moteur, 1.836 sphères (9,5mm de ø). Dimensions : 140 x 100 cm

Découvrir également ce site très intéressant qui propose des artistes (dont Pe Lang) "qui interrogent les relations intermédias son/image/objet/espace" : http://festival-interstice.net/index2.html

La sculpture du futur... vue par Saatchi

2011-06-02T11:12:00.010+02:00

Roger Hiorns, "Copper Sulphate Chartres & Copper Sulphate Notre-Dame" (1996)(détail). Constructions en carton peint et croissance de cristaux de sulfate de cuivre. 137 x 125 x 65 cm.

Peter Buggenhout, "The Blind Leading The Blind #21 "(2007). Poussière domestique, cheveux, bois, polyuréthane, mousse, aluminium, polyester, polystyrène. 117 x 105 x 184 cm.

Sterling Ruby,"Kiss Trap Kismet" (détail)(2008). Tuyau PVC, uréthane, bois, mousse expansée, aluminium, peinture en spray. 300 x 384 x 122 cm

A quoi ressemblera la sculpture de demain? Du figuratif? De l’abstrait? Du monumental? Du microscopique? Un peu de tout à la fois, probablement. C’est en tout cas ce qui ressort du bilan établi par la Saatchi Gallery, qui mêle aussi bien les écrans de télévision de David Batchelor que les constructions en mousse de polyuréthane de Sterling Ruby, les montagnes de poussière de Peter Buggenhout ou les personnages réalistes et gigantesques de Martin Honert. On dit que la sculpture n’intéresse plus le grand public. En réalité, dès qu’elle prend l’aspect d’installations spectaculaires, elle impressionne, soulève la polémique (on le voit à Versailles avec Bernar Venet) et attire les visiteurs.
Extrait de la présentation de l'exposition sur le site ART aujourd'hui.info : http://www.artaujourdhui.info/art-aujourdhui-hebdo-00486.html

http://www.blogger.com/img/blank.gif
Pour voir l'ensemble des artistes exposés et des liens vers des expositions précédentes : http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/sculpture/
«The Shape of Things to Come» : Saatchi Gallery, du 27 mai au 16 octobre 2011.
Avec la participation de : David Altmejd, John Baldessari, David Batchelor, Matthew Brannon, Peter Buggenhout, Björn Dahlem, Berlinde De Bruyckere, Folkert de Jong, Roger Hiorns, Martin Honert, Thomas Houseago, Joanna Malinowska, Kris Martin, Matthew Monahan, Anselm Reyle, Sterling Ruby, Dirk Skreber, David Thorpe, Oscar Tuazon et Rebecca Warren.

A lire, l'article du monde : http://www.lemonde.fr/culture/article/2011/06/15/la-sculpture-n-est-pas-morte-c-est-saatchi-qui-le-dit_1536440_3246.html

SOFTlab, l'universalité des formes...

2011-06-01T14:46:00.007+02:00

"CHROMAtex.me" est une installation créée et produite par SOFTlab pour la bridgegallery (Lower East Side of Manhattan). L'installation était visible du 26 aout au 26 septembre 2010.

Cette structure est constituée de plus de 4000 éléments de papier photo. Chaque panneau a une forme et une couleur spécifique pour prendre place dans la forme générale. La structure est maintenue en forme par 17.000 clips. A découvrir absolument, le site très ludique de SOFTlab : http://www.softlabnyc.com/

Toute ressemblance avec une oeuvre monumentale actuellement exposée à Paris serait purement fortuite...

Paris - Delhi - Bombay ...

2011-05-29T21:34:00.007+02:00

"Ali Baba" de Subodh Gupta. Crédits photo : Jean-Christophe Marmara

L'une des installations les plus spectaculaires présentée dans l'exposition "Paris - Delhi - Bombay..." au Centre Pompidou à Paris, est celle du sculpteur indien Subodh Gupta, toute de quincaillerie inox rutilante. Pour le clin d'oeil, la référence à la grande distribution est apparue dans plusieurs commentaires... à l'IKEA?

Du 25 mai au 19 septembre 2011 le Centre Pompidou présente en Galerie 1 Paris-Delhi Bombay…, une grande exposition qui invite à découvrir la société indienne contemporaine à travers les regards croisés d’artistes plasticiens indiens et français. Fondé sur une collaboration inédite entre l’Inde et la France, cet événement a pour ambition de générer des échanges et de tisser des liens durables entre les deux cultures.
Sous la forme d’une confrontation unique d’expressions artistiques, ce projet d’un genre nouveau se nourrit des expériences et des visions des créateurs : comment l’Inde d’aujourd’hui est-elle perçue par les artistes indiens et par les artistes français ?
Introduction du dossier de presse très complet de l'exposition à télécharger sur la page "Espace Presse".

On appréciera également l'installation "Think Left, Think Right, Think Low, Think Tight" de l'artiste indienne Hema Upadhyay. Hema Upadhyay s’intéresse à Dharavi, le plus grand bidonville d’Asie situé à Bombay, où affluent des migrants en quête d’une vie meilleure. Think Left, Think Right, Think Low, Think Tight prend la forme d’un couloir reproduisant ce bidonville à la verticale à partir de matériaux récupérés (morceaux de tôle, de tuyaux…). Elle rend hommage aux habitants qui ont su créer, malgré des conditions de vie difficiles, une véritable ville dans la ville, génératrice d’une impressionnante économie parallèle. (présentation du dossier de presse). (Photo publiée sur flickr par sebastiem).

La page de l'exposition sur le site du musée : http://www.centrepompidou.fr/Pompidou/Manifs.nsf/AllExpositions/6838A3703F5268A4C12577FA00521E5D?OpenDocument&sessionM=2.2.1&L=1

L'article du Figaro sous le titre "Subodh Gupta, le roi du métal hurlant" : http://www.lefigaro.fr/culture/2011/05/27/03004-20110527ARTFIG00412-subodh-gupta-le-roi-du-metal-hurlant.php

Nous avons déjà parlé de Subodh Gupta : http://acasculpture.blogspot.com/2009/03/subodh-gupta-sculpture-bidon.html et http://acasculpture.blogspot.com/2009/11/suboh-gupta-les-casserolles-de-lille.html

Voir aussi l'Inde en solo au Musée d'Art contemporain de Lyon, sous le titre"Indian Highway", du 24 février au 31 juillet 2011 : http://www.mac-lyon.com/mac/sections/fr/expositions/2011/indian_highway_iv/
Road-movie à travers 3 continents (Europe, Amérique du Sud, Asie), chaque étape de l’autoroute indienne est l’occasion d’un épisode inédit. Après Londres, Oslo et Herning, Lyon met en scène le 4ème épisode : sur 2000 m2, l’exposition dresse un panorama de l’art contemporain de l’Inde en plus de 30 artistes. Présentation sur le site.

Christian Boltanski, Chance à Venise

2011-05-29T18:01:00.007+02:00

"Chance", installation de Christian Boltanski.

Pavillon français de la Biennale de Venise. © Didier Plowy.

...On entre par une petite porte latérale - mais les visiteurs de la Biennale, eux, entreront par la grande porte centrale du pavillon français. Philippe Zimmermann branche l'électricité et, dans la première petite pièce, des chiffres géants s'allument et défilent. « C'est un algorithme qui affiche le nombre de morts qu'il y a chaque jour, dit-il. Dans l'autre pièce latérale, un autre algorithme égrène les naissances. » Chance se trouve entre les deux. L'œuvre reprend l'idée obsédante de l'artiste, déjà exprimée à Monumenta (« Le hasard de la naissance et le hasard de la mort »), mais sous une autre forme, plus brute - donc plus efficace...

Extrait d'un long et intéressant article d'Olivier Cena dans le Télérama n° 3202 : http://www.telerama.fr/scenes/comme-par-hasard-boltanski,69231.php

Le site de la biennale : http://www.labiennale.org/it/Home.html

Un article du monde : http://www.lemonde.fr/culture/article/2011/05/28/au-pavillon-francais-de-la-biennale-de-venise-christian-boltanski-celebre-la-vie_1528813_3246.html

Venise, Giardini della Biennale, arsenale. Ouvert au public du mardi au dimanche, de 10h à 18h, jusqu'au 27 novembre 2011.

Bernar Venet, Versailles entre parenthèses

2011-05-28T11:32:00.005+02:00

Dans cette vidéo, tout ce que vous devez savoir (et que vous n'avez jamais demandé) à propos de l'exposition de Bernar Venet au Château de Versailles.

Pour l'apologie, consulter en priorité les articles du Figaro : http://www.lefigaro.fr/culture/2011/05/25/03004-20110525ARTFIG00715-venet-se-voit-a-versailles-ad-vitam-aeternam.php ; ou le blog de Jean-Jacques Aillagon : http://www.chateauversailles.fr/les-actualites-du-domaine/evenements/evenements/expositions/venet-a-versailles

Déjà un petit fond de polémique (que certains ont cru éviter en choisissant un artiste abstrait...) ; voir "les arcs de la discorde à Versailles" dans Libération : http://next.liberation.fr/arts/01012339960-bernar-venet-les-arcs-de-la-discorde-a-versailles

Klaus Pinter, l'air du plastique

2011-05-22T10:53:00.008+02:00

Le projet (2010) (photomontage) et ...

... le "cocon" de l'artiste autrichien Klaus Pinter en cours de montage à la Chapelle des jésuites de Cambrai. Et enfin la sculpture terminée; elle a été créée pour le festival de sculpture contemporaine « Escaut. Rives, dérives ». Comme on peut le constater, la technique du plastique soudé à le vent en poupe (voir Anish Kapoor au Grand Palais, en analysant par exemple les photos du montage sur le site facebook de Monumenta "Naissance du Leviathan").

La page facebook de l'événement : http://www.facebook.com/escaut?sk=wall ; et le site : http://www.escaut-rivesderives.com/
"Escaut. Rives, dérives : festival de sculpture contemporaine":

Cocon, à la Chapelle des jésuites : du 21 mai au 19 septembre

Formes et lumière, au musée : du 21 mai au 19 septembre

Sculpture et matériaux, à la médiathèque : du 18 juin au 18 septembre

du 19 mai au 18 septembre 2011, dans plus de trente villes situées le long de l’Escaut, dans les territoires du Cambrésis, du Valenciennois et du Hainaut.

A propos des expositions, lire : http://www.lavoixdunord.fr/Locales/Cambrai/actualite/Cambrai/2011/05/19/article_escaut-rives-derives-ou-quand-la-sculptu.shtml ; http://www.mediathequedecambrai.fr/2011/04/22/escaut-rives-dÃ©rives/

Le site de l'artiste (pas de mises à jour récentes) : http://www.klauspinter.net/index.php?lang=fr

Gerry Judah, the day after...

2011-05-18T10:33:00.004+02:00

Gerry Judah, un artiste et designer anglais : un rien systématique comme travail, mais spectaculaire. Des matériaux recyclés, du plâtre, de la colle et de la peinture... sur une toile. On peut se poser la question du choix d'une présentation verticale : l'artiste utilise délibérément le mot "painting". Voir le making of dans une vidéo (filmée de manière irritante, et un peu lourde à charger ) : http://vimeo.com/14340323
Le site de l'artiste : http://www.gerryjudah.com/
Cet artiste a également à son actif des sculptures "publicitaires" pour Audi, Mercedes, Alfa...
Voir par exemple sa page wikipedia qui reprend l'ensemble des réalisations : http://en.wikipedia.org/wiki/Gerry_Judah

Anish Kapoor, la révélation du vide...

2011-05-10T14:21:00.002+02:00

Jusqu'au 23 juin, une sculpture monumentale gonflable aux formes organiques a envahi le Grand Palais : 100 mètres de long, 17 mètres de haut, pour une masse globale de 72 000 m3... Dédiée à l’artiste chinois Ai Wei Wei, victime de l’oppression politique dans son pays, l’œuvre est intitulée « Léviathan ». L’artiste britannique Anish Kapoor, d’origine indienne, fait ainsi référence à la monstruosité, bien sûr, mais aussi au Traité politique de Thomas Hobbes (1651) dans lequel le philosophe britannique compare le corps humain à une machine. Elle n’est pas sans rappeler non plus les sculptures en bronze du Britannique Henri Moore (1898-1986). A la différence majeure que l’œuvre de Kapoor, composée de vide, se génère elle-même.
Lire la suite sur le blog "deliredelart" : http://deliredelart.20minutes-blogs.fr/archive/2011/05/09/anish-kapoor-au-grand-palais-monumenta-2011.html

Anish Kapoor, le voile se lève...

2011-05-08T19:05:00.005+02:00

Anish Kapoor occupe le Grand-Palais de Paris dans le cadre de Monumenta 2011 avec son oeuvre Léviathan. La verrière est remplie d’une membrane rouge foncée (couleur de prédilection de l'artiste; voir l'installation du hall des turbines de la Tate par exemple) composée de trois volumes ronds, où le spectateur déambullera sans en connaître les limites. Du 11 mai au 23 juin 2011.

Voir le site de la manifestation : http://www.monumenta.com/ et surtout la page Facebook http://www.facebook.com/Monumenta2011?v=wall pour avoir les infos les plus récentes, dont quelques photos non signées "tombées du camion" comme ci-dessus...

Voir aussi son exposition simultanée du 12 mai au 11 juin à la Chapelle des Petits-Augustins, Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris.

"Sculptures côté jardin", Ariel Moscovici à la galerie Michèle Guérin

2011-05-08T16:12:00.010+02:00

Il est des lieux à découvrir, et la galerie de Michèle Guérin est de ceux là. On ne passe pas par hasard à Limetz-Villez, on choisit de longer la Seine et de s'aventurer dans la campagne normande. Une fois l'entrée trouvée, là au fond de la ruelle, derrière le grand portail blanc, Michèle Guérin vous accueille, prête à vous faire découvrir son univers. C'est ainsi que le magnifique jardin se transforme tous les deux ans, le temps d’une saison, en parc de sculptures.

Extrait du communiqué de presse. Voir le site de la galerie : http://www.galerie-micheleguerin.com/cotejardin/index.html

Exposition du 14 mai au 25 juin 2011; 12, rue de la mairie à 78270 Limetz-Villez (F)

Nous avons, parmi les oeuvres exposées, particulièrement apprécié les déclinaisons de matériaux de Ariel Moscovici (voir également illustration ci-dessus : pas d'informations disponibles à propos de cette sculpture). Le site de l'artiste : http://arielmoscovici.free.fr/index.htm

"Between Two Points IX" (1998). Bronze. 10 x 44 x 10 cm

"Between Txo Points X" (1998). Bronze. 11,5 x 45 x 11,5 cm

"Between Two Points VI" (2003). Orme. 35 x 35 x 98 cm

"Between Two Points II" (2001). Acier. Parcart, Cassa de la selva, Espagne. 60 x 250 x 50 cm

Ai Weiwei, du bronze à la tôle...

2011-04-30T17:47:00.009+02:00

Ai Weiwei présentant, lors d'une visite de fonderie, l'un des 12 éléments de son oeuvre.
Image : AW Asia/The New York Times

Inauguration ce 2 mai 2011 à New York de la sculpture Circle of Animals/Zodiac Heads, première grande commande publique du sculpteur Ai Weiwei (Fontaine Pulitzer au Grand Army Plaza, près de Central Park) (Cette oeuvre est promise à une tournée mondiale; elle a déjà été présentée à la biennale de São Paulo)
Lire par exemple : http://www.zodiacheads.com/?page_id=17
Lire article : http://www.orserie.fr/art-design/article/tous-avec-toi-mais-sans-toi-la-11561

L'artiste, qui dérange depuis longtemps son gouvernement (par exemple, un épisode récent très médiatisé autour de la destruction de son atelier et un dîner de soutien trop"populaire"), est lui accusé de «crimes économiques»; il a été arrêté il y a près d'un mois alors qu'il s'apprêtait à s'envoler pour Hong Kong. On est sans nouvelles de lui...
Pour signer la pétition demandant la libération de l'artiste : http://www.change.org/petitions/call-for-the-release-of-ai-weiwei
Le site de l'artiste (très sobre) : http://www.aiweiwei.com/
A propos d'un film en train de se réaliser : http://www.aiweiweifilm.org/en/

Pour réaliser les 12 têtes monumentales de sa sculpture, l'artiste s'est librement inspiré des pièces originales rescapées de la fontaine de Yuanming Yuan (voir l'affaire autour de la vente Yves Saint Laurent chez Christie's en 2009): http://www.chinadaily.com.cn/china/2009-02/22/content_7500076.htm

Une gravure représentant l'ensemble de la fontaine Yuanming Yuan (également horloge hydraulique) qui était décorée des douze figures du zodiaque, avant son saccage par les troupes anglo-françaises, lors de la destruction du Palais d'été en 1860 (2ème guerre de l'opium).

Plus de détails : http://en.wikipedia.org/wiki/Haiyantang

Vive l'art brut

2011-04-28T22:07:00.004+02:00

100 000 cure-dents, 35 ans de travail, "Rolling through the Bay" est l'oeuvre de Scott Weaver visible actuellement jusqu'à la fin du mois de juin 2011 au Tinkering Studio à San Francisco.

Le site du créateur pour découvrir les détails : http://www.rollingthroughthebay.com/sf1.html

Plus près de chez nous, à découvrir d'urgence : le LaM, autrement dit Musée d'art moderne Lille Métropole qui a rouvert il y a peu ses portes après extension, sous cette nouvelle identité, et qui met en valeur une collection d'art brut exceptionnelle (ne pas oublier cependant de visiter les collections d'art contemporain fort intéressantes au demeurant).

André Robillard, collection de fusils. Technique mixte. Bois, rubans adhésifs, boîtes de conserve, tubes en plastique et métal, clous, éléments de robinetterie, couvercles en plastique, câbles, stylos-feutre.

Donation L’Aracine en 1999. (photo JFD).

Actuellement, une rétrospective passionnante consacrée à Adolf Wölfli (du 9 avril au 3 juillet 2011)

Interné dès 1895 à l’hôpital psychiatrique de la Waldau à Berne,Adolf Wölfli (Bowil, 1864 – Berne, 1930) est l’auteur d’une oeuvre incroyable, une autofiction, répartie en 45 cahiers d’un total de plus de 25 000pages. 1 600 dessins, 1 640 collages, des récits en prose, de la poésie, des calculs mathématiques et de la musique lui permettent de réinventer sa vie et le monde, en se construisant un univers propre, une enfance fabuleuse et un avenir glorieux.

(extrait du dossier de presse sur le site du musée : http://www.musee-lam.fr/ )

Et pour les passionnés, il y a bien entendu La Collection de l’Art Brut à Lausanne : http://www.artbrut.ch/

Lille 3000, vive la Paranoïa!

2011-04-27T21:21:00.007+02:00

Gregory Lasserre & Anais met den Ancxt Scenocosme "Fluides". Photo JFD.

Boris Petrovsky, "The Nixie Matrix" (partie de l'installation). Photo JFD.

Hiroaki Umeda, "Holistic Strata Installation". Photo JFD.

"Paranoïa" : 29 installations interactives et immersives, plates-formes éducatives au carrefour des arts, de la science et des technologies, présentées dans le cadre de la programmation de lille3000.

L'exposition propose un panorama d'installations empruntées au répertoire de la science-fiction : installations visuelles et sonores, machines, vidéos 3D, robots, jeux vidéo. En croisant recherche scientifique et création artistique contemporaine, certaines œuvres ont développé une vision "paranoïaque" du monde contemporain qui fait à la fois écho à son évolution, mais aussi à la société imaginée par les "Cyber-Punk", dont William Gibson est le précurseur. Cette exposition dressera une vision imaginaire, drôle et effrayante d'une société futuriste en perpétuel questionnement. A travers les nouvelles technologies, des artistes français, allemands, américains, belges, canadiens ou encore hollandais vous inviteront à entrer en dialogue avec les machines, par le biais d'œuvres qui feront appel à tous vos sens.
Présentation de l'exposition sur le site de lille 3000 : http://www.lille3000.eu/lille3000/fr/event.php?id=30&nom=SPRING-IN-SAINT-SAUVEUR

Liste des oeuvres et des artistes:

MARNIX DE NIJS : PHYSIOGNOMIC SCRUTINIZER
ADAM BRANDEJS : GENPETS
GRÉGORY CHATONSKY : LIBERATION
FELICIE D’ESTIENNE D’ORVES : SUPERNOVA
FREDERIK DE WILDE : EOD 02
PASCAL DUFAUX : FONTAINE_SCULPTURE VIDEO-CINETIQUE#3
HARUN FAROCKI : SERIOUS GAMES 1 : WATSON IS DOWN / SERIOUS GAMES 3 : IMMERSION
ANAÏSA FRANCO : EXPANDED EYE / PARANOÏA
EDUARDO KAC : NATURAL HISTORY OF THE ENIGMA
RYOICHI KUROKAWA : GROUND
BERTRAND LAMARCHE : REPLIQUE
MARTIN LE CHEVALLIER : VIGILANCE 1.0
LAURENT PERNOT : LE MONSTRE
BORIS PETROVSKY : THE NIXIE MIXIE MATRIX
NIKLAS ROY : MY LITTLE PIECE OF PRIVACY
FELIX LUQUE SANCHEZ : CHAPTER 1 / NIHIL EX NIHILO
KEIICHIRO SHIBUYA & TAKASHI IKEGAMI : FILMACHINE
ANTOINE SCHMITT : TIME SLIP / PSYCHIC
CHRISTIAAN ZWANIKKEN : SCORCHED EARTH / THE GOOD, THE BAD AND THE UGLY
HIROAKI UMEDA : HAPTIC (VERSION INSTALLATION) / HOLISTIC STRATA INSTALLATION
GREGORY LASSERRE & ANAIS MET DEN ANCXT, SCENOCOSME : FLUIDES
YRO YTO : PYANO / AKUERY
LYCEE E. BRANLY • CRÉTEIL : LE MUR

A découvrir d'urgence à la Gare Saint Sauveur, Boulevard Jean-Baptiste Lebas, Lille; du 13 avril au 15 août 2011, du mercredi au dimanche de 12:00 à 19:00.

Expositions en parallèle, dans le même lieu : Paranoïa SFR JEUNES TALENTS PHOTO et GAME ART dans le cadre de la Fête de l'Animation (limité au 22 mai). Découvrez également l'HOTEL EUROPA et ses chambres délirantes que vous pouvez réserver pour une rencontre entre amis ou en famille (la bike room, la voodoo vibe, la monster lounge ou la delirioom )...

Anthony McCall, et la lumière fut...

2011-04-16T18:55:00.005+02:00

L’artiste britannique Anthony McCall a choisi d’installer une oeuvre lumineuse de la série «solid light films» dont la forme et le sens répondent à l’architecture gothique du Collège des Bernardins. Deux cônes de lumière, formés par le halo des projecteurs vidéo, dessinent sur le sol des figures qui, se déployant en un mouvement perpétuel, construisent dans l’espace une architecture immatérielle. L’oeuvre de McCall, inspirée du cinéma et de la performance, permet au visiteur d’assister à l’expansion d’un dessin et d’éprouver la puissance de ce simple motif qui, porté par la lumière, devient une géométrie structurant le vide apparent de la sacristie.

Présentation de l'exposition sur le site du Collège des Bernardins : http://www.collegedesbernardins.fr/index.php/art/arts-plastiques.html

Né en 1946, Anthony McCall, installé à New York, a une pratique pluridisciplinaire où se chevauchent films, sculptures, installations, dessins et performances. Aujourd’hui célèbre sur le plan international, il a été exposé ces dernières années, entres autres lieux prestigieux, au MOMA de New York, à la Tate Modern et à la Serpentine Gallery de Londres, au Moderna Muséum de Stockholm, au Musée de Rochechouart et à l’IAC de Villeurbane.

L'exposition que vous n'avez sans doute pas vue : du 3 février au 16 avril 2011, dans l'ancienne sacristie du Collège des Bernardins, 20 rue de Poissy à Paris.

L'article du journal Libération : http://next.liberation.fr/culture/01012331085-mccall-fait-tourner-les-cones

Le site de l'artiste : http://www.anthonymccall.com/

Nous vous avons déjà parlé de cet artiste : http://acasculpture.blogspot.com/2009/01/anthony-mccall-sculpture-de-lumire.html

Voina, érection monumentale...

2011-04-15T18:43:00.005+02:00

"C'est le prix que personne n'attendait : le collectif artistique Voina, plus souvent au centre de controverses que des honneurs, a remporté un prix* tout à fait officiel en Russie, pour une œuvre qui consiste en un phallus de plus de six mètres de hauteur, installé en face du siège des services secrets russes à Saint-Pétersbourg. Les artistes activistes de Voina ont peint l'an dernier l'immense biroute sur un pont mobile, une érection géante régulière devant le siège du FSB, le successeur du KGB, à Saint-Pétersbourg. Il a fallu plusieurs heures avant que les autorités ne s'en rendent compte et ne l'effacent. (Regardez le pont en action sur ce reportage d'Arte)."

Voir suite de l'article très complet sur : http://www.rue89.com/2011/04/10/la-russie-honore-le-phallus-geant-des-artistes-farceurs-de-voina-199335

Lire aussi : http://observers.france24.com/fr/content/20101130-russie-art-voina-activistes-police ; et bien sur le site de soutien "Free Voina": http://fr.free-voina.org/

*NDLR : prix de l’Innovation décerné sous le patronage du Ministère de la culture de la Fédération de Russie.

L'appel de la nature

2011-04-13T18:22:00.005+02:00

L’association Grandeur Nature anime un festival en pleine nature se déroulant dans le parc Régional du Queyras depuis 2005, tous les étés de Juillet à Août. Il se compose d’un volet de programmation cinéma en plein air et d’un volet de résidences artistiques donnant lieu à la création de parcours d’œuvres originales dans la montagne. Ce projet vise à sensibiliser le public du parc naturel à la culture artistique contemporaine.

A partir de la session 2009, les résidences d’été Grandeur Nature ont mis en avant les spécificités du Festival depuis cinq ans et se sont orientées en faveur des étudiants des écoles d’art, des écoles d’architecture et des écoles du paysage de la deuxième à la cinquième année et post-diplômes. L’écologie, le développement durable, l’art environnemental sont autant de notions au cœur des activités de Grandeur Nature. Le but des résidences d’été est de réfléchir ensemble à ces notions, par une compréhension des problématiques et des enjeux de plusieurs disciplines (art, sociologie, économie, philosophie, architecture, poésie…) , de différentes échelles (de l’essayiste au berger, du représentant politique à l’architecte, etc.) par des réponses plastiques. Attention , les candidatures sont reçues jusqu'au 6 mai 2011.

Plus de détails sur le site de l'association : http://www.festivalgrandeurnature.com/

Rappelons également d'autres initiatives dont nous vous avons déjà parlé et qui proposent des interventions en milieu naturel, comme Sites en Ligne, avec qui notre école entretien des relations privilégiées : http://www.sitesenligne.be/

Et pour suivre dans l'ambiance, signalons plusieurs expositions, dont « L'idée de nature », du 21 avril au 22 mai 2011 à la Kunsthalle de Mulhouse : http://www.kunsthallemulhouse.com/actualites/exposition-l-idee-de-nature.php ; et aussi, du 23 mars au 24 juillet 2011, "La Ville fertile" à La Cité de l'architecture & du patrimoine au Palais de Chaillot (Paris) : http://www.citechaillot.fr/exposition/expositions_temporaires.php?id=161 .

Avec La Ville fertile, il s’agit pour la Cité de traiter en détail l’un des sujets majeurs du moment en replaçant la question de la nature en ville dans une perspective large, qui en aborde les dimensions historique, sociale, culturelle, botanique autant qu’écologique. L’exposition, composée de deux séquences, propose une immersion dans le monde végétal et urbain, en même temps qu’elle donne à voir les différents éléments qui le traversent : l’horizon, l’eau, le vent, le paysage urbain, les sons…

Précisons que la première séquence de l’exposition, intitulée « L’Objet du désir », a été confiée, pour le commissariat et la scénographie, à l'architecte de paysages Nicolas Gilsoul, également professeur à l'Académie royale des Beaux-arts de Bruxelles, École Supérieure des Arts.

Domenico Paladino, sculpture de sel

2011-04-09T18:52:00.008+02:00

Un homme passe devant "Il muro di sale" (Le mur de sel; 10 mètres de haut, 35 mètres de diamètre), une création de l'artiste italien Domenico Paladino (dit Mimmo Paladino) ; cette installation (150 tonnes de sel recouvrent complètement une structure en bois) est placée sur la Piazza Duomo à Milan depuis le 8 avril; elle y sera visible jusqu'en juillet 2011 (AP Photo/Luca Bruno). Infos complémentaires : http://www.daringtodo.com/lang/it/2011/04/06/mimmo-paladino-una-mostra-storica-a-milano/ ; et aussi : http://www.flickr.com/photos/charlesbegniamino/2635466311/

Simultanément à cet événement, une exposition de l'artiste "Mostra Mimmo Paladino" au Palazzo Reale, du 22 mars au 19 juillet 2011.

L'installation a déjà été présentée à Naples en 1995 (?) et à Gibellina.

Plus d'informations à propos de l'artiste : http://it.wikipedia.org/wiki/Domenico_Paladino

Sculpture, nouvelles du front

2011-04-09T10:51:00.006+02:00

L’œuvre de Jean-Claude Libert , implantée au collège d’Astrée, a été démolie en 1999. La famille de l’artiste réclame aujourd’hui des dommages et intérêts devant le tribunal administratif. Voir : http://www.leprogres.fr/loire/2011/04/08/boen-12-ans-apres-la-sculpture-detruite-refait-parler-d-elle

"Les pisse-vinaigre contre «Piss Christ»", un article de Catherine Coroller dans Libération. La photo par Andres Serrano d’un crucifix plongé dans l’urine refait scandale, cette fois à Avignon. Voir : http://next.liberation.fr/culture/01012330269-les-pisse-vinaigre-contre-piss-christ

L'oeuvre du sculpteur sur sable Sandkid, alias Mickaël Klein, détruite par la police était autorisée par la Ville. Même avec une autorisation pour occuper la plage, ses oeuvres sont invariablement rasées par un bulldozer municipal. Voir : http://www.cannes.maville.com/actu/actudet_-L-oeuvre-detruite-par-la-police-etait-autorisee-par-la-Ville_loc-1756707_actu.Htm

Arménie-Turquie : une sculpture qui fait encore des vagues. L’éditorialiste du quotidien Hurriyet Gila Benmayor a affirmé que « l’incident de la monstrueuse sculpture » dans la province de Kars a récemment gagné une nouvelle dimension. Le Premier ministre Recep Tayyip Erdogan, qualifiant l’objet artistique du célèbre sculpteur Mehmet Aksoy de « bizarre », avait demandé sa destruction. Le juge en chef de la 1e Cour Administrative d’Erzurum, Mehmet Haskalayci, a pris une décision ajournant la démolition. Voir : http://www.armenews.com/article.php3?id_article=68813

L'artiste Ai Weiwei, victime de la crise du « Jasmin ». L'un des artistes les plus connus de Chine, Ai Weiwei, a été arrêté dimanche alors qu'il s'apprêtait à prendre un avion pour Hong Kong, et la police a saisi ses ordinateurs dans sa résidence de Caochangdi, dans la banlieue de Pékin. Voir parmi de nombreux articles : http://www.rue89.com/chinatown/2011/04/03/lartiste-ai-weiwei-victime-de-la-nervosite-chinoise-face-au-jasmin-198307

...

Antony Gormley, les Memes sculptures

2011-04-09T09:49:00.010+02:00

"Construct IV" (2010). Acier (fonte d'acier). 189 x 40 x 35 cm;

"Construct V" (2010). Acier (barres d'acier inoxydable soudées). 193 x 40 x 33 cm.

Courtesy Galerie Thaddaeus Ropac © Antony Gormley; Photo: Stephen White.

Montage JFD.

Antony Gormley présente un choix de Memes [Mêmes] témoignant de son travail actuel sur les corps simplifiés jusquʼà lʼabstraction, en jouant sur les dimensions et les volumes pour ouvrir un champ de perception où toutes sortes de dispositifs sculpturaux interrogent et redéterminent la position du spectateur dans lʼespace.

Lien vers la page de paris ART qui présente l'exposition (extrait ci-dessus; français) : http://www.paris-art.com/exposition-art-contemporain/for-the-time-being--pour-l-instant/antony-gormley/12213.html

Lien vers le dossier de presse (anglais) sur le site de la galerie : http://www.ropac.net/upcoming/ "For the time being / Pour l'instant", exposition du 30 avril au 04 juin 2011, à la Galerie Thaddaeus Ropac.7 rue Debelleyme, Paris.

"Cumulate", (2011) et "Cumulate II", (2011) 180 x 47 x 50 cm et 184 x 54 x 50 cm

Courtesy Galerie Thaddaeus Ropac © Antony Gormley; Photo: Stephen White.

Montage JFD.

La meilleure des sources : http://www.antonygormley.com/#/now/news

Le battement d'ailes du sculpteur

2011-04-04T09:19:00.003+02:00

Saison après saison, les sculptures de sable succèdent aux sculptures de glaces... Voici une vidéo spécialement dédiée aux sculpteurs, qui déclenchera quelques souvenirs chez certains d'entre nous qui ont vécu ces cataclysmes que seule la sculpture peut produire...

Sculpture vaudou

2011-03-30T11:36:00.004+02:00

Sculptures vaudou Nago et Fon, Bénin.

Bois, corde, coquillages, métal, tissu, argile, plume, végétaux, os, patine sacrificielle.

Collection Anne et Jacques Kerchache. Photo © Yuji Ono

La Fondation Cartier pour l’art contemporain présentera pour la première fois au public un ensemble exceptionnel d’objets vaudou issus de la collection Anne et Jacques Kerchache dans une scénographie conçue par Enzo Mari, l’un des grands maîtres du design industriel italien. L’exposition est organisée avec la complicité d’Anne Kerchache – aujourd’hui Madame Kamal Douaoui – qui fut l’épouse de Jacques Kerchache jusqu’à son décès en 2001... ...Dès les années 1960, Jacques Kerchache a su reconnaître la puissance esthétique et l’originalité stupéfiante de la statuaire vaudou et de ses formes. C’est à cette époque, lors de ses premiers voyages dans l’actuelle République du Bénin, berceau du vaudou, qu’il commence à rassembler ce qui est devenu aujourd’hui la plus importante collection de sculptures vaudou africaines. L’exposition présentera une centaine de ces objets, dont certains appartiennent désormais à des collections privées... ...Les sculptures vaudou, assemblages anthropomorphiques de cordes, d’os, de coquillages ou de terre cuite, jouent un rôle primordial dans la pratique de ce culte religieux très ancien et toujours vivant, des côtes du Togo à l’ouest du Nigéria. Recouvertes d’une épaisse couche de matière faite de terre, d’huile de palme et de poudre, ces sculptures étranges et troublantes dégagent un sentiment de tension et d’appréhension. Leur esthétique ambiguë est intimement liée à leur rôle qui est à la fois de protéger leurs propriétaires du danger et de nuire aux personnes responsables de leurs problèmes...
Extraits de la présentation de l'exposition sur le site de la Fondation Cartier : http://fondation.cartier.com/ Suivre le lien "presse" sur la page d'accueil pour découvrir le très beau dossier de presse (imprimable) ainsi que de nombreuses photos. Du 5 avril au 25 septembre 2011, à la Fondation Cartier pour l'art contemporain à Paris

Venet à Versailles

2011-03-23T21:55:00.005+01:00

Photo Christophe Chavignaud

Cet été, Bernar Venet est le prochain nominé pour exposer à Versailles, après Jeff Koons, Xavier Veilhan et Takashi Murakami; et ce ne sera donc pas Maurizio Catelan, jugé sans doute trop "risqué". L'exposition « Bernar Venet Versailles », est à voir dans les jardins du château, et du domaine de Marly, du 31 mai au 30 octobre 2011.

Jean-Jacques Aillagon vous a-t-il laissé carte blanche ? Non. Il m’a dit : «Tu fais des expos partout dans le monde, il ne faut pas faire à Versailles ce que tu fais ailleurs. Il faut faire un geste énorme. »

Quel va être ce geste ? Il est trop tôt pour le dévoiler, même si je l’ai montré quelques secondes, en interdisant les photos, lors de la conférence de presse de Jean-Jacques Aillagon. Disons juste que les visiteurs seront très surpris, dès l’entrée.

Combien et quels types d’œuvres allez-vous exposer ? Il y aura six ou sept pièces, dont deux de 22 mètres de haut (plus une pièce au domaine de Marly). Uniquement des arcs et des lignes indéterminées. Je n’ai pas souhaité exposer d’angles et de barres droites, car je pense que cela aurait été trop agressif pour le public du château.

Extraits de l'article du quotidien Nice Matin : http://www.nicematin.com/article/cote-dazur/bernar-venet-a-versailles-revolution-au-chateau

Le blog de Jean-Jacques Aillagon pour connaître tous les projets pour Versailles (lien vers le dossier de presse) : http://jean-jacques-aillagon.typepad.fr/le_blog_de_jeanjacques_ai/2010/12/confÃ©rence-de-presse.html?cid=6a010536b474ad970c0147e21a5ce5970b

Voir aussi l'article sur le figaro.fr : http://www.lefigaro.fr/culture/2011/04/01/03004-20110401ARTFIG00640-l-art-abstrait-encercle-le-roi-soleil.php

Sarah Fauguet et David Cousinard, vestige de l'art

2011-03-16T11:40:00.004+01:00

David Cousinard et Sarah Fauguet : "Time line" ( 2009), présenté à Tripode (Rezé).
Copyright Martin Argyroglo

Les sculptures de Sarah Fauguet et David Cousinard empruntent au mobilier, à l’architecture et à la construction. Leur travail se situe également au niveau de l’espace d’exposition dont leurs sculptures modifient éventuellement la composition et certainement la perception. L’assemblage et l’agencement de plusieurs de leurs œuvres constituent des environnements souvent étranges...
... Avec ces sculptures abstraites qui rappellent des objets incongrus, d’une époque ancienne ou liés à des fonctions spécifiques, et cette sculpture figurative qui représente un paysage, l’exposition prend la tournure d’un environnement entre architecture improbable et maquette de décor de cinéma. Ces œuvres fonctionnent comme des éléments embryonnaires d’un espace et d’un temps autres, constitutives d’un récit dont nous n’aurions que quelques bribes...

Extraits de la présentation de l'exposition sur le site de 40mCube : http://www.40mcube.org/www/index.php/expositions/9/we-can-never-go-back-to-manderley-sarah-fauguet-david-cousinard

Exposition "We Can Never Go Back to Manderley" de Sarah Fauguet & David Cousinard, du 23 avril au 16 juillet 2011 au 40mcube; 48, avenue Sergent Maginot à 35000 Rennes.

La sculpture dont on (c)rève...

2011-03-11T15:06:00.004+01:00

Nous nous faisons parfois l'écho de concours de sculpture dans nos pages. En voici un particulièrement rémunérateur dont nous avons le plaisir de vous informer...
Le Groupe Agrati, comme il se défini lui-même, c’est : 264 millions d’euros de chiffre d’affaires. 11 usines et 3 centres logistiques. Plus de 1700 personnes. Une capacité de production de 150.000 tonnes. 500.000 mètres carrés dont 200.000 couverts. Un parc de 300 machines de frappe à froid et de reprise... Il lance un appel à projet pour la création d’une œuvre d’art destinée à être installée de façon pérenne sur le site de l’entreprise AGRATI à Vieux-Condé. L’entreprise AGRATI France souhaite, dans le cadre de son projet d’investissement à Vieux-Condé et de l’installation de son Siège Social, investir un des espaces extérieurs de l’entreprise au travers de la création d’une installation d’art contemporain.
Voir le lien sur la page http://www.cnap.fr/index.php?page=infos&idSujetPro=1119&contenu=appelsprojet-et-offres-demploi-appelsprojet-et-offres-demploi-appelscandidatures-rsidences-prix-bourses-festivals-appelprojet-pour-la-cration-dune-installation-dart-contemporain-vieux-cond-2011 ou vous découvrirez l'ensemble des recommandations et caractéristiques souhaitées par le commanditaire du genre
"doit être spécifiquement conçue pour le site", "pensée de façon à pouvoir dialoguer avec son environnement", "résister aux intempéries", "éléments conformes aux normes de sécurité", "résister aux tentatives de dégradation ou de vol de ses éléments", "nécessiter une maintenance faible sans qualification spéciale"... suivies de considérations sur la thématique qui doit être développée.
Et vous y apprendrez finalement que "L’apport maximum de l’entreprise AGRATI pour cette création sera de 5000 € TTC (honoraires, études, réalisation, première installation). La démarche d’achat des matériaux et de tous les éléments intervenants dans la production de l’oeuvre sont de la responsabilité de l’artiste".
PS : n'oubliez pas de justifier de votre statut d’artiste en produisant copie de votre affiliation à l’AGESSA ou à la Maison des artistes.

Anthony Caro, le mystère de la sculpture à pattes...

2011-03-11T10:10:00.011+01:00

Anthony Caro "Lagoon" (1984). Acier. 2.16m x 5.21m x 1.6m. Version et mise en place d'origine, avant sa présentation dans le parc du Peterborough Sculpture Trust http://www.peterboroughsculpture.org/collection.php?sculptid=112.

La version altérée de "Lagoon", invendue chez Bonhams. Courtesy Annely Juda Fine Art

Une sculpture monumentale en acier, signée Sir Anthony Caro, est restée invendue hier, lors de la vente '20th Century British Art' chez Bonhams Londres. Ceci après que l’artiste s’est prononcé contre la vente, demandant que l’œuvre soit retirée et déniant la sculpture qu’il avait créé en 1976/1977, estimée entre 120 000 et 180 000 euros.
« Cette œuvres est mienne, mais mutilée », a déclaré Anthony Caro à ARTINFO UK.
La sculpture Lagoon a été créé pour être posée sur le sol, fidèle à la griffe du sculpteur de 86 ans, qui omet le socle pour éviter la médiation entre ses œuvres et les spectateurs. Lagoon a néanmoins reçu des pieds en métal, soudés à la base, après son achat par le Peterborough Sculpture Trust en 1984.
Au départ, Bonhams n’avait fait aucune mention de ce plus important dans le catalogue de la vente ou dans son rapport sur l’état de l’œuvre, qui décrivait seulement des défauts de peinture. La Maison a, depuis, ajouté une notification au lot, mais la déclaration ne satisfait pas Anthony Caro. « Dans le catalogue, le tout est déclaré être mon œuvre, ce qu’il n’est pas. C’est comme ajouter une queue à un animal peint par Picasso. C’est ridicule », a-t-il déclaré.
Dans une lettre envoyée à l'artiste, Bonhams déclare que les ajouts n’ont aucune portée sur « l’intégrité artistique de le sculpture » et que les pieds « sont incapables de changer l’œuvre en une qui n’est pas la votre ». La Maison soutient aussi que les pieds ont été ajoutées pour l’installation de l’œuvre et que cela avait été fait sous la direction de l’artiste - une version des faits niée par Anthony Caro, qui dit : « je n’ai jamais été à Peterborough de ma vie ».
Bonhams a déclaré à ARTINFO UK que « l’œuvre a été commandée pour un emplacement extérieur et a des pieds en support ». Anthony Caro dit cependant que la sculpture n’était pas sur commande mais achetée chez son marchand. Une photographie, publiée en 1987 dans un catalogue de la Peterborough Sculpture Trust, montre l’œuvre installée comme prévu sur une terrasse en brique, sans pieds. Plus tard, Lagoon avait été installée sur l’eau, sans la permission de l’artiste, et puis vandalisée.
« Pendant une longue période de présentation en plein air, la sculpture est devenue altérée et malheureusement aussi peinte à la bombe par des vandales », déclare Bonhams. « La peinture a été enlevée et il n’en reste que des petites traces. Sir Anthony soutient que les pieds de la sculpture ne font pas partie de son œuvres, mais ceci n’est pas le souvenir du personnel de la Trust qui a assisté à l’installation de l’œuvre sur leur site ».
Aucune loi en Angleterre n'empêche les collectionneurs d'altérer ou détruire les œuvres dont ils sont propriétaires. « Il est très mauvais pour un artiste de savoir que son œuvre peut être détruite ou changée et qu’il n’a aucun recours, » déplore Anthony Caro. « L’artiste devrait avoir le droit de dire : ‘ceci n’est plus mon œuvre’ ».

L'article en français (10/03) qui est ici reproduit : http://fr.artinfo.com/%C2%AB-mon-%C5%93uvre-mutil%C3%A9e-%C2%BB-anthony-caro-renie-une-sculpture-qui-est-rest%C3%A9e-invendue-chez-bonhams

La page de la galerie de vente Bonhams où l'oeuvre est présentée (et où il est précisé que les oeuvres de Caro reposent habituellement directement sur le sol...) : http://www.bonhams.com/eur/press/5475/

L'article du guardian (08/03): http://www.guardian.co.uk/artanddesign/2011/mar/08/sir-anthony-caro-bonhams-auction-sculpture-row

Une explication : l'oeuvre à été déplacée de l'emplacement d'origine (voir photo ci-dessus) au Peterborough Sculpture Trust qui l'avait acquise, pour être présentée en "extérieur nature" (pelouse ou plan d'eau), ce qui aurait nécessité techniquement l'installation des "pattes", non visibles pour le spectateur car sous la terre ou sous l'eau; tout ceci à l'insu de l'artiste...

Le site de l'artiste : http://www.anthonycaro.org/

Nous vous avons déjà parlé de Anthony Caro : http://acasculpture.blogspot.com/2009/01/anthony-caro-sculptures-au-laac.html
http://acasculpture.blogspot.com/2008/10/sculptures-danthony-caro-suite.html
http://acasculpture.blogspot.com/2008/10/sculpture-galvanise-anthony-caro.html

Voyage dans les « îles jamais trouvées »...

2011-03-10T19:29:00.004+01:00

L’exposition "Îles jamais trouvées" souhaite montrer, au travers des œuvres de 35 artistes internationaux (Japon, États-Unis, Allemagne, Italie, France, Grèce, Chypre, Maroc…) une sensibilité commune et partagée, tournée vers la quête de l’authenticité, au sein d’un contexte sociologique et anthropologique complexe...
...Les "Iles jamais trouvées" sont ces zones de création particulières, uniques et individuelles dans lesquelles chaque artiste définit et communique clairement sa propre approche, son propre langage et système de symboles, sa propre vision idéologique, philosophique, esthétique et historique du monde. La vie et le travail des artistes peuvent également se comprendre par la quête métaphorique de "leur île", de "leur place", de "leur terre". Toutes les inventions d’organisation des formes, de langages, de signaux visuels et de nouveaux récits personnels constituent ces terres d’empathies et d’imagination qui se présentent elles‐mêmes comme des îles.En ce sens, le travail artistique ressemble à un long et éternel voyage grâce auquel les artistes, suivant leur propre étoile, découvrent continuellement de nouvelles îles, de nouveaux continents et de nouveaux mondes – conquièrent de nouveaux territoires, élaborent et occupent de nouvelles aires par leurs méthodes et leurs aptitudes. Ce voyage éternel est un compte à la fois dramatique, poétique, conflictuel et pittoresque rempli d’espoir et de déception, de perte et de trouvailles, de labeur, de plaisir et de joie, mais aussi de destruction, de déchéance, de colère, de tristesse, de solitude et de renoncement, de raison et d’irrationalité, de folie et d’obsession.
Extraits de la présentation de l'exposition sur le site du musée : http://www.mam-st-etienne.fr/index.php?rubrique=30&exposition_id=154
Découvrir également l'excellent dossier pédagogique : http://www.mam-st-etienne.fr/data/documents/20110106-DossierPeda-IJT-web.pdf

Liste des artistes exposés :
Marina ABRAMOVIC (Serbie), Alice AYCOCK (Etats-Unis), Marina BOLLA, (Italie) Louise BOURGEOIS, (Etats-Unis) Yves BRESSON (France), Tony CRAGG (Grande-Bretagne), Danica DAKIC, (Bosnie) Latifa ECHAKCH (Maroc), Jan FABRE (Belgique), Hans Peter FELDMANN (Allemagne), Gloria FRIEDMANN, (Allemagne/France), Carlos GARAICOA (Cuba), GILBERT & GEORGE, (Grande-Bretagne) Siobhan HAPASKA, (Grande-Bretagne) Rebecca HORN (Allemagne), Ilya KABAKOV (Russie), Anselm KIEFER (Allemagne), KIMSOOJA (Corée/Etats-Unis), Jannis KOUNELLIS (Grèce/Italie), Maria LOIZIDOU (Chypre), Richard LONG (Grande-Bretagne), Natsuyuki NAKANISHI (Japon), Maurizio NANNUCCI (Italie), Luigi ONTANI (Italie), Dennis OPPENHEIM (Etats-Unis), ORLAN (France), Michelangelo PISTOLETTO (Italie), Lucas SAMARAS (Grèce/Etats-Unis), Barthélémy TOGUO (Cameroun/France), Stefanos TSIVOPOULOS (Grèce), Costas TSOCLIS (Grèce), Mamoru TSUKADA (Japon, vit à Berlin), Günther UECKER (Allemagne), Lois WEINBERGER (Autriche) et Dimitirs XONOGLOU (Grèce).

"Iles jamais trouvées", exposition thématique collective, du 17 décembre 2010 au 17 avril 2011.
Musée d’Art Moderne de Saint-Étienne Métropole, La Terrasse - BP 80241 - 42006 Saint-Etienne.

"Tout, sauf une sculpture"...

2011-03-10T17:13:00.003+01:00

« Nous avons appris qu'un projet d'oeuvre d'art contemporain au milieu du rond-point, à la place du mimosa, était à l'étude en mairie », s'indigne Claude Lubrano, président du comité de quartier Cimiez - Rimiez - Brancolar - Scuderi et Commandant Gérôme. « Nous n'avons même pas été consultés. Nous ne voulons pas de ce projet, car nous voulons préserver la verdure du quartier pour nos générations futures. Et si on peut éviter un morceau de fer... »
Gérard Baudoux, conseiller municipal délégué à l'art moderne et contemporain, explique : « Je ne vous cache pas que votre choix serait beaucoup plus économique. Mais le président du comité de quartier Hauciri m'a proposé ce projet et je n'y étais pas hostile, d'autant que ça paraissait correspondre à la volonté des gens du quartier - d'après ce qui m'a été présenté comme un sondage auprès de 300 personnes... De plus, une oeuvre d'art contemporain est compatible avec un écrin de verdure. »
La salle ne semble pas de cet avis. Dans l'assemblée, Jacques Peyrat, ancien maire de Nice et riverain, fait une proposition : celle d'un « arbre aux caractéristiques romaines et antiques qui est en lui-même une oeuvre d'art : l'olivier, surtout s'il est centenaire. » Une proposition applaudie. « S'il n'y a que ça pour vous satisfaire, nous allons le faire », se sont accordés Gérard Baudoux et Bernard Baudin... tout en précisant que le débat restait ouvert.
Exrait d'un article de Yann Delanoë pour Nice-Matin à propos de débats d'un comité de quartier de Nice, paru sur le site : http://www.nice.maville.com/actu/actudet_--Tout-sauf-une-sculpture-_loc-1720145_actu.Htm
Lire également la suite : http://www.nicematin.com/article/nice/commandant-gerome-sosno-renonce-a-son-projet

Roger Remacle, la plastique des plastiques

2011-03-05T17:59:00.003+01:00

Roger Remacle, ce jeune sculpteur de 70 printemps, expose à la Galerie 105 Besme. Un parcours artistique très personnel, nourri au sein de la pétrochimie, le conduit à mettre en oeuvre les matériaux plastiques : un regard de chercheur impénitent où il "aborde des plastiques aux propriétés complexes, développe des outils spécifiques et invente des processus de transformation propres au matériau et conçus à l'échelle artisanale". (citation de l'artiste dans son catalogue publié en 2010 à l'occasion de son exposition à la Galerie KOMA à Mons).
Roger Remacle est aussi un plasticien, au sens contemporain du terme, qui s'exprime au travers de média variés comme la vidéo et le son, la performance et le landart; précisons encore qu'il partage ses compétences avec les étudiants de l'option sculpture de l'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles dans le cadre de son cours consacré aux matériaux nouveaux.
L'exposition Skin-Deep sera encore visible quelques jours sur rendez-vous à la Galerie 105 Besme (Avenue Besme 105 à 1190 Bruxelles; téléphone : 0475 299 873).

La page consacrée à l'artiste sur le site du Musée en Plein Air du Sart Tilman : http://www.museepla.ulg.ac.be/expos/remacle/index.html

"Jean-Michel Othoniel en verre et contre tous"

2011-03-04T15:49:00.005+01:00

"Le Noeud de Lacan" (2009). Verre miroité, métal; 150 x 135 x 50 cm.

C'est sous ce titre que le journal Le Figaro présente un article consacré à Jean-Michel Othoniel, à l'occasion de son exposition au Centre Pompidou, sous le titre "Jean-Michel Othoniel, My Way", au Centre Pompidou, jusqu'au 23 mai 2011 : http://www.lefigaro.fr/culture/2011/03/03/03004-20110303ARTFIG00668-jean-michel-othoniel-en-verre-et-contre-tous.php

My Bed (2002-2003). Museum of Contemporary Art, North Miami. Verre et métal, 290 x 190 x 241 cm. Collection de l'artiste. Photographie Patrick Gries / Fondation Cartier pour l'art contemporain - Paris

Voir pour compléter votre information la page du Centre consacrée à l'exposition : http://www.centrepompidou.fr/Pompidou/Manifs.nsf/AllExpositions/9683E6A6EB3C14C5C12577E5003937D3?OpenDocument&sessionM=2.2.1&L=1&form=Actualite ; et le dossier de presse en pdf http://www.centrepompidou.fr/Pompidou/Communication.nsf/docs/ID6FF31290AE0A2702C12577F50054FEE0/$File/20101210_dp_Othoniel.pdf

Le site de la galerie Perrotin : http://www.galerieperrotin.com/artiste-Jean-Michel_Othoniel-9.html ; et celui de l'artiste : http://www.othoniel.fr/

Bob Van der Auwera, cubes et carrés

2011-03-01T14:49:00.005+01:00

"Cause première" (1969). Fer peint. 35 x 31 x 31 cm

L’œuvre de Bob Van der Auwera est centrée sur la notion d’espace. En partant non pas de la matière mais du vide, l’artiste se sert principalement de l’acier oxydé pour construire des «boîtes de vide» agencées selon le carré, le cube et leurs déclinaisons; structures qui «rythment l’espace en proposant des vues choisies». Visions effectivement, puisque la perception du vide, et du volume qui le contient, change au moindre déplacement, et confère ainsi toute son importance au parcours du spectateur. L’artiste s’apparente - généralement - à la mouvance construite.

Le sculpteur expose en dialogue avec le peintre Luc Mondry. A voir du 17 février au 20 mars 2011 à la Galerie Albert Dumont ( http://www.galeriedumont.be/ ; ce lien ne fonctionnait pas au moment de la parution) Rue Léon Lepage 43 à Bruxelles.

Le site de l'artiste : http://www.bobvanderauwera.be/Bobvanderauwera/bienvenue.html

Nous vous avons déjà de Bob Van der Auwera dans le cadre des expositions "Du cube au Carré" : http://acasculpture.blogspot.com/2009/01/le-cube-au-carr-au-muse-ianchelevici.html et http://acasculpture.blogspot.com/2008/02/sculpture-au-cube.html

François Morellet réinstalle

2011-02-25T14:43:00.005+01:00

Invité au Centre Pompidou, François Morellet a préféré montrer un aspect particulier de son art: les installations. Il s'agit pour lui d'œuvres éphémères, réalisées dans ses expositions personnelles ou dans les manifestations auxquelles il participe.
Elles sont conçues pour un endroit précis et exécutées sur place, avec des moyens légers. Destinées à disparaître ou à être démontées à l'issue de la manifestation, elles sont très peu ou pas connues, sauf à avoir été vues à chaque occasion, comme lors de la Nuit blanche à Paris, en 2005, pour quelques heures à la tombée de la nuit sur les quais de la Seine. L'exposition qui rassemble et réinstalle vingt-six d'entre elles au Centre Pompidou est une proposition tout à fait inédite.
Extrait de la page sur le site du Centre Pompidou consacrée à l'exposition :
http://www.centrepompidou.fr/Pompidou/Manifs.nsf/AllExpositions/79D12BE7B900936CC12577E50038C91D?OpenDocument&sessionM=2.2.2&L=1
Exposition "François Morellet, réinstallations", du 2 mars au 4 juillet 2011, Centre Pompidou, Paris.

Voir article AFP : http://www.google.com/hostednews/afp/article/ALeqM5jFo2CruDnuq743oyLD5y45yAFR0g?docId=CNG.15dbbd53e8451bfee54a5b996d37bd24.a1
Nous avons déjà parlé de cet artiste :
http://acasculpture.blogspot.com/2010/06/le-domaine-de-kerguehennec-en-petition.html
http://acasculpture.blogspot.com/2010/01/francois-morellet-lesprit-descalier.html

Et toujours au Centre : "Accrochage, histoire de l'atelier Brancusi", jusqu'au 7 novembre 2011.

Sylvie Pic, espaces minés...

2011-02-25T11:24:00.010+01:00

Dans le cadre des manifestations organisées autour des 30 ans de l'atelier de dessin de l'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles, une remarquable exposition des dessins de Sylvie Pic (détails sur le site de l'atelier : http://dessindrawing.blogspot.com/2011/01/30-ans-de-latelier-de-dessin.html.
Du 25 février au 31 mars 2011 à l'ARBA-ESA, 144 rue du midi à Bruxelles.

A propos de l'artiste :
http://dessindrawing.blogspot.com/2009/05/sylvie-pic-des-espaces-qualitatifs.html
Son site : http://documentsdartistes.org/artistes/pic/page1.html ; incluant un dossier en pdf : http://documentsdartistes.org/artistes/pic/Pic-web.pdf

Simultanément à l'exposition, colloque international “Le dessin”, ces 25, 26 et 27 février 2011. Dans le cadre de l’exposition“Drawing in an Expanded Field”300 ans de l’Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles et 30 ans de l’atelier de dessin à De Markten, 5 Oude Graanmarkt / Place du Vieux Marché aux Grains, 1000 Brussels (voir: http://dessindrawing.blogspot.com/2010/12/colloque-international-le-dessin.html )

Pour le plaisir, vue d'une oeuvre réalisée en extérieur : "Libido videndi" (1995). Anamorphose, acrylique sur béton, environ 500 x 800 cm. Photographie Claude Almodovar. Ne manquez pas dans l'exposition de l'ARBA-ESA, deux "boîtes noires" ...

Les pénétrations d'Ernesto Neto

2011-02-21T23:08:00.007+01:00

Tom McCarthy met en mots l'histoire montrée par Ernesto Neto : celle d’une passion pour une femme à l'intérieur de laquelle l’artiste aimerait pénétrer, non pas par la seule pénétration sexuelle, mais par toute sa peau, tous ses pores, tous ses interstices, pénétrer ses secrets, mus par un désir fou d'intériorité et par une passion si particulière que l’on se pose d’emblée la question : cette femme existe-t-elle ou est-elle une production mentale ? Les deux probablement. Tom McCarthy l'écrit très bien le désir et l'impossibilité - “inventorise what I was loosing” : cette impossibilité toujours, de savoir ce qu’il y a “dedans”, à l’intérieur de l’autre, et comment faire pour pénétrer dans les tréfonds de l’âme et du corps confondus.

Le boîtier dessiné par Ernesto Neto souligne encore cette folie du désir : une gaufre, un coussin, des coutures... C’est plastique et littéraire, purple et cousu, architectural et corporel. On n’en finit pas de désirer ouvrir la boîte de Pandore et de se mirer à l’intérieur dans les espaces sensoriels d’Ernesto Neto, dont le directeur de la Hayward Gallery à Londres, Ralph Rugoff, dit avec justesse que “Son travail est multisensoriel, il en appelle à votre sens du toucher et à votre odorat. Neto crée des installations de nature abstraite et biomorphique – des installations qui évoquent la peau et l’intérieur du corps humain...

Extraits de l'article paru sur le site "les quotidiennes" : http://www.lesquotidiennes.com/book-chastity

A l'intérieur de ce coffret, 8 tirages originaux sur papier photo et 8 autres sur papier coton qui montrent des vues de son installation créée en 2009 au Toyota Municipal Museum of Art (Japon). Paru aux éditions Editions Take5 (http://www.take5editions.com/) spécialisées en livres d'artistes.

La présentation du livre par les graphistes du Gva Studio.

Un Google Doodle pour commémorer Brancusi

2011-02-20T15:55:00.004+01:00

Les internautes ont pu découvrir ce 19 février 2011 un doodle (logo remplaçant occasionnellement les habituelles lettres google sur la page d'accueil du moteur de recherche) commémorant le 135 anniversaire de la naissance du sculpteur roumain Constantin Brancusi. Le défi étant pour les amateurs de reconnaître les différentes sculptures entrant dans sa composition... Tâche rendue difficile par l'existence de multiples versions de chaque oeuvre réalisées par le maître... et par le non respect des échelles. Bonne recherche(s) !

Visiter l'atelier de Brancusi en 360° (nécessite QuickTime) : http://www.centrepompidou.fr/pompidou/communication.nsf/0/35E1BCC335268057C1256E9300507F87?OpenDocument&L=2

Montréal, l'art souterrain

2011-02-16T11:30:00.004+01:00

France Dubois , "Infiltrations"(édition 2010). Photographe : Nicolas Podschelni

Débarqué à Montréal il y a de cela quinze ans, Frédéric Loury s’attendait, comme bien des Français, à découvrir une véritable ville souterraine, avec ses rues, ses boutiques et sa vie culturelle. Quelle ne fut pas sa surprise de constater que ce que l’on nomme le «Montréal souterrain» n’est qu’un réseau tentaculaire d’une grande banalité, reliant centres commerciaux et édifices à bureaux. C’est pourtant malgré sa déception qu’il a fait du réseau souterrain de la ville un espace de diffusion de l’art contemporain qui s’étale sur près de vingt-huit kilomètres et rassemble cent huit projets avec environ cent quarante artistes de toutes les disciplines. Art Souterrain lancera ainsi sa 3e édition lors de la prochaine Nuit Blanche, le 26 février, avec une programmation plus riche que jamais.

Extrait d'un article Déterrer l’art contemporain trouvé sur le site canadien "Délit francais" (Le Délit est le journal francophone de l'université McGill au Canada).

La 3e édition d’Art Souterrain se déroule du 26 février au 13 mars 2011.

Découvrez la fiche des artistes participants sur le site de la manifestation : http://www.artsouterrain.com/

Motoi Yamamoto, labyrinthes de sel

2011-02-07T17:51:00.000+01:00

Cette exposition accueille huit artistes pour partie d’origine étrangère qui s’emparent de matériaux alimentaires dans la réalisation de leurs oeuvres. Sel, sucre, thé, épices, lait, riz… deviennent les ingrédients d’un vocabulaire formel décliné par le geste. Au-delà de leur dimension nutritive, ils constituent une syntaxe imagée, outrepassant les frontières et interrogeant l’histoire et la culture de leurs pays. Vastes paysages, minutieux labyrinthes, ravines et rivières : la nourriture est ici envisagée d’un point de vue géo-graphique et traduit, dans une langue sensible et picturale, le territoire.

"Labyrinth" (2011); sel; 3.2 x 11m. Espace Ecureuil

Ruisselant d’une montagne sacrée, le sel de Motoi Yamamoto forme des milliers de ravines et crée un labyrinthe monumental. Autant de chemins de vie, doux, irritants, que le sel, dessine à même le sol. Avec une patience infinie (une semaine pour la création de cette oeuvre), Motoi réalise des installations in situ et éphémères, d’une grande fragilité. Le choix du matériau (le sel, purificateur, est utilisé, notamment, dans les funérailles au Japon), le geste et le temps nécessaire rappellent, telle une vanité, notre présence passagère sur Terre.

Le site de Motoi Yamamoto : http://www.motoi.biz/english/e_top/e_top.html

Découvrir le dossier de presse de l'exposition (d'où proviennent les extraits ci-dessus), avec la présentation des autres artistes participants (Cécile Benoiton, Michel Blazy, La Cellule (Becquemin&Sagot), Myung-Ok Han, Laurent Mareschal, Marina Pirot et Armén Rotch) ; lien sur la page http://www.caisseepargne-art-contemporain.fr/ ; voir aussi le blog : http://www.lesfeesetlecureuil.org/

Exposition "Reliefs" jusqu'au 26 février 2011 à la Fondation Ecureuil pour l’art contemporain, 3 place du capitole à Toulouse

Joan Miró sculpteur

2011-02-04T15:26:00.007+01:00

"Moon bird" (1946-1949). Bronze; 19 x 17 x 12.5 cm. Fundació Joan Miró

Le musée Maillol vous invite, du 16 mars au 31 juillet 2011, à découvrir les incroyables oeuvres sculptées de Joan Miró. Si l’artiste est universellement reconnu essentiellement pour ses peintures, ses sculptures n’ont pas fait l’objet d’une exposition à Paris depuis près de 40 ans. L'occasion de se rattraper et de découvrir cette autre facette de l'artiste espagnol.

Voir article sur : http://www.sortiraparis.com/art-culture/joan-mir-sculpteur-au-musee-maillol-38065.html
Joan Miró, "Sculpteur", au Musée Maillol (61 rue de Grenelle à Paris), du 16 mars au 31 juillet 2011. Le site du Musée Maillol (pas d'infos à ce jour) : http://www.museemaillol.com/

Page très complète dans wikipedia : http://fr.wikipedia.org/wiki/Joan_Mir%C3%B3

Voir également le site de La Fundació Joan Miró : http://www.fundaciomiro-bcn.org/ ; et la page du Centre Pompidou : http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-miro/ENS-miro.html

Vies de Michel-Ange

2011-02-02T14:11:00.006+01:00

"Pietà Rondanini", la dernière sculpture, inachevée (1564). Museo d'arte antica, Sforza Castle, Milan

Désormais accessible dans une version bilingue, intelligemment commentée, la nouvelle édition de la correspondance de Michel-Ange fait événement. À lire ce passionnant document on découvre un homme aussi rugueux que le non finito de ses sculptures, exclusivement préoccupé par son art. Son seul luxe ? Quelques poires et de temps en temps une bouteille de trebbiano, un blanc de Toscane dont il raffole et que lui conseille son médecin, Baccio Rontini. Cette vie austère et laborieuse ne l'a pourtant pas mis à l'abri des ennuis de santé. Michel-Ange souffre de la maladie de la pierre...

...Pour disposer de la meilleure part dans la falaise de marbre, il campe tel un ermite dans la montagne, à Carrare, rudoyant les carriers, ayant même failli à plusieurs reprises être écrasé par l'un de ces énormes blocs que des attelages de cinq paires de boeufs charriaient vers l'atelier qu'il s'était fait installer Via Mozza à Florence...

...Cependant, ces précautions n'ont pas toujours été suffisantes : l'artiste a été contraint à maintes reprises de retailler certaines de ses effigies, notamment celle du Christ de Santa Maria sopra Minerva, une veine noire ayant brusquement surgi dans le marbre immaculé, comme l'explique Cristina Acidini Luchinat, dans l'excellent ouvrage qu'elle lui consacre, Michel-Ange sculpteur. De fait, les trois livres montrent l'acharnement du génie à insuffler ses idées tant dans la fresque que dans le marbre, le matériau favori, celui qui lui résiste le plus. La finition et le détail ne l'intéressent pas. C'est d'ailleurs à des comparses que le sculpteur laisse le soin d'achever ses statues, lesquels, parfois, par leur maladresse, les ruinent définitivement.
Ce qui passionne d'abord le monstre épris de beauté, c'est transcrire sa pensée, ses idées et sa conception du monde. S'il aime tant le marbre, qu'il attaque avec une précision époustouflante, au millimètre près, c'est d'abord pour sa dureté. Modeler ne l'intéresse guère ; déjà dans sa jeunesse, il se colletait à la pierre. On imagine aisément le mépris qu'il devait éprouver pour les bronziers du genre de Cellini ; il n'a d'ailleurs fait fondre qu'une seule statue, un portrait de Jules II, aujourd'hui disparu...

...Sa vie tout entière a été rythmée par le cliquetis du ciseau et du maillet ; quelques jours avant de mourir, il cogne encore comme un sourd sur la "Pietà Rondanini", l'illustrissime dernière oeuvre dont on ne sait pas très bien si elle représente une pietà ou une Mise au tombeau. L'ambiguïté demeurant quant à la figure qui soutient le corps du Christ. Est-ce un homme - Nicomède ou un autre personnage ? - ou est-ce la mère du Sauveur ? Dans sa rageuse brutalité, dans ses contrastes de textures entre parties lisses et non finito, dans son esthétique du fragment, la "Pietà Rondanini" ouvre la voie aux sculptures les plus audacieuses de la modernité, plus proches en cela de Henry Moore que du maniérisme...

Extraits; à découvrir dans l'article très intéressant "Dans les petits papiers de Michel-Ange" de Jean Pierrard, dans l'hebdomadaire Le Point : http://www.lepoint.fr/culture/dans-les-petits-papiers-de-michel-ange-31-01-2011-132522_3.php

Les trois livres évoqués par le point dans l'article :
"Michel-Ange. Carteggio/Correspondance", sous la direction d'Adelin-Charles Fiorato (Les Belles Lettres, deux volumes, 4184 p., 75 euros).
"Michel-Ange face aux murs", d'Armand Farrachi (Gallimard, 120 p., 14,90 euros).
"Michel-Ange sculpteur", de Cristina Acidini Luchinat. Photographies d'Aurelio Amendola (Actes Sud, 320 p., 44 euros).

Pour commencer à se documenter : http://fr.wikipedia.org/wiki/Michel-Ange

Tony Cragg, "Figure out / Figure in"

2011-01-31T14:07:00.006+01:00

À l’occasion de la première rétrospective du sculpteur allemand Franz Xaver Messerschmidt, le musée du Louvre présente un ensemble de sculptures de l’artiste anglais Tony Cragg dans les cours Marly et Puget, ainsi que sous la pyramide, consacrées à la sculpture monumentale française.La confrontation de l’oeuvre de Tony Cragg avec les « têtes de caractère » de Messerschmidt concerne plus particulièrement une sculpture en bronze représentant également, sous un certain angle de vue, par ses déformations et superpositions de strates, un profil humain particulièrement expressif.
Les cinq sculptures choisies par Tony Cragg pour dialoguer avec celles des cours Marly et Puget sont de tailles, de formes et de natures variées, reflétant ainsi la diversité de sa pratique de sculpteur tant au niveau des matériaux (bronze, marbre, fibre de verre, bois), des couleurs (blanc, rouge, noir), que des méthodes utilisées (circonvolutions autour d’un axe central, déplacement latéral des volumes en oblique et en surplomb, accumulation de fines strates, percement de la surface).
Extrait de la présentation sur le site du Musée du Louvre : http://www.louvre.fr/llv/pratique/presentation_alaune.jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673298843&CURRENT_LLV_FICHE%3C%3Ecnt_id=10134198673298843&FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500879

Voir article sur Artinfo (pour une raison mystérieuse le texte n'apparaît pas; le truc : sélectionner le texte par un clic droit!) : http://fr.artinfo.com/tony-cragg-ou-la-dynamique-int%C3%A9rieure-des-formes

Exposition Tony Cragg - Figure out / Figure in, Musée du Louvre, Cours Marly et Puget du 28 janvier au 25 avril 2011.

Le site (documents de qualité mais parcours fastidieux) du sculpteur : http://www.tony-cragg.com/ et http://www.skulpturenpark-waldfrieden.de/ , le très beau parc de sculptures qui est consacré à l'artiste à Wuppertal (D).

Découvrir également la page de "The Cass Sculpture Foundation" qui lui est consacrée http://www.sculpture.org.uk/artists/TonyCragg/

Voir l'article consacré à l'exposition : http://lunettesrouges.blog.lemonde.fr/2011/01/28/extension-du-domaine-de-la-figure-tony-cragg-au-louvre/ et à son "complément" au sculpteur Messerschmidt : http://lunettesrouges.blog.lemonde.fr/2011/02/01/messerschmidt-doloroso/

Décès de Dennis Oppenheim

2011-01-28T15:14:00.004+01:00

"Electric Kiss" (2010). Naru Park, Busan, Korea. Environ 7,5 mètres de diamètre.

Photo: Busan Biennale, Corée.

L'artiste contemporain Dennis Oppenheim est décédé à New York, ce 22 janvier 2011.

Dennis Oppenheim s'intéresse à la fonction de l'art et au rôle de l'artiste. Plus connu comme artiste du Land Art, il est aussi un artiste conceptuel et il a une pratique de l'art corporel. Il se distingue en cela des autres Land artistes, comme Michael Heizer ou Robert Smithson qui cherchaient dans leur confrontation avec la nature l'acte héroïque. Oppenheim ne cherche pas la pérennité des œuvres. Son travail intègre une dimension sociale et politique.

Extrait de la page de wikipedia qui lui est consacrée : http://fr.wikipedia.org/wiki/Dennis_Oppenheim

Voir aussi : le "Dennis Oppenheim's Blog" qui se présente comme le blog de l'artiste (?), avec des documents relatifs à ses dernières créations : http://dennisoppenheim.blogspot.com/

Le site de l'artiste : http://www.dennis-oppenheim.com/

Nous vous avions déjà parlé de Dennis Oppenheim : http://acasculpture.blogspot.com/2009/11/dennis-oppenheim-le-sens-de-la.html

Ai Weiwei, la récolte s'annonce bénéfique

2011-01-28T14:43:00.007+01:00

Une partie des graines de tournesol en porcelaine de l’installation de l’artiste chinois Ai Weiwei, du Turbine Hall de la Tate Modern, va être mise en vente chez Sotheby’s. La maison de vente propose le sac de 100 kilos de graines entre 80.000 et 120.000 livres (entre 93.000 et 140.000 euros)...
... L’installation réalisée par le plasticien chinois, Ai Weiwei, pour le Turbine Hall de la Tate Modern n’a été accessible au public que deux jours, elle a en revanche rapidement acquis un statut quasi culte pour les aficionados de l’art contemporain. L’artiste avait recouvert le sol de la Turbine Hall de 100 millions de graines de tournesol réalisées en porcelaine. Dès l’ouverture les responsables du musée londonien avaient interdit au public d’emporter une graine, en souvenir de l’installation. Deux jours après son inauguration, l’accès au public était interdit en raison du potentiel risque sanitaire que présentaient les graines. L’écrasement des graines provoquant des poussières dont l’inhalation pouvait être dangereuse pour la santé...
... Pour les amateurs moins fortunés, quelques graines, à l’unité ou par poignée, sont proposées sur le site de vente aux enchères eBay, preuve que la consigne du musée n’a pas été respectée par tous les visiteurs.
Extraits de l'article de artclair.com : http://www.artclair.com/site/archives/docs_article/80873/les-reliques-de-l-installation-d-ai-weiwei-presentee-la-tate-modern-dispersees-en-ventes-publiques-.php

"Porcelain Sunflower Seed - Tate Modern" en vente pour la somme de 5£ sur le site ebay.co.uk

Voir la page ebay : http://shop.ebay.co.uk/?_from=R40&_trksid=p5197.m570.l1311&_nkw=ai+weiwei&_sacat=See-All-Categories

Nous vous avions parlé de cette exposition : http://acasculpture.blogspot.com/2010/11/ai-weiwei-sunflower-seeds-la-video.html et http://acasculpture.blogspot.com/2010/10/ai-weiwei-graine-de-contestation.html

Francis Alÿs au pays de l'inutile

2011-01-22T10:57:00.011+01:00

Un fusil/caméra de Francis Alÿs réalisé à partir de matériaux de récupération. Wiels (2010). Photo JFD. Autres vues de cette installation présentée en 2007 sur le site de la galerie David Zwirner : http://www.davidzwirner.com/exhibitions/127/

Wiels présente une exposition rétrospective de Francis Alÿs, né en Belgique en 1959, l’un des artistes actuels les plus influents. Grâce à une approche poétique et allégorique, Francis Alÿs explore aussi bien des thèmes politiques, tels que conflits frontaliers et crises économiques, que tirés de situations de tous les jours. Cette exposition présente des œuvres picturales aux côtés de pièces encore jamais montrées : peintures, dessins, vidéos, animations et installations. L'exposition peut être envisagée comme une rétrospective, qui permet de suivre les différentes étapes qui ont mené Francis Alÿs à devenir l’un des artistes les plus importants de sa génération.

Comme le titre de l'exposition le laisse supposer, l'œuvre s'interroge sur la raison d'être et l'utilité des choses et des actions, et sur la manière dont nous les observons et les mettons en forme. La traduction de "deception" est multiple, et peut s'apparenter à artifice, hallucination, désillusion. Chez Alÿs la frontière entre la pertinence et l'inutilité est mince, et il joue souvent avec l'illusion que créent les idées, les symboles, les actes.

Extraits de la présentation de l'exposition sur le site du WIELS : http://www.wiels.org/site2/event.php?event_id=162

Attention, il ne vous reste que quelques jours : jusqu'au 30 janvier 2011. "A Story of Deception", au WIELS, Avenue Van Volxem 354 à 1190 Bruxelles.

"Paradox of Praxis 1", (1997); vidéo.

Le site de l'artiste (nombreuses vidéos à voir; certaines à télécharger) : http://www.francisalys.com/

"Still from When Faith Moves Mountains" (2002). Film 16mm.

Découvrir parmi d'autres une vidéo "caractéristique" de ce style inclassable qui nous renvoie une fois de plus à la question de l'utilité des choses; des caméras de surveillance observant un renard explorant les Tudor and Georgian rooms de la National Portrait Gallery pendant la nuit : http://www.artangel.org.uk//projects/2005/seven_walks/video_the_nightwatch/video_the_nightwatch

Christian Gonzenbach, zoomanie

2011-01-19T20:17:00.010+01:00

Baleine bleue de 25m en suspension dans la halle B, lapin blanc de 5m en véritable fourrure de lapin, enclos pour agneaux vivants inspiré par L’île des morts de la peinture Romantique…
Entre zoo et museum pour animaux taxidermisés ou reconstruits, l’exposition ZOOnomia de la nature humaine de l’artiste contemporain Christian Gonzenbach nous invite à explorer les relations complexes et contradictoires que l’homme s’est construit avec le monde animal. A la fois spectaculaire, tendre et amère, l’exposition ne ménage son public!
Double exposition présentant un zoo et un museum imaginés par Christian Gonzenbach. L’artiste suisse nous invite à explorer avec lui ce monde animal si proche et tellement déconnecté des humains du XXIe siècle. Son travail révèle avec humour et gravité cette fascination que les animaux exercent sur nous, par des vidéos, des sculptures, des moulages, des créations in situ mais aussi des confrontations avec de vrais animaux.
Communiqué de presse sur : http://www.roubaixtourisme.com/tourisme-nord-fr-3-0-1867_agenda-actualites.htm

"ZOONOMIA - DE LA NATURE HUMAINE " du : 21 janvier au 27 mars 2011; à La ConditionPublique, Manufacture culturelle de Roubaix (59).http://www.laconditionpublique.com/

Le site de l'artiste : http://www.gonzenbach.net/ (ne pas manquer de visiter les "projects"; il participe également à l'exposition "REHAB, l’art de re-faire" où il présente ses "peaux"; jusqu'au 20 février 2011 à l'Espace Fondation EDF ,6, rue Récamier à Paris.

"Peau de téléviseur" (2001); 65 x 58 x 3 cm, objet réel aplati. Collection privée Allemagne

Assemblages, constructions, montages

2011-01-17T21:06:00.007+01:00

Anita Molinero, "Sans titre" (2006); poubelles plastique, phares de voiture, structure en métal

Dimensions : 250 x 250 x 250 cm.

La collection du FRAC Limousin comporte une part importante consacrée à la sculpture.
Cette exposition dans les trois salles de l’Espace d’Art Contemporain de La Rochelle est l’occasion de présenter deux ensembles d’oeuvres assez contradictoires.
D’un côté, des oeuvres construites qui spéculent sur le langage, la répétition, l’éphémère.
De l’autre, des collages et des assemblages de matières hétéroclites, qui tentent des
synthèses inédites, parfois incongrues, souvent subjectives.
Ces deux options reprennent le double héritage de la sculpture moderne :
- d’une part le constructivisme et ses avatars les plus récents, minimalisme, etc.,
- d’autre part le dadaïsme, le surréalisme et l’art combinatoire qui souhaitent intégrer et mélanger des fragments de réalité.
Au centre, un espace de dialogue s’instaure sous les auspices de l’image en mouvement.
Un programme de films de sculpteurs est diffusé.

Suite de la présentation dans le communiqué de presse : http://www.fraclimousin.fr/images/stories/expo/en_region/2011/LaRochelle/presseLaRochelle.pdf

Avec la participation de : Scoli Acosta, Denise Aubertin, Elisabeth Ballet, Thomas Bayrle, Madeleine Berkhemer, Laurent Chambert, Miguel Egana, Michel François, Giuseppe Gabellone, Lothar Hempel, Michael Kienzer, Anita Molinero, Richard Monnier, Alain Séchas, Jessica Stockholder et Franz West.
Exposition "Assemblages, constructions, montages", oeuvres de la collection du FRAC Limousin. Du 15 janvier au 26 mars 2011, à l'Espace art contemporain, 28 rue Gargoulleau à La Rochelle.

Sites en Ligne 2011, appel à projets

2011-01-14T13:48:00.004+01:00

Aurore Vandember (B) (installation; 2009)

L'A.S.B.L Sites en Ligne présente la 7ème édition de son symposium d'intégration en milieu naturel (sculpture et installation) qui se déroulera du 22 au 28 août 2011 à Silly (B). Il est ouvert à tous et décerne trois prix doté de 1250 euros chacun. Les dossiers de candidature doivent être remis au plus tard le 31 mai 2011. Sélections : un jury interne à l'organisation sélectionnera 30 des meilleurs projets. Pour ce faire, veuillez envoyer un dossier complet téléchargeable sur notre site : http://www.sitesenligne.be/. Ce dossier devra être envoyé avant le 31 mai 2011, le cachet de la poste faisant foi, à : L'A.S.B.L. Sites en Ligne, 34 rue des fabriques à 1000 Bruxelles, Belgique.

Nous vous avons déjà parlé de cette manifestation : http://acasculpture.blogspot.com/2009/08/sites-en-ligne-2009-derniere-edition.html

Découvrir les photos de l'édition 2009 : http://picasaweb.google.com/acasculpture/SitesEnLigne2009#

Nicolas Rubinstein, histoire d'os

2011-01-07T22:40:00.005+01:00

Investir un lieu, en interroger sa mémoire, plus ou moins vive… Interroger un mythe : celui du cimetière des éléphants... Le retranscrire avec ses propres mythes et références… Une pointe d’humour, histoire de brouiller les pistes … « X, Vous êtes ici »

Dans l’espace de la cour du lieu unique,
Nicolas Rubinstein propose une installation à sa dimension sur 1200 m2 ! Géologue devenu sculpteur, Nicolas Rubinstein lit dans les entrailles. Il interroge l'histoire des hommes et du vivant à travers des réalisations qui questionnent l’ingéniosité du squelette.

L'exposition '' X Vous êtes ici '' de Nicolas Rubinstein se tient jusqu'au 6 février 2011 au Lieu Unique de Nantes (Quai Ferdinand Favre). Photos JFD.

Présentation de l'exposition sur le site du Lieu Unique; voir le lien dossier de presse (extraits) à télécharger : http://www.lelieuunique.com/arts_plastiques/nicolas_rubinstein/exposition_nicolas_rubinstein_au_lieu_unique.html

Le site de l'artiste (avec des petits Mickey) : http://www.nicolas-rubinstein.com/

"Mickey is also a rat" (2006). Bronze, 48 x 39 x 24 cm. Photographie Jean Bernard.

Blanches sculptures...

2010-12-28T08:34:00.005+01:00

Voici quelques photos d'ambiance pour changer des traditionnelles sculptures de glace. Le Beltsville Agricultural Research Center in the Electron Microscopy Unit, situé dans le Maryland (USA) étudie la glace et la neige au microscope électronique (Low Temperature Scanning Electron Microscope : LT-SM); ce qui donne ces images surprenantes. Le but n'étant évidemment pas de vous offrir de beaux chromos de Noël, mais de réunir des informations capitales pour comprendre la structure des cristaux de glace dans la neige; cela présente des débouchés évidents dans de multiples secteurs de notre vie quotidienne concernés par ce phénomène météo, dont l'agriculture qui fait l'objet d'études particulières de ce centre de recherche. Voir toutes les images sur la page du BARC (Beltsville Agricultural Research Center) hébergée sur le site du United States Department of Agriculture : http://emu.arsusda.gov/snowsite/default.html

Et pour être sur que vous avez compris...

Shinichi Maruyama, sculpteur d'eau

2010-12-24T07:40:00.005+01:00

Shinichi Maruyama capture l'éphémère avec la technique du slow motion en manipulant de l'eau et de l'encre.

Le site de l'artiste pour découvrir les documents dans leur meilleure qualité :

http://shinichimaruyama.com/

Pierre Caille, c'est pas triste

2010-12-22T22:28:00.005+01:00

" Bijou de Maryse" ; or

Dans le cadre du 100e anniversaire de la naissance de l’artiste Pierre Caille (1911-1996), le Centre de la Tapisserie organise, en collaboration avec la Maison de la Culture de Tournai, une exposition intitulée :
Pierre Caille « tout est triste, vive la joie ! »
Broderies, tapisseries, papiers estampés, projets de tissus imprimés, bijoux et sculptures en or et en argent … seront présentés au Musée de la Tapisserie et évoqueront la diversité des disciplines artistiques abordées avec autant de bonheur par l’artiste.
Le plaisir est toujours au coeur de la création de Pierre Caille et l’artiste invite le spectateur à le suivre dans son imaginaire déconcertant : figures grouillantes, gesticulantes, tantôt humaines ou animales, tantôt hybrides ou en pleine métamorphose.
Les broderies réalisées par Maryse, son épouse, sur des dessins de Pierre, mettent en scène un monde particulier teinté d’ironie et d’humour, sorte de théâtre burlesque où le merveilleux côtoie parfois l’inquiétant dans un colorisme contrasté, vif et chaleureux.
Les bijoux d’une géométrie rigoureuse ou d’un baroque appuyé et les tapisseries participent à cette même graphie.
Ce langage de formes correspond à l’écriture personnelle de Pierre Caille et donne à son œuvre toute sa cohérence et son homogénéité.
Inspiré par l’art africain et les cultures primitives antiques, l’univers de Pierre Caille n’appartient qu’à lui. Il nous interpelle par sa verve créatrice, son ton facétieux et un répertoire insolite, à la fois étranger et familier.

Infos pratiques : vernissage le vendredi 14 janvier 2011 à 19h30. Exposition du 15 janvier au 13 mars 2011, Musée de la Tapisserie, 9 place Reine Astrid à Tournai (B). http://www.centre-tapisserie.org/FR/chapitre01.htm

Le site de l'artiste : http://www.pierrecaille.be/

Voir en parallèle, l'exposition consacrée principalement aux oeuvres sur papier à la Maison de la Culture de Tournai : http://www.maisonculturetournai.com/fr/details/index.aspx?id=166&CAT=40 .

"Personnage à double tête". Céramique; 41 x 53 cm.

Voir aussi l'exposition de la "Group 2 Gallery" , sculptures en céramique et en bois, tableaux et dessins; 8 rue Blanche & 119 avenue Louise à 1000 Bruxelles .

Oscar Niemeyer en forme

2010-12-21T06:05:00.004+01:00

Oscar Niemeyer dans son bureau de Rio de Janeiro (2007). Crédit photo : REUTERS/Bruno Domingo

L'architecte brésilien Oscar Niemeyer a fêté ce mercredi 15 décembre ses 103 ans avec un cadeau de taille: une fondation à son nom à Niteroi, ville située de l'autre côté de la baie de Rio. Le bâtiment, en forme d'escargot et d'une surface de 1 600 m2, a été conçu par Niemeyer lui-même. Toute son oeuvre y sera exposée, sculptures, projets et maquettes réalisés au cours de ses 70 ans de carrière. Par ailleurs, la première partie du futur Centre culturel international Oscar Niemeyer a été inaugurée mercredi à Aviles, dans le nord de l'Espagne.

Extrait de l'article : http://www.lexpress.fr/culture/art/art/architecture/l-architecte-oscar-niemeyer-fete-ses-103-ans_945908.html ; voir aussi une longue interview du maître (2007) : http://www.lexpress.fr/culture/art/art/architecture/je-cherche-toujours-a-inventer_474441.html

...Je cherche toujours à créer la surprise, à inventer quelque chose d'inédit, si possible avec une pointe de fantaisie, qui suscite l'étonnement, voire l'émerveillement. J'aime réduire les appuis pour libérer l'espace au sol. Ainsi, l'architecture apparaît plus audacieuse, plus libre, plus généreuse...

...Je ne m'exprime jamais sur le travail des autres. Je n'aime pas distribuer des bons points ni établir des classements. Il faut respecter la liberté de chacun et se garder des jugements qui nuisent à la création pure. Si j'ai un conseil à donner aux architectes débutants, c'est d'accomplir ce qui les inspire personnellement et non pas de faire ce que les autres attendent d'eux. Les préjugés et la crainte du qu'en-dira-t-on sont les pires adversaires du créateur, qu'il soit architecte, écrivain ou peintre...

Le site du Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer; vous pourrez y faire une visite virtuelle de certaines créations (un peu laborieux à prendre en main; il faut installer le logiciel java) : http://www.niemeyercenter.org/

Nous vous avons déjà parlé de Oscar Niemeyer, notamment à propos d'un projet controversé à Brasilia : http://acasculpture.blogspot.com/2009/02/oscar-niemeyer-le-sculpteur-de-brasilia.html

Mauro Perucchetti, jelly sculpture

2010-12-17T21:36:00.005+01:00

Le sculpteur italien Mauro Perucchetti pose à côté de sa sculpture "The Jelly Baby Family" après son installation à Marble Arch dans le centre de Londres. La sculpture pèse 3,2 tonnes, mesure environ 3 mètres de haut et est réalisée en résine(sans plus de précisions; uréthanne?); elle fait partie du Westminster Council's City of Sculpture Festival qui comprend des installations données par d'importantes galeries. (jusqu'à fin avril 2011)(AP Photo/Kirsty Wigglesworth).

Article de BBC News : http://www.bbc.co.uk/news/uk-england-london-11549879

Le site de l'artiste : http://www.mauroperucchetti.com/

"Pow" (2010). Résine uréthanne pigmentée, laiton chromé et socle de granit. 47 x 35 x 70 cm.

les installations de Dan Flavin et Bill Viola ne sont pas de l'art...

2010-12-17T14:44:00.004+01:00

...suivant un avis rendu par la commission européenne. Ce qui permet de les taxer à 20 % au lieu de 5%. Les oeuvres sont le résultat obtenu, à savoir l'effet lumineux, mais pas le matériel qui a servi à l'obtenir... Ainsi les installations de tubes néons de Dan Flavin sont considérées comme de simples "éléments muraux lumineux".

Article original sur "The Art Newspaper" : http://www.theartnewspaper.com/articles/Flavin+and+Viola+light+works+ruled+%E2%80%9Cnot+art%E2%80%9D/22069

Le site "officiel" de Bill Viola : http://www.billviola.com/

Le Dan Flavin Art Institute : http://www.diaart.org/sites/main/danflavinartinstitute

Kapoor, toujours

2010-12-17T13:25:00.005+01:00

Sky Mirror, un disque de 10 mètres de diamètre, une des quatre sculptures de Anish Kapoor placées dans les Kensington Gardens pour six mois. Photographe : Peter Macdiarmid/Getty Images.
D'autres images sur le site : http://www.guardian.co.uk/artanddesign/gallery/2010/sep/27/anish-kapoor-kensington-gardens-sculpture

Un article à propos de sa première exposition en Inde, son pays natal à la National Gallery of Modern Art de New Delhi : http://inde.aujourdhuilemonde.com/anish-kapoor-s%E2%80%99expose-pour-la-premiere-fois-en-inde

La page wikipedia à propos du Tees Valley Giants project , un ensemble de cinq sculptures monumentales réalisées en collaboration avec l'ingénieur designer Cecil Balmond : http://en.wikipedia.org/wiki/Tees_Valley_Giants ; voir aussi le dossier : http://teesvalleyunlimited-investment.co.uk/cms/thesite/public/uploads/downloads_file/1221653065_861.pdf

Vue latérale de Temenos. Photographe: Christopher Thomond/Guardian

Pour la défense de la sculpture

2010-12-14T21:12:00.002+01:00

Une pétition en ligne a été lancée pour protester contre la suppression du département sculpture de l'University of Wales Institute, Cardiff (UWIC). Elle fait suite à l'annonce de l'arrêt du programme par la mise en place d'un plafonnement des inscriptions d'étudiants de premier cycle lors de l'entrée.

As we now know the management of UWIC/Cardiff school of art and design have seen fit to close down the Sculpture department. This move has been met with great resistance from the wider Cardiff art scene and students past and present, as it should, but we need to know formalize a response that will show are outrage at this decision, as Sam Hasler has already said
"It is my strong belief that Sculpture as a discipline and mode of thought underpins the most radical and progressive art that takes exists today bringing important contribution to the visual language of painting, print, photography, Performance, Writing... It is my strong belief that a vibrant and diverse creative environment is a pre-requisite for any visual art education program. All artists and creative people thrive in an environment of wide discourse and critical relationships with artists who work both in very similar and very different ways to themselves. Further more, it is my strong belief that a capital city with increasing arts activity has been built on the foundations of a supportive and exciting art college. Each year more and more graduates, a great many from the Sculpture and recently closed MAP/Timebased fine art departments, have gone on to contribute to Cardiff and South Wales, generating arts activity of an international standard in Wales and right across the globe. Arts activity is something that many individuals and organizations have spent years trying to nurture and develop. This activity and growth that threatens to bloom into an exciting and fertile environment is its self now threatened. All regional arts activity is dependent upon trust and support from institutions and educational establishments. The closure of the sculpture department of the Fine Art course alongside the recent closure of the MAP/Timebased department shows a regressive attitude toward contemporary art, it shows a lack of belief in diverse and imaginative arts education, and it shows grave lack of responsibility towards its role in a growing creative hub in the city. For the reasons above I write in protest and request that this decision is reversed immediately."
If you agree with this statement and want to show your support for
what in past years has been an exemplar fine art course, then please sign this petition. We need to show are concern in this matter, if we can unite now then we will be heard!
Le site de la pétition : http://www.ipetitions.com/petition/savesculpture/
Le site de la Cardiff school of art and design : http://csad.uwic.ac.uk/csad/news_03_12_10_01.htm ; et sur le même site, une note visant à minimiser l'impact de cette suppression : http://www.csad.uwic.ac.uk/csad/news_06_12_10_01.htm

Varini, point de vue

2010-12-13T14:51:00.006+01:00

" Ellipse dans le trapèze rouge" (2008) ; Versailles.

A l'occasion de son 30e anniversaire, le Centre Culturel Coréen invite deux artistes de réputation internationale - Felice Varini, artiste franco-suisse et Seung-Hye Hong, artiste coréenne - à investir le lieu en créant chacun une oeuvre in situ. Travaillant dans la même lignée de l'abstraction géométrique, Felice Varini et Seung-Hye Hong élaborent des environnements spécifiques et points de vue à partir desquels nous sommes conviés à une redécouverte et une relecture originale de l'espace architectural du centre culturel, et plus avant, du monde qui nous entoure. L'exposition est intitulée "Point-virgule" : un signe typographique servant à mettre en parallèle des propositions indépendantes dans une phrase.

Extrait de la présentation de l'exposition sur le site du Centre Culturel Coréen : http://www.coree-culture.org/index.php
"Point-virgule", du 22 octobre au 18 décembre 2010; 2 avenue d’Iéna à Paris.

Le site de l'artiste, très complet : http://www.varini.org/

L'espace architectural, et tout ce qui le constitue, est mon terrain d'action. Ces espaces sont et demeurent les supports premiers de ma peinture. J'interviens
in situ dans un lieu chaque fois différent et mon travail évolue en relation aux
espaces que je suis amené à rencontrer.
En général je parcours le lieu en relevant son architecture, ses matériaux, son histoire et sa fonction. A partir de ses différentes données spatiales et en référence à la dernière pièce que j'ai réalisée, je défini un point de vue autour duquel mon intervention prend forme.
J'appelle point de vue un point de l'espace que je choisi avec précision : il est généralement situé à hauteur de mes yeux et localisé de préférence sur un passage obligé, par exemple une ouverture entre une pièce et une autre, un palier... Je n'en fais cependant pas une règle car tous les espaces n'ont pas systématiquement un parcours évident. Le choix est souvent arbitraire.
Le point de vue va fonctionner comme un point de lecture, c'est à dire comme un point de départ possible à l'approche de la peinture et de l'espace. La forme peinte est cohérente quand le spectateur se trouve au point de vue. Lorsque celui-ci sort du point de vue, le travail rencontre l'espace qui engendre une infinité de points de vue sur la forme. Ce n'est donc pas à travers ce point de vue premier que je vois le travail effectué ; celui-ci se tient dans l'ensemble des points de vues que le spectateur peut avoir sur lui.
Si j'établis un rapport particulier avec des caractéristiques architecturales qui influent sur la forme de l'installation mon travail garde toutefois son indépendance quelles que soient les architectures que je rencontre.
Je pars d'une situation réelle pour construire ma peinture. Cette réalité n'est jamais altérée, effacée ou modifiée, elle m'intéresse et elle m'attire dans toute sa complexité. Ma pratique est de travailler "ici et maintenant".

Felice Varini

Antti Pedrozo "transformer" de glace

2010-12-13T12:46:00.006+01:00

Et pour respecter la tradition, la sculpture de glace "de l'année" par Antti Pedrozo et Michel de Kok : "Optimus Prime", personnage inspiré des célèbres Transformers. Une belle performance technique de près de 9 mètres de haut!

Le site d'un des artistes : http://attiartist.blogspot.com/2010/11/optimus-prime-transformer-ice.html

D'autres réalisations du Nederlands IJssculpturenfestival : http://www.sculpture-events.com/

Eric Adjetey Anang, sculpteur de "récepteurs de proverbes"

2010-12-13T12:08:00.007+01:00

Pour un chef!

Reprenant en 2005 l'atelier de son grand père, Eric Adjetey Anang est devenu un des sculpteurs ghanéens les plus connus avec ses créations de cercueils personnalisés.

Le site de l'artiste : http://ghanacoffin.com/

Pour un menuisier...

Pour tout savoir sur les "récepteurs de proverbes ", voir l'article "Abebuu adekai chez les Ga du Ghana. Un regard anthropologique sur l’image" par Roberta Bonetti : http://actesbranly.revues.org/227

Bleu d'Arne Quinze

2010-12-13T10:32:00.003+01:00

"Blue", la nouvelle création du sculpteur- designer Arne Quinze dans un hôtel de Bruxelles.

D'autres photos sur le site de l'hôtel : http://www.aqua-hotel-brussels.com/

Le site de l'artiste : http://www.arnequinze.tv/2010/intro.html ; et en bonus, les aventures de Arne Quinze à Shanghai : http://www.arnequinze.asia/

Mario Ceroli, vaguement arte povera

2010-12-07T22:34:00.004+01:00

Mario Ceroli, "La vague" - DR

Certains voient en Mario Ceroli l’un des précurseurs de l’arte povera («art pauvre»). D’autres (en majorité) précisent que l’artiste n’a jamais fait partie de ce mouvement. Pour preuve, il n’a pas participé à la première exposition, en 1967 à la galerie la Bertesca de Gênes, qui regroupait treize jeunes artistes, exposition fondatrice de l'arte povera, selon le nom donné par le critique Germano Celant. D’ailleurs, Ceroli ne figurait pas non plus à «Arte povera 2» qui, à la galerie Di Méo, rassemblait en novembre des pièces des principaux protagonistes, Giovanni Anselmo, Alighiero e Boetti, Mario Merz...

Présentation de l'artiste dans un article "Mario Ceroli ne laisse pas de bois" du journal Libération : http://next.liberation.fr/culture/01012306544-mario-ceroli-ne-laisse-pas-de-bois

Le site de l'artiste : http://www.ceroli.com/

"Ritratto di un mio Amico Greco"(1982); 60x120x60 cm.

Bois. Collection privée.

Sylvain Dubuisson et Vincent Barré : complices d'espace

2010-12-06T21:25:00.010+01:00

"Diogène", Sylvain Dubuisson (2009?) ; 5 mètres de diamètre ; voir détails : http://www.egodesign.ca/fr/article.php?article_id=542

"Le musée des Beaux-Arts propose la première exposition réunissant l’architecte et designer Sylvain Dubuisson et le sculpteur formé à l’architecture Vincent Barré. Véritable immersion des deux artistes au sein du musée et de ses collections, l’exposition invite le visiteur à arpenter les salles à la découverte des réalisations personnelles ou communes d’architecture, de sculpture, d’objets, de dessins, de photographies et de films, qui sont autant d’expressions d’inventivité mises en espace et en scène. Lampes, bureaux, assiettes, bougeoirs, théière, plats, verres, cuillères, bague, lit, horloge, miroir, tous ces objets du quotidien sont revisités, bousculés, avec des couleurs et des matières innovantes, et des résonances poétiques accentuées."

Extrait de la présentation de l'exposition sur l'invitation.

Voir aussi le site du Musée des Beaux-Arts de Rouen : http://www.rouen-musees.com/Actualites-Vincent-Barre-et-Sylvain-Dubuisson-113.htm

Lien vers une présentation (un peu) plus détaillée : http://www.framemuseums.org/servlet/com.univ.collaboratif.utils.LectureFichiergw?ID_FICHIER=1158670434861

Voir le petit article : http://www.paris-normandie.fr/actu/art-contemporain-aux-beaux-arts

Exposition du 10 décembre 2010 au 6 mars 2011 (Esplanade Marcel-Duchamp, 76000 Rouen).

Vincent Barré installant ses créations à l'issue d'une résidence à l'ENSA de Limoges-Aubusson (2005).

"Deux anneaux "(2007) ; Vincent Barré, sculpture de Soisey, La Perrière, Orne.
1,80 x1,20 x 1m . Fonte de fer. ®Aline et Olivier Legrand

Ryuji Nakamura, architectures de papier II

2010-12-04T22:16:00.009+01:00

"Cornfield" (2010); installation pour l'exposition "where is architecture? seven installations by japaneses architects" ; papier et colle; 53,90 m2. Photos : Ryuji Nakamura

Le travail du papier, sans doute une des grandes spécialités japonaises. Voici le travail de l'architecte japonais Ryuji Nakamura installé au Musée National d'Art Moderne de Tokyo. (http://www.momat.go.jp/)

Découvrir le site de l'artiste : http://www.ryujinakamura.com/index.html

Nous vous avions déjà parlé de son travail : http://acasculpture.blogspot.com/2009/11/ryuji-nakamura-lessence-du-papier.html

Le musée Chillida - Leku : la crise passe, la culture trépasse

2010-12-01T16:51:00.013+01:00

Une des salles du Musée Chillida-Leku, au Caserio Zabalaga. Source: EFE.

"Le musée Chillida Leku, le musée de rêve du sculpteur basque Eduardo Chillida (décédé en 2002), est en proie à de grosses difficultés financières à tel point que le musée a demandé mercredi l'activation d'un plan social et annoncé la fermeture du musée à partir du 1er janvier 2011. Malgré l'annonce d'un plan social et de la fermeture, le musée se dit toujours ouvert "à un accord qui respecte les conditions" qu'il estime indispensables "pour assurer l'avenir du musée tel comme l'avaient défini ses créateurs," le sculpteur Eduardo Chillida et sa compagne Pilar Belzunce."

Introduction de l'article "À Chillida Leku, un rêve s'évapore" sur le site eitb.com : http://www.eitb.com/infos/culture/detail/555196/a-chillida-leku-reve-sevapore/
Information confirmée sur le site du musée "01/12/10 CHILLIDA LEKU ANUNCIA SU CIERRE": http://www.museochillidaleku.com/Detalle-Noticia-General.207+M53f2b5e4b27.0.html

"Cette décision a été motivée par la situation récurrente de déficit dans laquelle se trouve le musée, de même que la quasi-totalité des musées artistiques, et qui a été amplifié par la crise économique générale, élevant les chiffres déficitaires à des niveaux insoutenables du point de vue d'une initiative privée", a ajouté l'institution.
Même s'il ferme ses portes au public, le musée maintiendra ses activités de conservation des oeuvres de Chillida, dont la plus connue est "Le peigne du vent". L'institution continuera également à contribuer à des expositions nationales et internationales. Extraits du communiqué AFP : http://www.france24.com/fr/20101201-espagne-crise-economique-oblige-le-musee-chillida-a-fermer-portes
Nous avons déjà parlé de Chillida :
http://acasculpture.blogspot.com/2010/07/eduardo-chillida-sculpture-lhorizon.html
http://acasculpture.blogspot.com/2007/12/sculpture-de-vents-eduardo-chillida.html

Découvrir un récent "coup de coeur" à propos de l'artiste sur le site "Wings of Flo" : http://wingsofflo.blogspot.com/2010/11/eduardo-chillida-puissance-et-fragilite.html

Le projet posthume de Chillida (cette image est une simulation; une ambiance digne des utopies d'Étienne-Louis Boullée) : le Monument à la Tolérance de la montagne de Tindaya (Canaries); un tunnel de 80 mètres s'ouvrant sur une cavité cubique de 50 mètres d'arête! On rejoint ici James Turell et son "Roden Crater" (http://www.flickr.com/groups/rodencrater/)...
Les études de faisabilité ont débuté...

Voir par exemple sur ce sujet :
http://www.elpais.com/articulo/cultura/proyecto/Chillida/Tindaya/empezara/hacerse/realidad/2009/elpepicul/20080131elpepicul_2/Tes
http://www.Escultura-Fuerteventura.html ,
http://www.museochillidaleku.com/ ,
http://carbularte.blogspot.com/2008/02/el-sueo-de-chillida-sigue-intacto-en.html

Ai Weiwei, "Sunflower seeds" : la vidéo

2010-11-30T22:48:00.002+01:00

Nous vous avions parlé de cette installation à la Tate Modern (http://acasculpture.blogspot.com/2010/10/ai-weiwei-graine-de-contestation.html) ; en voici quelques clés...

Katsumi Hayakawa, architectures de papier

2010-11-28T21:59:00.009+01:00

Wireframe Modeling 2010Paper2010

Katsumi Hayakawa, ce sont d'impressionnantes compositions en papier découpé, plié et assemblé. Le site de l'artiste, d'où sont issues les photos : http://katsumihayakawa.com/

Un autre très beau travail de papier : http://www.jillsylvia.com/

Chris Burden, "Metropolis II" in progress

2010-11-26T10:49:00.004+01:00

Le sculpteur californien Chris Burden développe depuis plusieurs mois une sculpture constituée d'un gigantesque circuit d'autos miniatures (1200) évoquant la complexité du traffic de Los Angeles. Cette oeuvre sera installée au Los Angeles County Museum of Art (http://www.lacma.org/).

Nous vous avons déjà parlé de ce sculpteur:
http://acasculpture.blogspot.com/2008/06/sculpture-allume.html

Découvrir d'autres vidéos de son travail : http://www.ubu.com/film/burden.html

A voir également un article "The agony of the body artist", accompagné de documents : http://blogs.suntimes.com/ebert/2009/10/the_agony_of_the_body_artist.html

Lire l'article de la libre, pour faire connaissance avec le "Beam Drop" : http://www.lalibre.be/culture/arts-visuels/article/509979/les-poutres-de-burden.html

Julio Villani, L'Arpenteur

2010-11-22T14:50:00.006+01:00

"Bilboquets ou L’origine du monde" (2002); bois tourné, corde en sisal,

Du 22 octobre au 30 janvier 2011, les sculptures, vidéos, « almost ready-mades » et collages de Julio Villani investissent le musée Zadkine - de l’atelier au jardin jusqu’au corps de la collection - en un parcours ludique et plein d’humour.
L’artiste - dont le travail doit autant au glaneur qu’à l’ange, à la trouvaille qu’à la poésie - est né au Brésil en 1956. Installé à Paris en 1982, il fait depuis continuellement la navette entre les deux rives de l’Atlantique. Or pour cet héritier de l’Oulipo, les mots comme les objets sont faits pour qu’on en joue : navette est aussi le nom de l’outil conduisant le fil dans le métier à tisser. De ses va-et-vient naît la trame. Il nous la montre à l’oeuvre ; un fil conducteur perce ici et là, liant les pièces de l’exposition : des épaisses cordes en sisal des Bilboquets à la ficelle qui retient la maison de Domicile fixe, du fil de fer-colonne vertébrale de la Vénus anthropophage aux délicats fils de la broderie Autoportrait avec Équateur, c’est la ligne de la pensée de l’artiste qu’il nous est donné de suivre.

Présentation de l'exposition sur la page du Musée Zadkine : http://www.paris.fr/portail/loisirs/Portal.lut?page_id=6471&document_type_id=2&document_id=88063&portlet_id=14641
Voir aussi cet article qui a le mérite de présenter l'exposition de manière plus détaillée : http://news.suite101.fr/article.cfm/exposition-julio-villani--larpenteur-au-musee-zadkine-a-paris-a21026

Musée Zadkine : 100 bis rue d’Assas à Paris.
"Júlio Villani est un plasticien né à Marilia au Brésil en 1956; il vit à Paris depuis 1982."
Suite de cette présentation : http://fr.wikipedia.org/wiki/JÃºlio_Villani

Le site de l'artiste (ne fonctionne pas avec toutes les configurations) : http://www.juliovillani.com/

Venet in context

2010-11-21T19:52:00.003+01:00

Installation d'une sculpture de Bernar Venet à l'extérieur des Abattoirs. AFP.

Si de Bernar Venet l'on sait qu'il a réuni au fil des années un formidable ensemble d'œuvres d'artistes majeurs, l'on avait encore jamais eu l'opportunité d'une confrontation entre ses propres œuvres et les pièces de ses contemporains, souvent amis, qui composent sa collection privée.
Découvrir Bernar Venet à la fois artiste et collectionneur, c'est l'idée originale d'Alain Mousseigne, directeur des Abattoirs, qui invite le public à plonger dans "Le monde de Bernar Venet". Plusieurs œuvres importantes, représentatives de la carrière de l'artiste ponctueront le parcours d'une exposition qui entraîne le visiteur au coeur des mouvements artistiques de la seconde moitié du XXème siècle : Nouveau Réalisme, Arte Povera, Minimalisme ou encore Art conceptuel .
Elles seront pour la première fois mises en regard de pièces magistrales d'une cinquantaine de personnalités artistiques que Bernar Venet a côtoyé tant à Nice, qu'à Paris ou à New York, tels Duchamp, Arman, Cesar, Kounelis, Merz, Flavin, Kelly, Sol Lewitt, Morris, Noland, Judd, Serra, Stella, Tinguely, Weiner, West...
Le propos de l'exposition illustrera alors tant la cohérence des choix du collectionneur et la subtile complicité qui le lie à ses amis, que le terreau qui nourrit sa propre création : Venet in context.
Présentation de l'exposition sur le site des Abattoirs; lire la suite : http://www.lesabattoirs.org/expositions/2010/venet.htm

Exposition jusqu'au 13 mars 2011 : "les Abattoirs", 76 allées Charles-de-Fitte à Toulouse.

Nous vous avons déjà parlé de Bernar Venet :

http://acasculpture.blogspot.com/2010/05/venet-sarkosy-nice-sculpture.html

http://acasculpture.blogspot.com/2010/05/bernar-venet-nice-sculpture.html

Les outils de Mars et Vénus restaurés par Berlusconi

2010-11-19T22:59:00.004+01:00

Les statues de Mars et Vénus (IIe siècle après JC),

avant et après restauration. Reuters/Stringer/Italy

Nous n'avons pas coutume de nous intéresser à la sculpture antique; voici l'oubli réparé! Un article du journal le monde "Silvio Berlusconi restitue son pénis à Mars et ses mains à Vénus" appelle, non sans un certain humour, quelques réflexion autour des notions de conservation et de restauration ...
(voici quelques extraits de l'article : http://www.lemonde.fr/europe/article/2010/11/19/silvio-berlusconi-restitue-son-penis-a-mars-et-ses-mains-a-venus_1442483_3214.html)

... Révélée jeudi 18 novembre par Carlo-Alberto Bucci, journaliste du quotidien de gauche La Repubblica, l'affaire fait grand bruit. Outre la somme dépensée qui aurait pu être utilisée pour sauver un pan de mur à Pompeï ou une fresque à L'Aquila, M. Berlusconi et son architecte se voient reprocher d'avoir voulu confondre le vrai du marbre et le faux de la résine, gommant le hiatus entre les éléments originaux les parties reconstituées. Le ministère de la culture et son titulaire Sandro Bondi sont également sous accusation pour avoir autorisé cette radicale remise à neuf.
..." Encore une fois, a regretté la députée du Parti démocrate (gauche) Manuella Ghizzoni, nous sommes en présence d'une institution qui se plie aux caprices et aux manies du premier ministre imposées cette fois à deux vestiges de l'Antiquité qui, contrairement à d'autres, ne se sont jamais lamentés du passage du temps." En réponse, le ministre a fait savoir que ces "retouches" ne contrevenaient pas à l'article 7 de la charte de l'Unesco de 1972 adoptée par l'Italie en matière de restauration et qu'elles étaient "innovantes". Ces prothèses devraient normalement être ôtées lorsque les statues retrouveront leur domicile habituel du musée romain des thermes de Dioclétien.
"C'est une question idéologique, souligne l'expert et marchand d'art italien Peter Glidewell. Le Bernin lui même a 'arrangé' quelques antiquités. Viollet-le-Duc qui passe aujourd'hui pour un sagouin était considéré comme un génie à son époque. L'art n'est pas une science, mais un point de vue. Le seul critère de jugement est celui du bon goût."