Giuseppe Penone, le bois et le charbon

"Matrice de sève" ; bois, terre, cuir, résine végétale; 23 mètres de long (x2). Présentée ici à l'École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris en 2009, et visible au MAC's. Images empruntées au site http://archeologue.over-blog.com/article-34471439.html

Intitulée poétiquement "Des veines, au ciel, ouvertes" , en référence à l’anatomie des arbres écorchés par Giuseppe Penone comme à la géologie des anciennes mines de charbon du Grand-Hornu, cette exposition monographique imaginée par Laurent Busine en collaboration étroite avec le sculpteur italien est, après Creuser la mémoire de la boue (Palais des Beaux-Arts de Charleroi, 1986), la seconde opportunité de découvrir en Belgique un ensemble conséquent et cohérent d’œuvres de cet artiste qui débuta sa carrière internationale à la fin des années 1960 au sein du mouvement Arte Povera.

Bien que présentant plusieurs œuvres historiques, comme Il continuera à grandir sauf à cet endroit (1968) ou Développer sa propre peau (1972), l’exposition comprend plusieurs sculptures récentes en bronze dont la surprenante série des Géométrie dans les mains qui développent et agrandissent le principe, expérimenté dès 1979 avec les Tessons, de formes moulées par le vide des mains.

Extraits de la présentation de l'exposition sur le site du MAC's (Musée des Arts Contemporains, implanté sur l’ancien charbonnage du Grand-Hornu dans la région de Mons Borinage ) : http://www.mac-s.be/

Voir les articles de la libre"Le grand arbre de Penone" de Guy Duplat : http://www.lalibre.be/culture/arts-visuels/article/620380/le-grand-arbre-de-penone.html et du soir "L'infinie poésie du sculpteur" de Jean-Marie Wynants : http://www.lesoir.be/culture/arts_plastiques/2010-11-03/l-infinie-poesie-du-sculpteur-801547.php

Exposition à voir du 31 octobre 2010 au 13 février 2011.

Site du Grand-Hornu, rue Sainte-Louise, 82 B à 7301 Hornu (Belgique).

Visite de l'exposition en compagnie de l'artiste le 30 octobre 2010 (auteur?).

Compléments d'information:

http://archeologue.over-blog.com/article-34471439.html

http://archeologue.over-blog.com/article-15203882.html

http://archeologue.over-blog.com/article-36618418.html

http://www.facebook.com/pages/Giuseppe-Penone/44459518600?ref=mf

http://www.exporevue.com/magazine/fr/penone_beaubourg.html

http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-penone/penone.html

http://en.wikipedia.org/wiki/Giuseppe_Penone

...

Nous vous avons déjà parlé de Giuseppe Penone :

http://acasculpture.blogspot.com/2009/06/giuseppe-penone-matrice-de-seve-lensba.html

http://acasculpture.blogspot.com/2009/08/giuseppe-penone-de-son-temps.html

http://acasculpture.blogspot.com/2006/10/nature-humainesites-dartistes-giuseppe.html

...

Lead Pencil, border sign

“Non-Sign”, une installation créée par le studio d'architecture Lead Pencil (Annie Han and Daniel Mihalyo) ; une commande gouvernementale (US) située près de Vancouver, à la frontière du Canada et des Etats-Unis. Découvrir une série de projets spectaculaires sur le site.

“They noticed the way the area is packed with signs—advertising billboards, and then, closer to the border, a proliferation of government signs. Their hope is that their sign, flying by enigmatically (“What was that?”), will add a little bit of awareness to the whole signage landscape in the border zone. Just open up a free space, really. How very American. The empty rectangle frames only a view of sky as you drive by, nothing else.”
Découvert sur le site fubiz : http://www.fubiz.net/2010/11/05/billboard-installation/

Modern British Sculpture

"Single Form", Barbara Hepworth (1961-64), bronze, 6.4 mètres, United Nations Building, New York.

Étape finale de réalisation à la "Morris Singer foundry", avril 1964. Photographie par Morgan-Wells.

La Royal Academy of Art de Londres organisera en 2011 une exposition consacrée à la "Modern British Sculpture".

"En 2011, la Royal Academy of Arts organise pour la première fois depuis 30 ans une exposition qui analyse la sculpture britannique du XXe siècle. Cette exposition présente une vision originale sur le développement de la sculpture britannique, explore ce que nous entendons par les termes "british" et "sculpture" en réunissant les deux concepts dans une évolution chronologique de galeries thématiques , développant chacune son propre argument visuel...
Au travers des œuvres présentées, l'exposition portera sur le dialogue de la sculpture britannique dans un contexte international plus large, mettant en évidence la façon dont les liens de la Grande-Bretagne avec son empire, l'Europe continentale et les États-Unis ont contribué à façonner un art qui à son meilleur niveau est vraiment international de par sa portée et son contenu..."
Extraits (traduction maison) sur base du texte de présentation de l'exposition, à découvrir sur le site de la Royal Academy : http://www.royalacademy.org.uk/exhibitions/modernbritishsculpture/about-the-exhibition/

Parmi les oeuvres clés exposées : Alfred Gilbert Queen Victoria; Phillip King Genghis Khan; Jacob Epstein Adam; Barbara Hepworth Single Form; Leon Underwood Totem to the Artist; Henry Moore Festival Figure; Anthony Caro Early One Morning; Richard Long Chalk Line; Julian Opie W; Damien Hirst Let’s Eat Outdoors Today.

Exposition visible du samedi 22 janvier au jeudi 7 avril 2011.
Pour mieux connaître le travail de Barbara Hepworth, un site qui lui est consacré : http://www.barbarahepworth.org.uk/

Reinhoud, le frère de l'autre (d’Haese)

"Migraine V" (1967-1968), Fait partie de "Migraine", une série de quatorze figures façonnées en feuilles de plomb cuivré ou argenté par galvanoplastie.

MRBAB-KMSKB © MRBAB-KMSKB, Photo d'art Speltdoorn & Fils.

"Voici une exposition en forme d’hommage au sculpteur et graphiste Reinhoud (d’Haese), décédé en 2007. En 1950, le jeune Reinhoud fait la connaissance d’Alechinsky aux Ateliers du Marais. Il rencontre les autres membres de CoBrA avec lesquels il expose dès l’année suivante. Il créera ensuite, pendant presque un demi-siècle, toute une foule d’êtres fabuleux humoristiques et mystérieux, issus des mondes mythiques de CoBrA. L’artiste emploie principalement le cuivre ductile, jaune et rouge, avec du plomb et de l’étain. Ces matériaux souples lui permettent de donner une forme libre à ses créations. L’exposition présente des sculptures monumentales et statuettes ainsi que des oeuvres sur papier, dessins, esquisses préparatoires, projets et documents d’archives."
Présentation de l'exposition sur le site des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique : http://www.fine-arts-museum.be/site/fr/frames/f_expo.html

Exposition du 29 octobre 2010 au 6 février 2011. MRBAB, rue de la Régence 3, 1000 Bruxelles.

Articles de la libre lors du décès du sculpteur : http://www.lalibre.be/culture/arts-visuels/article/357617/mort-du-sculpteur-reinhoud.html ; et le soir : http://archives.lesoir.be/la-mort-du-sculpteur-roel-d-haese-une-oeuvre-grincante-_t-19960520-Z0C3NU.html

Rappelons que Reinhoud (d'Haese) est le frère du sculpteur Roel d'Haese (26-10-1921 / 18-5-1996).

Pour en savoir d'avantage, l'incontournable : "Reinhoud : Catalogue raisonné. Tome 1, Sculptures 1948-1969", par Nicole d'Haese, chez Gallimard (2003). Attention, 6 tomes annoncés. (Tome 2, Sculptures 1970-1981, paru en 2005. Tome 3, Sculptures 1982-1987, paru en 2009. Et à ce jour, le tome 4 à paraître ce mois de novembre 2010).

Henri Gargat, l'empreinte de l'arme

"Henri Gargat, un des plus grands pionniers de l’avant-garde bijoutière, est connu pour ses bijoux cinétiques, ses incroyables bagues, en or, bois et plexiglas, sculptant l’espace de nouveaux volumes. Aujourd’hui, au crépuscule de sa vie, cette exposition offre une nouvelle approche, reliant le fil de son oeuvre à l’épisode tragique de son mitraillage durant la guerre, témoignant de son besoin de se réapproprier le temps et d’expulser le volume d’une arme dont sa main porte inconsciemment l’empreinte."
Présentation de Michèle Heuzé-Joanno, commissaire de l’exposition

Précisons également que six créateurs de bijoux contemporains ont été invités à s'associer à cet hommage en présentant une de leurs créations sous le nom de "une pièce pour Henri" : Virginie Campion, Otto Künzli, Florence Lehmann, Franck Massé, Claude Pelletier et Agathe Saint Girons.

Découvrir sa vie et son oeuvre (et les créations des invités) dans la belle brochure éditée à l'occasion de l'exposition : http://donneravoir.hautetfort.com/media/02/02/1054723459.pdf
Espace Solidor, Place du Château. Haut-de-Cagnes, Cagnes-Sur-Mer. Du 23 octobre 2010 au 13 février 2011
Signalons également un colloque de clôture Les pionniers de l’Avant-Garde, du bijou d’auteur au design le vendredi 11 février 2011.

Un site pour en découvrir plus sur le bijoux contemporain : http://bijoucontemporain.unblog.fr/ ; voir également le très intéressant "Magazine de Notes Précieuses" : http://www.notesprecieuses.com/lemagazine/

Stelarc, spécial Halloween

"The Third Hand" Tokyo, Yokohama and Nagoya (1980)

crédits : photographe Simon Hunter - STELARC

Stelarc, de son vrai nom Stelios Arcadiou est un artiste australien. Il est connu pour ses performances d'Art corporel dans lesquelles il mêle le corps biologique à des composants électroniques ou robotiques suivant le principe que le corps humain est obsolète. (wikipedia)
Le site de l'artiste : http://v2.stelarc.org/

Découvrir la vidéo réalisée à propos de son exposition au Centre des Arts d'Enghien en 2009 http://www.cda95.fr/siteHtml.php?rub=1&year=2009&month=4&doc=205024

Didier Leemans, les lumières de l'ombre

Vertige. 110 x 40 x60 cm. Bois brulé (2005)

"Pourquoi lorsque nous sommes émus par un dessin, il est souvent l'oeuvre d'un sculpteur? Peut-être parce qu'il y a cette étude de l'anatomie qui permet d'analyser, de décomposer, de construire un répertoire de signes qui constituent un vocabulaire archétypique, une sorte de synopsis du corps. Sur la feuille blanche, il y a un homme, presque en déséquilibre, à la limite... de la sculpture et du dessin. Cette limite est encore accentuée par les jeux d'ombres et de lumières qui constituent l'essentiel pour la lecture d'une sculpture! Les ombres si noires deviennent lumineuses et on ne sait plus très bien, qui de l'ombre ou de la lumière, construit la figure. Didier Leemans joue avec son modèle au somnambule. Un jeu où il maîtrise tout son art."

Présentation du sculpteur sur le site de la galerie : http://www.galerieantonionardone.be/

"Les lumières de l'ombre", exposition de Didier Leemans à la Galerie Antonio Nardone du vendredi 29 octobre au samedi 04 décembre 2010 (rue Saint-Bernard, 34-36 à 1000 Bruxelles)
Le site de l'artiste : http://didier-leemans-art.blogspot.com/

SAMEDI 27 NOVEMBRE 2010 à partir 15h

PERFORMANCE DIDIER LEEMANS Assistez à la naissance d’une œuvre ! L’artiste Didier Leemans réalisera une sculpture à la tronçonneuse sous vos yeux à la Galerie Antonio Nardone 34-36 rue Saint-Bernard – 1060 Bruxelles

"Le bois dans sa matérialité modulable me permet diverses possibilités d’écriture, en dessinant avec une tronçonneuse, la trace de l’outil reste comme une vibration sur la matière, tel une scarification du corps. Le torse devient alors une respiration par la mise en évidence du ventre, des côtes et du sternum qui renferment les poumons."

Cyprien Gaillard, l'art d'accomoder les ruines

Cyprien Gaillard, "Dunepark" (2009). Excavation d’un bunker de la seconde guerre mondiale,

Scheveningen, La Haye, Pays-Bas.

En effectuant des recherches à propos de Cyprien Gaillard, récent prix Marcel Duchamp 2010 décerné à la FIAC, dont

"le jury a particulièrement apprécié ses essais cinématographiques aux images fortement construites. La manière dont l'artiste puise dans le passé moderniste ou s'imprègne des travaux des grandes figures du land art pour imaginer des séquences envoûtantes et mystérieuses fait preuve d'une réelle cohérence"

nous avons également mis à jour quelques superbes "ruines" sur le site (très intéressant) "Merci Georges" , blog de recherches de l'atelier média image (salle 106) de l'école des beaux-arts de Toulouse : http://mercigeorges.com/2009/09/

Hôtel Ryugyong en Corée du Nord

François Pompon se retourne dans sa tombe...

Profanation sculpturale (blasphème, dégradation, dépravation, irrespect, outrage, sacrilège, vandalisme, viol, violation... si vous préférez) organisée par la maison Baccarat, avec la complicité de la Réunion des Musées Nationaux .

A l'occasion de l'édition "de trois moulages emblématiques du sculpteur François Pompon (1855-1933), Baccarat sublime en cristal clair L’ours blanc, et en cristal midnight La jeune chouette et Le petit ours brun. Ces trois pièces, cosignées Rmn et Baccarat, sont fabriquées en exclusivité par Baccarat pour la Rmn, et vendues dans leurs deux réseaux de distribution respectifs."http://www.baccarat.fr/fr/actualites/contenu/actualites/Reunion-des-musees-nationaux-et-baccarat.htm

A quand une édition "Haribo"?

Anish Kapoor, le transformateur d'espace

Grand succès à la FIAC de Paris pour Anish Kapoor avec sa sculpture "Slug"(2009) (ici à Londres); et comme dit la dépèche AFP "Avec ses quatre mètres de haut, ses six mètres de long, ses quatre mètres de profondeur, cette oeuvre, réalisée en 2009, semblait vouloir déborder du stand du galeriste Kamel Mennour " (http://www.kamelmennour.fr/, nouveau site en attente).
De passage à cette occasion, le sculpteur a été amené à évoquer son projet pour le Grand Palais qui l'accueille du 13 mai au 20 juin 2010, dans le cadre de "Monumenta"; les informations restent vagues mais prometteuses... Lire la dépêche AFP http://www.google.com/hostednews/afp/article/ALeqM5h4k6O8WpSGFvXNCHx3U8OzqatpeA?docId=CNG.0ed55b9232f666d448b8c832d66f1873.131 dont voici quelques extraits :

"Ce sera une seule oeuvre, une seule couleur, une seule forme", déclare Anish Kapoor... L'artiste botte en touche, en riant, dès qu'on lui pose une question un peu trop précise sur son projet car "c'est important que les gens puissent découvrir l'oeuvre avec une certaine innocence"."Le Grand Palais est un espace incroyable, merveilleux, qui paraît encore plus grand quand on est dedans" ... "Son échelle représente une véritable défi... L'idée générale de l'oeuvre? "Je veux que les visiteurs éprouvent une sorte de choc, esthétique mais aussi physique, que lorsqu'ils entrent dans la Nef, ils s'exclament "Wahoo! Est-ce possible?". "Cela doit susciter l'interrogation du visiteur : comme je suis petit, combien c'est grand",... "Je suis très intéressé par les problèmes d'architecture, de profondeur. Cette oeuvre va transformer l'espace en deux expériences successives, en mélangeant une sorte d'intérieur et une sorte d'extérieur, dans la nef... Le visiteur sera actif, par le mouvement de son corps qui traversera l'oeuvre, et incité à entrer en contemplation voire en méditation. Pour Monumenta, la sculpture sera "totalement monochrome", indique Kapoor qui veut inonder le visiteur avec la couleur. Alors rouge comme beaucoup de ses oeuvres? Il n'en dira rien cette fois-ci mais cela semble probable...

Et si c'était un de ces jeux de miroirs courbes dont le maître a le secret et qui reflète nef et spectateur ???

Rappelons que Anish Kapoor prépare également la tour pour les jeux olympiques de Londres de 2012 : http://acasculpture.blogspot.com/2010/04/anish-kapoor-le-tour-de-mittal.html

Le dur labeur du sculpteur...

La sculpture de Saddam Hussein à Firdos Square, renversée "spontanément" par les irakiens lors de la prise de Baghdad par les américains

(voir : http://en.wikipedia.org/wiki/Firdos_Square_statue_destruction)

Dur d'être sculpteur dans un pays arabe, une profession pas franchement encouragée. Tous les prétextes sont bons -qu'ils soient politiques ou religieux- pour foutre en l'air (ou par terre) le boulot des quelques rescapés...

Découvrir un article très intéressant de Yves Gonzalez-Quijano chercheur à l'Institut français du Proche-Orient, sur son blog Culture et politique arabes http://cpa.hypotheses.org/ : "Statues et idoles : à propos de la sculpture arabe".

Un petit extrait significatif :

...Parmi bien d’autres, Ali Jum’a (علي جمعة : Ali Gomaa), alors Grand Mufti de la République égyptienne, s’est ainsi fendu d’une fatwa, en 2006, promettant l’enfer à ceux qui se livrent à cette pratique esthétique (article en anglais). Résultat, deux ans plus tard il ne’ se trouvait plus qu’un seul étudiant à s’inscrire dans cette spécialité à la faculté des Beaux-Arts du Caire ! Même si ce n’est pas la seule raison de cette désaffection pour la sculpture, le Grand Mufti aurait mieux fait de relire ses classiques, rappelle l’auteur de cet article dans Al-Akhbar (en arabe), et de s’inspirer des propos de Muhammad Abduh qui estimait, lui, que la loi divine interdisait les statues quand les hommes en faisaient des objets d’adoration, et que c’était donc cette forme de dévotion qui était condamnée et non pas la statuaire elle-même...

Nous avions cependant récemment découvert un symposium de sculpture (discret) à Assouan : http://acasculpture.blogspot.com/2010/04/le-monde-en-symposium-assouan.html

Noam Braslavsky, sculpture thérapeutique

Ariel Sharon(2010). Installation en taille réelle

L'artiste Noam Braslavsky présente dans le cadre de son exposition à la galerie Kishon de Tel Aviv, une installation hyper-réaliste controversée représentant Ariel Sharon. Rappelons que le politicien de 82 ans se trouve dans le coma depuis 2006; il est ici représenté allongé dans un lit d'hôpital, les yeux ouverts, un mécanisme simulant sa respiration.

"Depuis sa mise dans le coma en 2006, Ariel Sharon n'est plus avec nous et pourtant toujours présent. Son état entre la vie et la mort ne nous permet pas de le quitter, mais il ne peut vivre parmi nous. Il continue à occuper un poste politique comme une sorte d'ancêtre à suivre, il impressionne toujours et est haï ou admiré par ses partisans ou adversaires. Suspendu entre la vie et la mort, Sharon ne se radoucit pas. Cette exposition publique permet un «pèlerinage» de son vivant."

(Extrait du texte de présentation de Simon Joshua à propos de l'exposition).
Exposition jusqu'au 21 octobre 2010.
La Galerie : http://www.kishongallery.com/index.php

David Nash au YSP

Vue de l'exposition; Longside Gallery;Photo by Jonty Wilde

"One of the don't miss exhibitions of the year"The Sunday Telegraph

Une exposition rétrospective qui se veut une des plus grandes jamais organisées autour de l'oeuvre du sculpteur David Nash; 40 ans de création (dessins, sculptures monumentales, installations) dans le parc et les locaux du YSP, Yorkshire Sculpture Park.


Un ensemble de photos de l'exposition : http://www.flickr.com/photos/yspsculpture/sets/72157624094414268/

Série 2; Numéro 4/25; chêne et cèdre; 23 x 48 x 15 cm

L'artiste a, pour l'occasion, édité une série de "WHEELIE" à découvrir dans le catalogue en ligne : http://www.ysp.co.uk/files/ysp/DN%20wheelies.pdf ; vous pouvez les acquérir lors de votre visite (le prix n'est pas communiqué).
Exposition du 29 Mai 2010 au 27 février 2011.

Une interview du sculpteur dans "SCULPTURE" : http://www.sculpture.org/documents/scmag01/dec01/nash/nash.shtml

Parmi les artistes déjà exposés, Andy Goldsworthy : http://acasculpture.blogspot.com/2009/12/sculpture-mode-demploi.html
Et aussi dans la collection permanente : Mark di Suvero, Alec Finlay, Antony Gormley, Barbara Hepworth, Henry Moore, Dennis Oppenheim, James Turrell...

Ai Weiwei, graine de contestataire

The Unilever Series: Ai Weiwei Sunflower Seeds 2010

Photocredit: Tate Photography © Ai Weiwei et Loz Pycock

"La nouvelle installation présentée dans le Turbine Hall de la Tate Modern est un parterre de 1000 mètres carrés recouvert de graines de tournesol en céramique. Le musée craint que les visiteurs en emportent en souvenir.
Le nouveau projet d’artiste pour le Turbine Hall de la Tate Modern a été confié au Chinois Ai Weiwei ; il s’agit d’un parterre de 1 000 mètres carrés recouvert de 100 millions de graines de tournesol confectionnées en céramique. Les visiteurs sont invités à marcher sur les graines mais en revanche il leur est strictement interdit d’en emporter. Or les dirigeants du musée londonien craignent que les visiteurs n’emportent des graines en souvenir de l’installation... L’artiste a expliqué que la possibilité que le visiteur emporte une partie de l’œuvre est un concept qui lui plaît mais qu’il comprend également le point de vue du musée. Il a également signalé qu’il serait plus grave que certains visiteurs soient tentés de manger une graine."

Extraits d'un article paru sur artclair.com : http://www.artclair.com/site/archives/docs_article/78865/les-visiteurs-tentes-d-emporter-un-souvenir-de-la-nouvelle-installation-de-la-tate-modern.php

Le thème de cette installation (d'après wikipedia) : elle symbolise une des représentations classiques associées à Mao Zedong; ces graines sont en porcelaine et peintes individuellement à la main par près de 1600 artisans et ouvriers de la ville de Jingdezhen (dont la porcelaine est historiquement l'activité économique principale).

Aux dernières nouvelles, le public n'est plus admis en raison de dégagements de poussières imprévus : "La Tate Modern a expliqué vendredi que "l'interaction enthousiaste des visiteurs" dégageait un niveau de poussière de céramique "plus important que prévu".
Cette poussière pourrait être nuisible pour la santé "après une inhalation répétée sur une longue durée", précise le musée dans un communiqué. La Tate a donc décidé "en concertation avec l'artiste" de ne plus autoriser les visiteurs à marcher sur la sculpture. Celle-ci reste toutefois visible depuis une galerie la surplombant. " Associated Press http://fr.news.yahoo.com/3/20101015/twl-gb-art-risque-sante-1be00ca.html

Lire la critique, "très critique" : http://lunettesrouges.blog.lemonde.fr/2010/10/18/toc-made-in-china/

Cet artiste est aussi connu pour son engagement politique, ce qui lui vaut parfois quelques "ennuis" : http://www.artclair.com/site/archives/docs_article/67333/lartiste-ai-weiwei-affirme-avoir-ete-frappe-par-la-police-chinoise-et-a-du-etre-opere-en-allemagne.php

La page de la Tate Modern consacrée à l'installation réalisée dans le cadre des "Unilever Series" : http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/unileverseries2010/default.shtm

Le blog de l'artiste, juste pour les images (en chinois) : http://www.bullogger.com/blogs/aiww/

En Chine, il est d’ailleurs connu du grand public pour ses réflexions qu’il partage sur son blog. «Internet est l’une des choses les plus précieuses dans ce pays emmuré». Toutes les facettes de la Chine passent par son regard aiguisé. Depuis trois ans, il récolte des milliers de réactions, «mais ne répond jamais». Des lecteurs lui conseillent de modérer ses critiques, d’autres l’accusent de comploter contre le gouvernement. Pour l’artiste engagé et qui ne va «jamais» en ville, c’est un très bon moyen de prendre le pouls de la société.

Extrait d'un reportage sur l'artiste : Papiers de Chine : A Caochangdi, dans les espaces particuliers de Ai Weiwei : http://www.papiersdechine.ch/site/article.php?id=2006

D'autres articles à propos de l'artiste : http://toutsurlachine.blogspot.com/2009/09/portrait-ai-weiwei-lart-de-la.html ; http://www.lefigaro.fr/international/2009/06/30/01003-20090630ARTFIG00004-ai-weiwei-apotre-chinois-de-la-contestation-sociale-.php

L'oeuvre au noir, le marbre de Mazy

Un site intéressant pour les amateurs de la taille (et de beaucoup d'autres domaines du patrimoine industriel, civil, souterrain et religieux -voir par exemple une série remarquable d'articles très bien illustrés à propos de la cathédrale de Chartres http://tchorski.morkitu.org/9/chartres-04.htm); il évoque l'exploitation de la carrière du noir de Mazy (B), un des plus beaux et plus purs marbres noirs au monde, extrait de galeries souterraines : http://tchorski.morkitu.org/3/1597.htm . Cette carrière fait maintenant partie du groupe Merbes-Sprimont (http://www.merbes-sprimont.be/home.php). L'exploitation à Mazy a cessé, mais elle continue à Bossière (Golzinne). D'autres appellations et variétés : noir belge; noir de Tournai, de Dinant, de Golzinne.

Découvrir également le site des pierres et marbres de Wallonie : http://www.pierresetmarbres.be/fr/html/carrieres/marpic.php ; avec une série de ressources à télécharger : http://www.pierresetmarbres.be/fr/html/ensavoirplus/publications.php

Le Mobile Chanel s'immobilise...

Annoncé depuis peu sur le site de l'événement sous la forme d'un communiqué de presse, l'atterrissage du Mobile Art Chanel Contemporary Art Container. http://www.chanel-mobileart.com/?lang=fr_eu

"L'aventure artistique de Mobile Art Chanel Contemporary Art Container by Zaha Hadid s'arrête après Hong Kong, Tokyo et New York.
L'image qu'un tel événement aurait véhiculé dans les villes à venir n'aurait plus été dans l'air du temps. Expérience esthétique nomade sans précédent, Mobile Art a suscité beaucoup d'enthousiasme et de curiosité dans le monde entier pendant l'année 2008. En témoigne le plaisir exprimé par les 100 000 visiteurs et les médias de tous pays qui ont largement couvert cet événement. Nouvelle forme d'exposition conçue comme un parcours sensoriel, Mobile Art a donné au sac matelassé, élément phare du patrimoine de Chanel, son propre moyen d'expression en le confrontant à la création contemporaine. Mises en scène au sein d'un pavillon mobile spécialement crééé par l'architecte de renom Zaha Hadid à la demande de Karl Lagerfeld, une vingtaine d'oeuvres inspirées du sac matelassé, comme autant de points de vue originaux et insolites, ont renouvelé la vision de l'univers de Chanel. Utopie réalisée d'une oeuvre d'art totale, Mobile Art demeurera une expérience réussie et un succès mondial, réaffirmant avec force l'attachement de Chanel à la créativité et à l'avant-garde."

Et ce jour, une série d'articles confirmant que " le Mobile Art de Chanel devrait s'installer à Paris sur le parvis de l'Institut du Monde Arabe." le parisien.fr : http://www.leparisien.fr/laparisienne/mode/le-mobile-art-chanel-s-installe-a-paris-15-10-2010-1110381.php

Nous vous avions parlé de cet OVNI lors de sa création :

http://acasculpture.blogspot.com/2010/05/blog-post.html

http://acasculpture.blogspot.com/2008/03/sculpture-mobile-chanel-mobile-art.html

Découvrir le London 2012 Aquatics Centre par Zaha Hadid : http://www.archicentral.com/london-2012-aquatics-centre-by-zaha-hadid-starts-to-take-shape-1761/#more-1761

Moore au Musée Rodin

Henry Moore travaillant sur une armature en plâtre pour une figure allongée. Perry Green,(1959).

Photo : archive Fondation Henry Moore

Cette exposition consacrée au sculpteur anglais Henry Moore (1898-1986) sera la première grande rétrospective organisée à Paris depuis plus de trente ans, et l’occasion de renouer les liens établis dès 1956 entre le sculpteur anglais et le musée Rodin, notamment lors des expositions internationales organisées dans les jardins de l’hôtel Biron puis à l’occasion des deux expositions qui lui ont été consacrées en 1961 et 1971.

Pour évoquer l’atmosphère extraordinaire de l’atelier de Moore à Perry Green, en Angleterre, devenu aujourd’hui la Fondation Henry Moore, le musée Rodin présentera à l’automne 2010 plus de cent cinquante sculptures, deux pièces monumentales, une cinquantaine de dessins et trois albums de croquis, ainsi que des ossements, coquillages, morceaux de bois, et débris de toutes natures que l’artiste ramassait au cours de ses promenades et parmi lesquels il travaillait.

Extraits de la présentation de l'expo sur le site du musée Rodin : http://www.musee-rodin.fr/expomoore.html

Exposition du 15 octobre 2010 au 27 février 2011.

Le site de la Henry Moore Foundation : http://www.henry-moore.org/ ; vous y découvrirez Henry MoorePerry Green, Henry Moore InstituteLeeds et Grants ProgrammeInformation , les 3 institutions qui en dépendent.

Bougez, éliminez... Bruce Nauman

Une exposition où on peut tout toucher, expérimenter, se suspendre, se balancer à travers les sculptures: c'est l'expérience inédite à laquelle invite l'installation "Move" (Bougez) jusqu'au 9 janvier à la Hayward Gallery de Londres.
"Move" explore les relations entre l'art et la danse et invite directement le visiteur à participer.
Ici, des dizaines d'anneaux permettent de se suspendre et de progresser d'un bout à l'autre de la pièce sans mettre pied à terre. Là, on vous invite à vous déguiser en gorille pour boxer, grimper sur un tabouret ou vous balancer, tels les singes du film projeté derrière vous sur le mur.
Un étroit couloir contraint le visiteur à se coller à la paroi pour se glisser dans une lumière verte.
"Le couloir de Bruce Nauman vous impose de vous glisser de profil dans la sculpture: ce qui est intéressant c'est la façon dont ces artistes dans les années 60, 70 ont impliqué le visiteur, l'amenant à percevoir l'art avec tout son corps et pas seulement avec ses yeux", explique la commissaire de l'exposition, Nathalie Rosenthal.

Extrait de la dépêche de l'AFP : http://www.google.com/hostednews/afp/article/ALeqM5imfhn4LGsSSPWKpGZioYHnr4n7qA?docId=CNG.206042189c9e03306172ef05abeac6bd.441

Beaucoup de vidéos de l'artiste à découvrir, par exemple sur You Tube : http://www.youtube.com/results?search_query=Bruce+Nauman+&aq=f

"Faut que ça saigne" à la Villette

«Sunday lunch» (2009), Amelia Desnoyers;
polystyrène, résine acrylique, peinture polyuréthane, corde.180 x 60 x 20 cm.

Dans le cadre de la Biennale de Belleville, découvrez un parcours d'art contemporain dans les boucheries du 19e arrondissement.
Le Parcours d'Art contemporain CARNE présente du 30 septembre au 14 octobre 2010 des installations artistiques dans les boucheries, commerces et restaurants se situant sur les anciens territoires des abattoirs de La Villette.
Les artistes interrogent, illustrent de manière singulière et variée (tant par le support que par le rendu des œuvres) le geste ancien des transformateurs de bétail en viande, « Les Chevillards », des opérations d'abattage et « d'habillage ».
Le Parcours CARNE investit ce quartier multiculturel, chargé d'histoire et met en valeur la tradition du travail de la viande jusq'au 14 octobre 2010.

« Faut qu'ça saigne », chantait Boris Vian dans « Les Joyeux Bouchers », sur les abattoirs de la Villette... Des installations disséminées sur l'ancien territoire des abattoirs de la Villette (19e), fermés en 1974, forment le parcours d'art contemporain CARNE*. Le long de l'avenue Corentin-Cariou, boucheries, restaurants et autres commerces associés aux métiers de la viande servent d'écrin aux créations. Une meute d'animaux sauvages en peluche qui passent à travers un mur, un cochon de salon joliment recouvert de dentelles, un papier peint aux motifs géométriques en steak haché… Soixante artistes ont exprimé leur goût de la bidoche en sculptures, dessins, photos ou vidéos. Au final, les œuvres s'insèrent tellement bien dans le cadre que les clients s'étonnent à peine de les trouver là. Preuve que le parcours tombe à point.
Extraits d'un article d'Hélène Colau : http://www.20minutes.fr/article/604223/paris-le-parcours-carne-villette-art-cochon

Le site de l'expo : http://expo-carne.fr/

Stephen Talasnik, le charpentier

"Naked" (2006-2009); tilleul; 40 x 30 x 30 pouces

"Iceberg" (2002-2008); tilleul polymère; 60 x 72 x 40 pouces (1 " = 2.54 cm )

Architectus, en grec, désignait le maître des charpentiers, le bâtisseur. Celui qui créait et commandait les destinées de l'espace dans la cité. Voilà un titre qui convient tout à fait à l'artiste visionnaire new-yorkais Stephen Talasnik, qui expose ses impressionnantes sculptures futuristes et ses dessins fouillés à la galerie Battat Contemporary jusqu'au 23 octobre.

Panorama: monolithe intime est la première exposition de Talasnik au Canada. Pour l'occasion, l'artiste de 56 ans a créé une grande sculpture suspendue à la forme de nuage, Nimbus, constituée de morceaux de bois de tilleul et de peinture acrylique. Originale, la construction offre des points de vue permettant d'imaginer un pont ou une immense infrastructure futuriste...

Extraits de l'article consacré à l'exposition dans cyberpresse.ca : http://www.cyberpresse.ca/arts/arts-visuels/201010/06/01-4329973-stephen-talasnik-le-futurisme-a-son-maitre-des-charpentiers.php

La galerie : http://www.battatcontemporary.com/

Le site de l'artiste : http://www.stephentalasnik.com/